À l’intérieur du blockbuster du MoMA de Donald Judd

Bien qu'il soit décédé en 1994, Donald Judd reste l'un des artistes américains les plus influents de tous les temps. Ce printemps, nous aurons l'occasion de reconsidérer son héritage grâce à la rétrospective Judd, qui s'ouvrira le 1er mars 2020 au Musée d'Art Moderne de New York (MoMA). La première rétrospective Judd aux États-Unis en trois décennies offrira à toute une génération de spectateurs, qui n'ont vu son œuvre que par petites doses lors de foires d'art, dans des livres ou sur internet (à moins qu'ils n'aient fait le voyage jusqu'à Marfa, au Texas, où de nombreuses œuvres de Judd sont exposées en permanence), un accès extraordinaire à l'œuvre de Judd. Selon le communiqué de presse, Judd mettra en lumière « l'ensemble de [his] carrière à travers 70 œuvres en sculpture, peinture et dessin. » Une certaine ironie pourrait cependant se dégager de cette affirmation pour quiconque connaît Specific Objects, l'essai fondamental que Judd a publié en 1965 sur le « nouveau travail » réalisé à cette époque. Cet essai montre à quel point Judd se méfiait de l'usage de termes limitatifs comme peinture et sculpture. Il cherche à les dépasser en utilisant des expressions telles que objets spécifiques, bidimensionnel et tridimensionnel. Il montre aussi combien Judd était préoccupé par l'idée que l'art, pour être bon, doit être nouveau et totalement réfléchi. Il écrit : « Le nouveau travail implique toujours des objections à l'ancien, mais ces objections ne sont vraiment pertinentes que pour le nouveau. Elles en font partie. Si le travail antérieur est de premier ordre, il est complet. » En écartant la multitude de superficialités intégrées au langage de l'art, Judd jette les bases d'une meilleure norme pour parler de sa propre œuvre. Cette norme repose sur l'évitement de la vanité et de l'ego, ainsi que sur l'éradication de la spéculation. Il voulait que ses œuvres soient reconnues uniquement pour ce qu'elles sont réellement, et jugées sur leur mérite unique, indépendamment de leur auteur. Pourtant, 26 ans après sa mort, nous continuons à baser la valeur (notamment financière) de son œuvre sur le fait qu'elle est de lui, et à utiliser la même terminologie pour la décrire qu'il a tenté de subvertir dans les années 1960. Peut-être cela signifie-t-il que Judd a échoué dans sa tentative de changer notre manière de parler de l'art, mais cela n'enlève rien à la force du message qu'il a porté avec son travail.

Boîtes, Plateformes et Étagères

Judd au MoMA se déploie de manière chronologique, retraçant l'évolution de sa vision depuis le début des années 1960, lorsqu'il expérimentait une gamme relativement variée de formes, jusqu'aux années 1990, époque à laquelle il s'est presque entièrement fixé sur une sélection limitée de formes fabriquées ressemblant — mais sans être destinées à être considérées comme — des boîtes, plateformes et étagères. Aux débuts de sa carrière, Judd était aussi un critique d'art prolifique, ce qui signifie qu'en plus de sa propre quête d'une voix esthétique unique, il allait constamment voir le travail d'autres artistes et en écrivait. Le domaine artistique de l'époque était en pleine effervescence d'expérimentations radicales, donnant lieu à une succession rapide de nouveaux soi-disant mouvements, chacun nommé, mis en avant, puis abandonné plus vite que le précédent. Dans sa recherche de quelque chose pouvant s'élever au-dessus du désordre classique, Judd s'est tourné vers ce qu'il considérait comme la manifestation parfaite du monde moderne : l'industrialisation. Il percevait la beauté et la simplicité dans les formes fabriquées qu'il voyait dans les quincailleries, et était fasciné par leurs finitions parfaites.

Donald Judd - Sans titre, 1960. Huile sur toile, 70 × 47 7/8″ (177,8 × 121,6 cm). Galerie nationale du Canada, Ottawa © 2020 Judd Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Les premières tentatives de Judd pour exprimer la beauté du monde des formes fabriquées se sont traduites par une large gamme de constructions géométriques, certaines ressemblant à des marches et plateformes, d'autres prenant les formes préétablies dictées par les éléments préfabriqués qu'il utilisait pour réaliser ses œuvres. Avec le temps, cependant, la logique de son concept conduit Judd presque entièrement vers les carrés et rectangles. Il utilise cette gamme limitée de formes non pas pour exprimer la masse ou le volume, mais pour montrer comment l'espace et la couleur peuvent être reconfigurés à l'infini. Chaque forme est divisée différemment à l'intérieur, donc même si vous avez l'impression de voir la même forme encore et encore, vous rencontrez en réalité d'innombrables variations dans l'agencement de l'espace. Chaque étagère et pile suit une logique similaire, car de simples changements dans les finitions de surface et les couleurs démontrent le potentiel infini du système créé par Judd. En chemin, les croquis préparatoires réalisés par Judd offrent une réponse à ceux qui nient qu'un objet fabriqué par une machine puisse être appelé art.

Donald Judd - Sans titre, 1968. Acier inoxydable et Plexiglas ambre ; six unités, chacune 34 × 34 × 34″ (86,4 × 86,4 × 86,4 cm), avec des intervalles de 8″ (20,3 cm). Dimensions totales : 34 × 244 × 34″ (86,4 × 619,8 × 86,4 cm). Collection Layton Art, Purchase, au Milwaukee Art Museum © 2020 Judd Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York. Photo : © John R. Glembin

Rationalité et Forme

L'un des enseignements les plus importants de Judd au MoMA sera la prise de conscience que Donald Judd évoluait dans un monde rationnel. Je suis venu à le considérer comme l'Einstein du monde de l'art. Comme Einstein, Judd a longuement réfléchi aux problèmes auxquels lui et ses collègues étaient confrontés, et s'est défié de développer des théories susceptibles de donner un sens à son domaine amorphe et mal compris. Comme Einstein, qui croyait que la physique devait être rationnelle, et que toutes les formes existant dans l'univers doivent exister selon les lois de l'espace et du temps, Judd croyait que la créativité humaine est rationnelle, et que la création des formes doit suivre des étapes logiques. La lecture à la fois de la Théorie spéciale de la relativité et de Specific Objects révélera que ni Einstein ni Judd ne croyaient à la magie.

Donald Judd - Sans titre, 1989. Aluminium anodisé clair avec plaque acrylique ambre, 39 3/8 × 78 3/4 × 78 3/4″ (100 × 200 × 200 cm). Musée Glenstone, Potomac, Maryland © 2020 Judd Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York. Photo : © Tim Nighswander/Imaging4Art

Aussi brillant qu'Einstein ait été, il s'est parfois trompé. La base fondamentale de notre technologie la plus avancée aujourd'hui repose sur les enchevêtrements quantiques, un aspect étrange de la physique quantique que Einstein insistait pour dire qu'il ne pouvait pas exister. De même, au vu des diverses trajectoires non hiérarchiques et inattendues qu'a prises le domaine artistique depuis que Judd a écrit Specific Objects, il semblerait que Judd se soit aussi trompé sur certains points. Et tout comme la physique quantique offre une alternative à Einstein, de nombreux abstractionnistes ont proposé des alternatives convaincantes à Judd. Néanmoins, cette exposition arrive à un moment où le domaine artistique est de nouveau dominé par l'ego, la vanité, l'histoire, le récit, la recherche et d'autres prétentions similaires pour forcer du sens dans l'art. Peut-être que Judd, dont le travail est dépourvu de vanité et d'histoire à raconter, suggérera à une nouvelle génération d'artistes que leur travail pourrait bénéficier s'ils s'efforçaient un peu plus de s'effacer eux-mêmes au service de la création de quelque chose de nouveau, rationnel et complet.

Image en vedette : Donald Judd - Sans titre, 1991. Aluminium émaillé, 59″ × 24′ 7 1/4″ × 65″ (150 × 750 × 165 cm). Le Musée d'Art Moderne, New York. Legs de Richard S. Zeisler et don d'Abby Aldrich Rockefeller (tous deux par échange) et don de Kathy Fuld, Agnes Gund, Patricia Cisneros, Doris Fisher, Mimi Haas, Marie-Josée et Henry R. Kravis, et Emily Spiegel. © 2019 Judd Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York. Photo : John Wronn
Toutes les images sont utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio