Robert Morris - Un artiste et sculpteur pas comme les autres
Robert Morris a défini l’art en le définissant à peine. Il disait : « L’art est avant tout une situation. » Pour le reformuler en termes humains, imaginez que vous rencontriez Morris lors d’une fête et qu’on vous le présente comme « Robert Morris, artiste ». Votre réaction à cette présentation serait bien différente si on vous le présentait, par exemple, comme « Robert Morris, scientifique » ou « Robert Morris, plombier ». Chaque étiquette a ses propres connotations. La façon dont vous réagiriez à chacune dépendrait de nombreux facteurs, comme le type de fête, qui sont les autres invités, et quelles sont vos propres suppositions personnelles sur les artistes, les scientifiques et les plombiers. Appliquez maintenant cette même réflexion à l’art. Par exemple, considérez l’œuvre emblématique de Morris Sans titre (Feutre rose) (1970). Cette pièce consiste essentiellement en un tas de bandes de feutre rose jetées sur le sol. Si vous la rencontriez pour la première fois, vous commenceriez bien sûr immédiatement à interagir avec elle intellectuellement. Mais la direction que prendrait votre intellect serait bien différente si on vous disait que ce tas de feutre est une œuvre d’art plutôt que des chutes laissées après un chantier. Comme pour tout dans la vie, l’art ne se définit pas par sa description physique, ses qualités formelles, ni même son fondement conceptuel. Les circonstances sont tout. Quelque chose peut être de l’art ou ne pas en être — tout dépend de la situation.
Ce qui fait fonctionner l’art
Robert Morris a commencé ses études universitaires en tant qu’étudiant en ingénierie, il n’est donc peut-être pas surprenant qu’il ait mené sa carrière artistique en démontrant une conscience fondamentale des processus sous-jacents qui font fonctionner les choses. Non seulement il avait toujours montré un intérêt pour les processus menant à la création d’une œuvre d’art, mais il avait aussi manifesté une fascination constante pour la question fondamentale de ce qu’est une œuvre d’art dans un sens utilitaire — quel est son but, sa signification, et son utilité pour l’humanité. Dans sa quête pour découvrir les réponses à ces questions, il a exploré de nombreuses formes d’expression artistique. En plus de la peinture, du dessin et de la sculpture, il a travaillé dans les domaines de la danse, de la chorégraphie, du théâtre et de la musique. Au début de sa carrière artistique, il s’est intéressé au rôle que joue le mouvement dans les arts de la scène, ainsi qu’aux liens entre le mouvement et les arts plastiques. Il en est venu non seulement à voir les objets esthétiques comme des reliques de gestes performatifs, mais aussi à considérer leur forme finale comme sans importance, puisque les processus sous-jacents à leur création étaient la véritable expression de l’étincelle créative.
Robert Morris - Sans titre, 1974, feutre gris foncé, œillets métalliques, 271,8 × 558,8 × 109,2 cm, Galerie Castelli, New York, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York
Deux œuvres précoces créées par Morris en 1969 exprimaient clairement ses sentiments sur le processus créatif. L’une s’intitulait Sans titre (Scatter Piece), et l’autre Continuous Project Altered Daily. Les deux furent exposées au dépôt de la Galerie Leo Castelli sur la West 108th Street à New York. Scatter Piece était exactement ce que son nom indique — un tas d’objets dispersés dans un espace. La moitié des objets étaient en feutre doux, l’autre moitié en métal. Les dimensions et l’apparence des objets étaient déterminées par un mélange d’aléatoire et de choix arbitraires. Pendant ce temps, Continuous Project était un assemblage de terre et de débris ramassés dans la ville. Chaque jour, Morris venait y apporter des modifications, ajoutant, retirant ou déplaçant des éléments. L’apparence ou l’agencement des objets n’avait pas d’importance. Le but des deux œuvres était simplement que les gens viennent et déplacent les différents éléments, afin qu’ils puissent se sentir en présence des choses et devenir partie prenante de la situation.
Robert Morris - Sans titre (Scatter Piece), 1968-69, feutre, acier, plomb, zinc, cuivre, aluminium, laiton, dimensions variables, vue d’installation à la Galerie Leo Castelli, New York. Photo Genevieve Hanson. © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York
Conscience des objets dans l’espace
Morris a continué d’explorer l’idée que les considérations formelles sont sans importance en créant des œuvres pour galeries et musées utilisant les formes géométriques les plus simples. Il a réalisé de grands cubes, des formes en « L », des arcs carrés et des boîtes. Chaque objet était destiné uniquement à être manipulé par des personnes dans l’espace. En plus de créer des œuvres pour galeries et musées, Morris fut aussi un pionnier du mouvement Art de la Terre. L’Art de la Terre est un art qui existe en plein air et utilise l’environnement naturel. Il tend à être éphémère et non destiné à la conservation. Morris a utilisé l’Art de la Terre pour éliminer la barrière entre les gens et les espaces désignés pour ce qu’on appelle l’art. L’une de ses œuvres monumentales d’Art de la Terre est L’Observatoire. Situé en Flevoland, aux Pays-Bas, il consiste en deux cercles concentriques de terre, sur lesquels pousse maintenant de l’herbe. Quatre entrées dans le cercle extérieur s’alignent avec le lever du soleil aux équinoxes, faisant de l’œuvre une sorte de Stonehenge moderne.
Robert Morris - Observatoire, 1997, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York
L’une des sculptures récentes les plus marquantes de Morris est son Labyrinthe de verre, installé en permanence sur le terrain du Musée Nelson-Atkins à Kansas City, Missouri (la ville où il est né). Vu d’en haut, le labyrinthe est un triangle traversé par un dédale géométrique. Les visiteurs entrent dans le labyrinthe et parcourent les chemins jusqu’à en trouver la sortie. Les murs font deux mètres dix de haut et sont en verre d’un pouce d’épaisseur. C’est le verre le plus clair au monde, si bien que les personnes qui traversent le labyrinthe ne peuvent pas déterminer combien de panneaux de verre les séparent du monde extérieur. L’œuvre résume beaucoup de ce que représente Morris. Elle est faite de formes géométriques simples, mais offre une expérience physique profonde ; sa présence dépend des circonstances de son environnement ; elle est étroitement liée à la nature ; elle est éphémère, changeant constamment au rythme du monde en perpétuel changement visible à travers elle ; et surtout, son statut d’œuvre d’art dépend de sa situation — une situation qui n’est jamais complète tant que l’un d’entre nous ne vient pas interagir avec elle et la rendre entière.
Robert Morris - Labyrinthe de verre, 2013, verre, acier, bronze et pierre, 15,24 x 15,24 x 15,24 mètres, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York
Image en vedette : Robert Morris - Sans titre (Feutre rose), 1970, morceaux de feutre de différentes tailles, dimensions totales variables, Musée Solomon R. Guggenheim, New York, Collection Panza, 1991, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio
