Ed Moses, légende de la scène artistique de Los Angeles, est décédé à 91 ans

Ed Moses, pionnier de l’avant-garde californienne, est décédé paisiblement le 17 janvier 2018, à son domicile de Venice Beach, entouré de sa famille. Aujourd’hui, beaucoup de gens ignorent qui était Moses. Ou, s’ils connaissent son nom, ils sont incapables de visualiser son œuvre. Cela tient peut-être au fait que, bien qu’il ait été l’un des peintres les plus prolifiques et influents de sa génération, il était aussi l’un des plus insaisissables. Moses ne s’est jamais qualifié d’artiste professionnel. Il réservait cette appellation à ceux qui défendaient des positions esthétiques précises en réponse aux exigences du marché. Il se voyait comme quelqu’un qui aimait simplement peindre. Il chérissait la liberté et l’expérimentation, et restait totalement ouvert pendant son travail. Il considérait le chemin vers la découverte comme la partie la plus intéressante de la création artistique. Même lorsqu’il parvenait à un style apprécié des acheteurs, Moses modifiait sa pratique, à la recherche de son prochain voyage. Par conséquent, son œuvre est si diverse qu’il est souvent difficile, même pour ceux qui le connaissaient, de déterminer si une œuvre est de lui. C’est l’une des raisons pour lesquelles le nom d’Ed Moses est souvent absent des livres d’histoire de l’art. L’histoire de l’art est principalement racontée du point de vue du marché de l’art. La majeure partie de l’argent va à des œuvres immédiatement reconnaissables, réalisées par des personnes dont le parcours est facile à raconter. Moses n’entrait dans aucune de ces catégories. Son histoire personnelle était souvent aussi désordonnée et imprévisible que son art. Mais, bien qu’il n’ait jamais obtenu la reconnaissance qu’il méritait de son vivant, il a créé un héritage fertile qui n’a même pas encore commencé à s’épanouir. Il est un exemple pour les artistes résolus à découvrir davantage que leur potentiel commercial. Il prouve qu’il existe un monde de l’art au sein du monde de l’art, qui soutient une population florissante de renégats attachés à être imaginatifs et libres.

Sauvage dans l’âme

À la mort d’Ed Moses, son épouse Avilda Peters était à ses côtés. Elle avait épousé Moses deux fois. La première fois, c’était en 1959. Après 17 ans, le couple a divorcé. Ils se sont remariés en 2015. Moses a un jour confié au Los Angeles Times que la cause de leur divorce était sa propre «folie». Un regard sur son parcours pour devenir artiste permet de comprendre ce qu’il voulait dire. Moses a appris très jeune que la vie est imprévisible et impitoyable. Il était le seul survivant d’une fratrie de trois enfants. Ses parents vivaient à Hawaï. Leur fils aîné est mort avant la naissance d’Ed. Alors qu’elle était encore enceinte d’Ed, sa mère a quitté son père et embarqué pour une nouvelle vie en Californie. Moses est né sur le bateau. Dix ans plus tard, son autre frère est mort, à l’âge de 14 ans.

Moses a quitté le lycée à l’âge de 17 ans et s’est engagé dans la Marine. Il a servi comme infirmier pendant les dernières années de la Seconde Guerre mondiale et, après avoir quitté l’armée, a brièvement envisagé de devenir médecin. Mais son intelligence était davantage adaptée à la créativité qu’à la structure des études de médecine. En fait, même l’école d’art était un peu trop rigide pour lui. Moses a mis dix ans à obtenir son master en beaux-arts, après avoir intégré puis quitté plusieurs établissements. Lorsqu’il a enfin terminé son MFA, il a mis fin à ses études selon ses propres conditions, en organisant son exposition de fin d’études non pas sur le campus, comme le font la plupart des candidats, mais hors site, à la Ferus Gallery, une galerie alors nouvelle et encore marginale de West Hollywood.

Ed Moses - Cuba #2, 2014-2015, Acrylique sur toile, 52 × 43 × 1 1/2 in, 132.1 × 109.2 × 3.8 cm, William Turner Gallery, Santa Monica, © Ed Moses

Un vrai Stud

La Ferus Gallery a établi la réputation des artistes associés aux deux propositions esthétiques californiennes les plus influentes - le mouvement Light and Space et le Finish Fetish. À son ouverture, la galerie se consacrait à présenter des œuvres que personne d’autre n’était disposé à montrer. Les artistes pouvaient faire ce qu’ils voulaient dans l’espace. Et celui-ci était non genré. La première exposition réunissait des artistes hommes et femmes, et la première exposition personnelle de la galerie était consacrée à la peintre expressionniste abstraite Sonia Gechtoff. Mais peu après l’ouverture de Ferus, il est devenu évident que ce modèle économique ne pouvait pas se maintenir. La liste des artistes a été réduite. Ceux qui sont restés, parmi lesquels Moses, Craig Kauffman, Robert Irwin, John Altoon, Billy Al Bengston, Larry Bell et Ed Ruscha, entre autres, étaient presque tous des hommes. Ils ont commencé à se désigner eux-mêmes sous le nom de The Studs.

En 1966, lorsque la Ferus Gallery a fermé, l’argent n’était plus un problème, car nombre des Studs avaient acquis une grande notoriété. En raison de la nature expérimentale de son travail, Moses est resté avec bonheur en marge. Ses premières ventes importantes ne sont arrivées que dans les années 1970. Même alors, lorsque certains ensembles d’œuvres, comme ses peintures en résine, sont devenus populaires auprès des collectionneurs et des musées, il changeait de direction à la recherche de quelque chose de nouveau qui puisse continuer à stimuler son imagination. Il a un jour déclaré au Los Angeles Times : «Je ne veux pas réaliser des peintures que je suis capable de réaliser.» Il s’intéressait davantage aux processus répétitifs, au cours desquels des révélations accidentelles pouvaient survenir.

Ed Moses - S Wall #X3, 2016, Acrylique sur toile, 60 × 138 × 1 1/2 in, 152.4 × 350.5 × 3.8 cm, William Turner Gallery, Santa Monica, © Ed Moses

La Cool School

Bien que son approche expérimentale ait peut-être retardé sa renommée, Moses était bien connu des autres artistes et des institutions qui soutiennent le travail des artistes d’avant-garde. Il a reçu une bourse Guggenheim en 1980 et a fait l’objet d’une rétrospective au Museum of Contemporary Art de Los Angeles. Aujourd’hui, ses peintures figurent dans les collections permanentes de plus de 40 musées américains, notamment le MoMA, le Whitney, le Walker Art Center et la Menil Collection. Il a également laissé son empreinte sur la culture californienne au sens large, où il est connu comme le fondateur de la Cool School.

Moses a établi la tradition californienne consistant à éviter le sérieux et la célébrité associés à la scène artistique new-yorkaise. Même si le nombre de ses contemporains qui méritaient l’étiquette de la Cool School est discutable, il ne fait aucun doute que Moses l’avait bien méritée. Il est resté expérimental et prolifique jusqu’à la fin de sa vie. Après avoir reçu un stimulateur cardiaque, il a déclaré à Artnet en 2016, alors qu’il préparait une rétrospective à New York : «Je suis en fauteuil roulant depuis... mais je continue à peindre. Chaque jour, j’invente des façons de peindre avec les matériaux, les outils et l’espace dont je dispose, et je m’amuse à le faire.» Au-delà de l’ensemble d’œuvres abstraites magistrales qu’il a laissées, c’est cet héritage d’inventivité, de créativité et de plaisir dont on se souviendra surtout à propos de Moses.

Ed Moses - Fruit Bar 3, 2016, Acrylique sur toile, 24 × 30 in, 61 × 76.2 cm, Telluride Gallery of Fine Art, © Ed Moses

Image à la une : Ed Moses - First, look at the paintings. Then we’ll shoot the shit, vue d’installation, 2016, avec l’aimable autorisation de l’artiste et de Blain|Southern, photo : Peter Mallet

Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement

Par Phillip Barcio 2018

Édité par IdeelArt (2026)