Robert Morris - Un artiste et sculpteur pas comme les autres

Robert Morris a défini l'art en à peine le définissant. Il a dit : « L'art est principalement une situation. » Pour reformuler cela en termes humains, imaginez que vous rencontriez Morris à une fête et qu'il vous soit présenté comme « Robert Morris, Artiste. » Votre réaction à cette présentation serait très différente de si on l'avait présenté comme, disons, « Robert Morris, Scientifique » ou « Robert Morris, Plombier. » Chaque étiquette a ses propres connotations. Comment vous réagiriez à chacune dépendrait de nombreuses choses, comme le type de fête, qui sont les autres invités, et quelles sont vos propres suppositions personnelles sur les artistes, les scientifiques et les plombiers. Maintenant, appliquez cette même ligne de pensée à l'art. Par exemple, considérez l'œuvre emblématique de Morris Untitled (Pink Felt) (1970). Cette pièce consiste essentiellement en un tas de bandes de feutre rose jetées en vrac sur le sol. Si vous deviez y faire face pour la première fois, vous commenceriez bien sûr immédiatement à interagir avec elle intellectuellement. Mais la direction que prendrait votre intellect serait très différente si on vous disait que le tas de feutre est de l'art plutôt que si on vous disait que ce sont des chutes laissées par un projet de construction. Comme tout le reste dans la vie, l'art n'est pas défini par sa description physique, ses qualités formelles, ou même sa fondation conceptuelle. Les circonstances sont tout. Quelque chose pourrait être de l'art ou cela pourrait ne pas être de l'art - tout dépend de la situation.

Qu'est-ce qui fait qu'une œuvre d'art fonctionne ?

Robert Morris a commencé sa carrière universitaire en tant qu'étudiant en ingénierie, il n'est donc peut-être pas surprenant qu'il ait conduit sa carrière artistique en démontrant une conscience fondamentale des processus sous-jacents qui font fonctionner les choses. Non seulement il a toujours montré un intérêt pour les processus qui mènent à la création d'une œuvre d'art, mais il a également manifesté une fascination continue pour la question sous-jacente de ce qu'est une œuvre d'art dans un sens utilitaire : quel est son but, quelle est sa signification et quelle utilité a-t-elle pour l'humanité. Dans le cadre de sa quête pour découvrir les réponses à ces questions, il a exploré de nombreuses formes d'expression artistique. En plus de la peinture, du dessin et de la sculpture, il a travaillé dans les domaines de la danse, de la chorégraphie, du théâtre et de la musique. Au début de sa carrière artistique, il s'est intéressé au rôle que joue le mouvement dans les arts de la scène, et aux façons dont le mouvement se rapporte également aux arts plastiques. Il en est venu non seulement à voir les objets esthétiques comme des reliques de gestes performatifs, mais aussi à considérer leur forme finale comme sans importance, puisque les processus sous-jacents de leur création étaient la véritable expression de l'étincelle créative.

Robert Morris - Untitled, 1974, Dark gray felt, metal grommets, 107 × 220 × 43 in, 271.8 × 558.8 × 109.2 cm, Castelli Gallery, New York, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

Deux des premières œuvres créées par Morris en 1969 exprimaient clairement ses sentiments sur le processus créatif. L'un s'appelait Untitled (Scatter Piece) et l'autre s'appelait Continuous Project Altered Daily. Les deux ont été exposés au Leo Castelli Gallery Warehouse sur West 108th Street à New York. Scatter Piece était exactement ce à quoi cela ressemble : un groupe d'objets dispersés dans un espace. La moitié des objets étaient en feutre doux et l’autre moitié en métal. Les dimensions et l’apparence des objets étaient déterminées par un mélange de hasard et de choix arbitraires. Pendant ce temps, le Continuous Project était un conglomérat de terre et de détritus acquis autour de la ville. Chaque jour, Morris venait apporter des modifications au Projet continu, y ajoutant, en retranchant ou en déplaçant des éléments. L’apparence ou la disposition des objets n’avait aucune importance. Le but des deux œuvres était simplement de faire entrer les gens et de se déplacer autour des différents éléments, afin qu'ils puissent se sentir en présence des choses et faire partie de la situation.

Robert Morris - Untitled (Scatter Piece), 1968-69, felt, steel, lead, zinc, copper, aluminum, brass, dimensions variable, installation view at Leo Castelli Gallery, New York. Photo Genevieve Hanson. © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

Conscience des objets dans l'espace

Morris a continué à explorer la notion selon laquelle les considérations formelles sont sans importance en créant des œuvres pour des galeries et des musées qui utilisaient les formes géométriques les plus simples. Il a réalisé de grands cubes, des formes en "L", des arches carrées et des boîtes. Chaque objet était destiné uniquement à être interagi avec par des personnes dans l'espace. En plus de créer des œuvres pour des galeries et des musées, Morris était également un pionnier du mouvement Land Art. Le Land Art est un art qui existe à l'extérieur et utilise l'environnement naturel. Il tend à être éthéré et non-archivistique par essence. Morris a utilisé le Land Art pour éliminer une barrière entre les gens et les espaces désignés pour ce qu'on appelle l'art. L'une de ses œuvres monumentales de Land Art est The Observatory. Situé à Flevoland, aux Pays-Bas, il se compose de deux cercles de terre concentriques, sur lesquels l'herbe pousse maintenant. Quatre entrées dans le cercle extérieur s'alignent avec le lever du soleil lors des équinoxes, faisant de l'œuvre une sorte de Stonehenge moderne.

Robert Morris - Observatory, 1997, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

L'une des sculptures récentes les plus frappantes réalisées par Morris est son Labyrinthe de verre, installé en permanence sur le terrain du Nelson-Atkins Museum of Art à Kansas City, Missouri (la ville où il est né). Vu de dessus, le labyrinthe est un triangle coupé par un dédale géométrique. Les gens entrent dans le labyrinthe et parcourent les sentiers jusqu’à trouver une sortie. Les murs mesurent sept pieds de haut et sont faits de verre d'un pouce d'épaisseur. C'est le verre le plus clair sur Terre, donc pendant que les gens se promènent dans le labyrinthe, ils sont incapables de déterminer combien de panneaux de verre se trouvent entre eux et le monde extérieur. L’ouvrage résume en grande partie ce qu’est Morris. Il est constitué de formes géométriques simples, et pourtant il offre une expérience physique profonde ; sa présence est déterminée par les circonstances de son environnement ; il est intimement lié à la nature ; il est éphémère, changeant constamment à mesure que le monde en constante évolution est visible en lui ; et plus important encore, son statut d’art dépend de sa situation – une situation qui n’est jamais complète jusqu’à ce que l’un de nous se présente pour interagir avec lui et le rendre entier.

Robert Morris - Glass Labyrinth, 2013, Glass, steel, bronze and stone, 50 x 50 x 50 feet, 15.24 x 15.24 x 15.24 meters, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

Image à la une : Robert Morris - Sans titre (Pink Felt), 1970, morceaux de feutre de différentes tailles, dimensions hors tout variables, Solomon R. Guggenheim Museum, New York Panza Collection , 1991, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York
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Par Phillip Barcio