Ed Moses, légende de la scène artistique de Los Angeles, est décédé à 91 ans

Ed Moses, pionnier de l'avant-garde californienne, est décédé paisiblement le 17 janvier 2018, dans sa maison de Venice Beach, entouré de sa famille. Aujourd’hui, beaucoup de gens ne savent pas qui était Moïse. Ou s’ils connaissent le nom, ils ne peuvent pas visualiser son œuvre. C’est peut-être parce que, s’il était l’un des peintres les plus prolifiques et les plus influents de sa génération, il était aussi l’un des plus insaisissables. Moïse ne s'est jamais qualifié d'artiste professionnel. Il a laissé cette désignation à ceux qui nourrissaient des positions esthétiques spécifiques en réponse aux demandes du marché. Il se considérait comme quelqu’un qui adorait peindre. Il appréciait la liberté et l'expérimentation et était complètement ouvert lorsqu'il travaillait. Il considérait le voyage vers la découverte comme la partie la plus intéressante de la création artistique. Même lorsqu'il est arrivé à un style populaire auprès des acheteurs, Moïse a changé ce qu'il faisait, à la recherche de son prochain voyage. En conséquence, son œuvre est si diversifiée qu’il est souvent difficile, même pour ceux qui l’ont connu, de déterminer si une œuvre lui appartient. C’est l’une des raisons pour lesquelles le nom d’Ed Moses est souvent laissé de côté dans les livres d’histoire de l’art. L’histoire de l’art est racontée principalement du point de vue du marché de l’art. La majeure partie de l’argent est versée à des œuvres immédiatement reconnaissables réalisées par des personnes dont l’histoire de vie est facile à raconter. Moïse ne rentrait dans aucune des deux catégories. L’histoire de sa vie était souvent aussi compliquée et imprévisible que son art. Mais même s’il n’a jamais obtenu une véritable reconnaissance de son vivant, il a créé un héritage fertile qui n’a même pas encore commencé à fleurir. Il est un exemple pour les artistes désireux de découvrir bien plus que le potentiel de leur marché. Il est la preuve qu’il existe un monde de l’art au sein du monde de l’art, qui soutient une population florissante de renégats déterminés à faire preuve d’imagination et de liberté.

Cœur sauvage

À la mort d'Ed Moses, son épouse Avilda Peters était à ses côtés. Elle avait épousé Moïse deux fois. La première fois, c'était en 1959. Après 17 ans, le couple a divorcé. Ils se sont remariés en 2015. Moses a déclaré un jour au Los Angeles Times que la cause de leur divorce était sa propre « folie ». Un regard sur son parcours pour devenir artiste met en lumière ce qu’il voulait dire. Moïse a appris jeune que la vie est imprévisible et impitoyable. Il était le seul survivant d'une famille de trois frères et sœurs. Ses parents vivaient à Hawaï. Leur fils aîné est décédé avant la naissance d'Ed. Alors qu'elle était encore enceinte d'Ed, sa mère a quitté son père et a navigué pour une nouvelle vie en Californie. Moïse est né sur le bateau. Dix ans plus tard, son autre frère décède, à 14 ans.

Moses a abandonné ses études secondaires à 17 ans et a rejoint la Marine. Il a servi comme médecin pendant les dernières années de la Guerre mondiale et, après avoir quitté le service, a brièvement envisagé de devenir médecin. Mais son intellect était plus adapté à la créativité qu’à la structure de l’école de médecine. En fait, même l’école d’art était un peu trop rigide pour lui. Il a fallu dix ans à Moïse pour obtenir sa maîtrise en beaux-arts, après avoir été transféré dans diverses écoles. Lorsqu'il a finalement terminé son MFA, il a mis fin à ses études selon ses propres conditions, en organisant son exposition de thèse finale non pas sur le campus, comme le font la plupart des candidats, mais hors site, à la Ferus Gallery, une nouvelle galerie alors décousue à West Hollywood.

Ed Moses - Cuba #2, 2014-2015, Acrylic on canvas, 52 × 43 × 1 1/2 in, 132.1 × 109.2 × 3.8 cm, William Turner Gallery, Santa Monica, © Ed Moses

Un étalon original

La Ferus Gallery a créé les artistes associés aux deux propositions esthétiques californiennes les plus influentes : le mouvement Light and Space et Finish Fetish. Lorsque la galerie a ouvert ses portes, elle avait pour vocation de montrer des œuvres d’art que personne d’autre n’était disposé à montrer. Les artistes étaient autorisés à faire ce qu’ils voulaient dans l’espace. Et c’était neutre en termes de genre. La première exposition comprenait des artistes masculins et féminins, et la première exposition personnelle à la galerie était celle de la peintre expressionniste abstraite Sonia Gechtoff. Mais peu après l’ouverture de Ferus, il est devenu évident que ce modèle commercial n’était pas viable. La liste des artistes a été réduite. Ceux qui sont restés, parmi lesquels Moses, Craig Kauffman, Robert Irwin, John Altoon, Billy Al Bengston, Larry Bell et Ed Ruscha, entre autres, étaient presque entièrement des hommes. Ils ont commencé à se désigner eux-mêmes sous le nom de The Studs.

En 1966, lorsque la Ferus Gallery ferma ses portes, l'argent n'était plus un problème, car de nombreux Studs avaient pris de l'importance. En raison de la nature expérimentale de son travail, Moïse restait joyeusement en marge. Ses premières ventes significatives n’interviennent que dans les années 1970. Même alors, lorsque certaines œuvres, telles que ses peintures en résine, sont devenues populaires auprès des collectionneurs et des musées, il a changé les choses à la recherche de quelque chose de nouveau qui pourrait entretenir son imagination. Il a déclaré un jour au Los Angeles Times : « Je ne veux pas faire des peintures que je peux faire. » Il était plus intéressé par les processus répétitifs, au cours desquels des révélations accidentelles pouvaient survenir.

Ed Moses - S Wall #X3, 2016, Acrylic on canvas, 60 × 138 × 1 1/2 in, 152.4 × 350.5 × 3.8 cm, William Turner Gallery, Santa Monica, © Ed Moses

L'école cool

Même si son approche expérimentale a pu retarder sa renommée, Moses était bien connu des autres artistes et des institutions qui embrassent le travail des artistes d’avant-garde. Il a reçu une bourse Guggenheim en 1980 et a organisé des rétrospectives au Museum of Contemporary Art de Los Angeles. Et aujourd'hui, ses peintures font partie des collections permanentes de plus de 40 musées américains, dont le MoMA, le Whitney, le Walker Art Center et la Menil Collection. Et il a également laissé sa marque sur la culture plus large de Californie, où il est connu comme le fondateur de la Cool School.

Moïse a établi la tradition californienne d'éviter le sérieux et la célébrité associés à la scène artistique new-yorkaise. Bien qu'il soit discutable de savoir combien de ses contemporains méritaient l'étiquette de Cool School, il ne fait aucun doute que Moïse l'a méritée. Il est resté expérimental et prolifique jusqu'à la fin de sa vie. Après avoir reçu un stimulateur cardiaque, il a déclaré à Artnet en 2016, tout en se préparant pour une rétrospective à New York : « Je suis en fauteuil roulant depuis... mais je continue à peindre. Chaque jour, j'invente des façons de peindre avec les matériaux, les outils et l'espace que j'ai, et je m'amuse à le faire ». En dehors du corpus d'art abstrait magistral qu'il a laissé derrière lui, cet héritage d'inventivité, de créativité et de plaisir est ce pour quoi Moïse sera le plus mémorisé.

Ed Moses - Fruit Bar 3, 2016, Acrylic on canvas, 24 × 30 in, 61 × 76.2 cm, Telluride Gallery of Fine Art, © Ed Moses

Image à la une : Ed Moses - D'abord, regardez les peintures. Ensuite, nous discuterons, Vue d'installation, 2016, Avec la courtoisie de l'artiste et Blain|Southern, Photo : Peter Mallet

Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement

Par Phillip Barcio