Giorgio de Chirico et les peintures invisibles

Les expériences sont-elles concrètes ? Les sentiments peuvent-ils se manifester ? Qu’y a-t-il au-delà de l’univers observable ? En 1911, lorsque Giorgio de Chirico a peint les premiers exemples de Pittura Metafisica, ou Peinture Métaphysique, ce sont là quelques-unes des questions qu’il tentait d’aborder. Comme beaucoup de ses contemporains, De Chirico était intimement conscient que la société occidentale se transformait de manière monumentale et irréversible. Plutôt que de peindre des représentations objectives de ce monde en mutation, il choisit d’exprimer les sentiments de ceux qui l’habitaient. Il était fasciné par la façon dont, face à l’inconnu, les gens trouvent du réconfort dans le mystique, le mystérieux et l’extrême. Alors que l’histoire était rapidement engloutie par un avenir vorace, De Chirico voulait représenter ce qui ne pouvait être vu : la vie intérieure des témoins solitaires et perplexes du temps. Pour cela, il dut relever un grand défi : comment visualiser ce qui est invisible. Inspiré par le travail des symbolistes du XIXe siècle, De Chirico se libéra du fardeau du réel et trouva refuge dans le symbolique, l’étrange et l’abstrait. Comme il l’inscrivit au dos de son autoportrait peint en 1911, « Que dois-je aimer sinon l’énigme ? »

L’essor des Symbolistes

Peu savent ce que l’on ressent à vivre ce que les Français appellent le fin de siècle, ou la fin d’une époque. Aujourd’hui, nous sommes si nombreux et les choses changent si vite qu’à un moment donné dans le monde, la fin d’une époque se produit chaque jour. On peut dire que la dernière fois que la civilisation humaine a connu un fin de siècle commun fut à la fin du XIXe siècle. C’était une période où des progrès sans précédent survinrent simultanément dans l’industrie, la technologie, la guerre, la production alimentaire, la médecine, le transport, la communication, la science, l’éducation et la culture. Tant de changements radicaux se produisaient en même temps qu’ils arrachèrent l’humanité à sa propre perception d’elle-même. L’avenir rendait le passé obsolète, ce qui transforma fondamentalement la manière dont les humains se voyaient, voyaient les autres et le monde physique.

Pendant des décennies précédant ce fin de siècle mondial, l’humeur générale de la plupart des gens n’était pas bonne. Les gens étaient pessimistes et effrayés. Ces extrêmes d’émotion se manifestèrent sous la forme d’un mouvement culturel connu sous le nom d’Art Symboliste. Selon les mots du poète symboliste français Stéphane Mallarmé, le but des Symbolistes était « de représenter non pas la chose mais l’effet qu’elle produit. » Les peintures symbolistes sont mélancoliques et expriment des points de vue extrêmes. Les spectateurs sont souvent submergés par les émotions qu’elles transmettent. Leur sujet importe peu. Ce qui compte, c’est la façon dont elles font ressentir les choses.

 

Giorgio de Chirico - L’Énigme de l’Heure, 1911. Collection privée

 

Giorgio De Chirico à Munich

En 1988, lorsque Giorgio De Chirico est né, le fin de siècle battait son plein. De Chirico est né en Grèce de parents italiens. À 17 ans, son père mourut. L’année suivante, Giorgio s’installa à Munich et s’inscrivit à des cours d’art. Il étudia les techniques classiques de peinture et lut de la philosophie, en particulier les travaux d’Arthur Schopenhauer, qui croyait que le comportement humain est déterminé par une tentative de satisfaire des désirs inconnus fondés sur une angoisse métaphysique. Toujours à Munich, De Chirico fit la connaissance des peintures étranges du symboliste Arnold Böcklin, qui abordaient les peurs et angoisses modernes avec une imagerie et une iconographie classiques.

Après ses études, De Chirico s’installa en Italie. Vivant à Milan, Florence et Turin, il fut confronté au contraste saisissant entre l’architecture ancienne de l’Italie et sa culture en pleine modernisation. Il décrivit comment la qualité métaphysique de cet environnement le remplissait d’un sentiment accablant de mélancolie. En 1910, alors qu’il était à Florence, il exprima ce sentiment à travers une série de peintures innovantes et très stylisées, dont L’Énigme d’un Après-midi d’Automne et L’Énigme de l’Oracle. L’éclairage dur, les figures isolées et le mélange d’iconographie contemporaine et classique devinrent des éléments essentiels du style distinctif de De Chirico, qui serait plus tard connu sous le nom de Peinture Métaphysique.

 

Giorgio de Chirico - L’Énigme de l’Oracle, 1911. Huile sur toile.

 

Rendre l’Invisible Visible

Que tentait de transmettre De Chirico avec ses peintures « énigmes » ? Les statues isolées, les rideaux sombres cachant une partie de l’image, les figures tournées de dos, les contrastes sévères entre ombre et lumière. Ce sont des images d’un monde rempli de reliques et de mystère, de secrets mystiques du passé. Ce sont des images de moments privés pleins d’inquiétudes inconnues. Bien que figuratives, ces images sont richement symboliques. Plutôt que de chercher à clarifier, elles abstraient joyeusement les faits, brouillent le message, rendant le contenu non interprétable sauf par l’ambiance.

Au fil des années, il ajouta des symboles abstraits supplémentaires qui compliquaient encore le sens de ses images, tout en renforçant leur atmosphère mélancolique et sombre. Il ajouta une image récurrente d’un train, toujours au loin, toujours soufflant de petites bouffées de fumée en passant. Il ajouta des horloges, symbole puissant du désir, car les instants, comme les trains solitaires et les navires à voile, passent. Et puis il y a les tours, seules, dominant le paysage, leurs points de vue solitaires objectivés et marginalisés alors qu’elles s’éloignent. Les images sont étranges — familières et pourtant inconnues — comme des rêves.

 

Giorgio de Chirico - Le Chant de l’Amour, 1914. Huile sur toile. 73 x 59,1 cm. Collection du Museum of Modern Art (MoMA). © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rome

 

L’Expansion du Symbolisme

En 1911, De Chirico s’installa à Paris où son style unique suscita beaucoup d’intérêt. Son travail fut présenté dans plusieurs expositions majeures et il attira l’attention du critique d’art influent Guillaume Apollinaire, qui l’aida à trouver un marchand d’art. Mais en 1915, lorsque la Première Guerre mondiale éclata, De Chirico retourna en Italie, comme tant d’autres artistes européens contraints de revenir dans leur pays pour combattre. Bien que cela ait pu briser son élan, il connut un tournant mystique du destin. Jugé physiquement inapte au combat, De Chirico fut affecté à un hôpital. Là, il rencontra le peintre Carlo Carrà, un peintre partageant la vision abstraite et symbolique de De Chirico.

La compagnie de Carrà approfondit la dépendance de De Chirico au symbolisme abstrait. Ses peintures commencèrent à inclure des images encore plus oniriques, contribuant à un langage visuel toujours plus étrange. La nature de ces nouvelles images était entièrement liée aux circonstances ayant provoqué la Grande Guerre. Tant de personnes étaient laissées pour compte, errant tristement dans l’arcade désolée et solitaire du passé, sans but ni direction. De Chirico aborda des thèmes d’amour, d’inspiration et de fantômes, plaçant des arrangements étranges d’objets matériels dans des lieux fortement éclairés, créant une ménagerie esthétique nourrie par la confusion et la perte d’identité.

 

Giorgio de Chirico - Les Muses Inquiétantes, 1916 - 1918. Collection privée

 

Influence sur les Surréalistes

Dans les années qui suivirent la guerre, la vision de De Chirico fut largement adoptée et sa renommée croissait rapidement. Pourtant, il considérait son style comme immature. Ainsi, en 1919, De Chirico décida d’abandonner la Peinture Métaphysique. Dans son essai Le Retour de l’Artisanat, il annonça son intention de revenir à une iconographie objective et à des sujets classiques.

L’ironie du timing de De Chirico fut que, seulement un an plus tard, l’écrivain surréaliste André Breton vit l’une de ses peintures, Le Cerveau de l’Enfant, exposée dans la vitrine d’une galerie. Cette rencontre fortuite conduisit toute une génération de jeunes peintres, dont Salvador Dalí et René Magritte, à s’intéresser au travail de De Chirico. Ces peintres, qui deviendraient connus sous le nom de Surréalistes, furent inspirés par la qualité onirique de ces peintures et la manière dont elles exploitaient l’esthétique abstraite de l’inconscient.

 

Giorgio de Chirico - Le Cerveau de l’Enfant, 1917. Huile sur toile. Nationalmuseum, Stockholm, Suède

 

L’Héritage Métaphysique Contemporain

En plus de créer un style singulièrement fascinant, les tentatives de De Chirico de peindre « ce qui ne peut être vu » ont laissé une piste d’indices esthétiques. Nous pouvons la suivre chaque fois que nous souhaitons revenir à nos racines symboliques primordiales pour affronter nos propres questions sur l’essence de l’être, la nature du temps ou les mystères de l’espace, ou lorsque nous sommes troublés par notre propre sentiment quotidien d’un fin de siècle sans fin. Car bien que nous possédions bien plus de données sur notre monde que nos ancêtres du début du XXe siècle, beaucoup de choses restent encore invisibles.

Malgré nos avancées scientifiques, nous ne sommes pas plus près que De Chirico de répondre aux questions essentielles de la Métaphysique, telles que « Que signifie exister ? » Nous n’avons pas répondu à la question de savoir si nous ne sommes que des corps ou si l’âme existe, et si elle existe, si toutes choses ont une âme ou seulement les êtres vivants. Mais grâce à des artistes comme De Chirico, nous disposons de modèles pour intégrer le symbolisme, l’art et le mystère dans nos vies. Nous sommes peut-être toujours les témoins solitaires et perplexes du temps, mais nous sommes au moins peut-être plus proches d’accepter notre ambiguïté métaphysique inhérente, afin que nous puissions apprendre à aimer, plutôt qu’à craindre, les mystères durables de notre existence.

 

Image en vedette : Giorgio de Chirico - L’Énigme d’un Après-midi d’Automne, 1910
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio