Créer une tradition contemporaine - Jeffrey Gibson

J'ai eu une expérience rare récemment en regardant le travail de Jeffrey Gibson. Quelque chose dans mon travail m'a ouvert une porte. Cela m’a exposé à une relation plus large et plus intéressante avec l’espace physique. Vous voyez, je participe à beaucoup d’expositions d’art. Et j’ai tendance à entretenir le même type général de relation avec chaque exposition à laquelle je participe. Vous pouvez probablement deviner de quel type de relation cela dépend, d’après la façon dont j’en parle en ce moment. Cela se définit par le fait que je me sens séparé de l’art et de l’espace qu’il habite. Je me considère, l'art, l'exposition et l'espace comme quatre choses distinctes, sans lien inhérent. J'entre dans un espace où l'art est exposé, je regarde l'art, je pense à ce que je regarde, puis plus tard, à mesure que le temps passe, l'œuvre peut ou non résonner en moi de diverses manières. Bien sûr, il y a eu des cas où l’œuvre m’a amené à ne pas la voir de cette façon, comme par exemple un James Turrell Skyspace, dans lequel l’espace est l’art. Mais la plupart du temps, je considère presque toujours les expositions d’art comme une occasion d’aller quelque part et de regarder quelque chose. Ce qui s’est passé avec le travail de James Gibson, cependant, c’est qu’il m’a fait naître un autre type de relation. Il n’était pas disposé à accepter la limitation d’être simplement un objet dans un espace à regarder et à réfléchir. Par la puissance de sa présence, il m’a fait savoir que je ne voyais pas l’ensemble du tableau. Cela m'a fait comprendre que l'art n'occupe pas seulement l'espace : l'espace et l'art s'habitent l'un l'autre. Et lorsqu’une personne entre dans cette relation, un événement se produit dans lequel les trois – l’art, l’espace et la personne – deviennent des collaborateurs égaux. Je ne parle de rien de spirituel ou de métaphysique. Je dis que de la même manière qu’une personne qui revêt un uniforme militaire « devient » un soldat, ou qu’une personne qui revêt un vêtement « devient » un ministre, lorsqu’un espace organise une exposition d’art, il « devient » quelque chose. nouveau, quelque chose de plus. Et lorsque nous entrons en relation avec cette chose nouvelle – cette combinaison d’art et d’espace – nous l’habitons de la même manière qu’un prêtre habite un vêtement ou qu’un soldat habite un uniforme. Nous lui insufflons la vie. Nous lui donnons le pouvoir et ses privilèges. C’est plus que cela n’aurait été le cas autrement grâce à notre présence. Et c'est à nous de démontrer ce que cela signifie.

Pow-wow et raves

Jeffrey Gibson est né dans le Colorado en 1972. Son héritage familial est amérindien, en partie Cherokee et en partie Choctaw. En raison du travail de son père, Gibson a voyagé dans sa jeunesse, vivant à différentes époques en Corée du Sud, en Allemagne, en Angleterre et dans divers endroits des États-Unis. Le mélange des influences culturelles était pour lui tantôt éclairant, tantôt frustrant. Un bon exemple est son amour pour la musique et la danse. En tant que jeune homme, il a été initié à la tradition amérindienne du pow-wow, un rassemblement social au cours duquel de la musique est jouée et des costumes vibrants sont animés par des danseurs. Et lorsqu'il était adolescent en Asie et en Europe, il a pu appliquer ce même esprit dans sa vie en allant dans des clubs avec ses amis pour écouter de la musique et danser. Mais lorsqu’il est revenu aux États-Unis à l’âge de 16 ans, il a été plongé dans une culture dans laquelle il était trop jeune pour fréquenter les bars et les clubs. Il s’agissait d’une bizarrerie culturelle subtile mais omniprésente. Il était attiré par la musique et la danse, mais avait peu de moyens d'exprimer ce sentiment d'une manière socialement acceptable.

Un débouché qu'il a trouvé était la scène rave underground, qui, selon lui, avait à bien des égards le même genre d'esprit que le pow-wow : elle était sociale, elle était construite autour de la musique et la scène encourageait les individus à manifester leur personnalité à travers des ornements et des costumes. et attirer l'attention sur eux-mêmes à travers la danse. Après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires, il a obtenu son BFA à l'Art Institute of Chicago en 1995. Puis, après avoir été admis au programme de maîtrise en beaux-arts du Royal College of Art de Londres, il a découvert par son chef que le Mississippi Band of Les Indiens Choctaw étaient prêts à payer ses frais de scolarité à sa place. Gibson a déclaré dans une interview accordée à ARTnews en 2007 : « Mon chef avait le sentiment que mon arrivée là-bas, en tant qu'artiste fort, le rendait plus fort. » Le travail que Gibson a réalisé depuis qu'il a obtenu sa maîtrise en beaux-arts en 1998 et qu'il est retourné aux États-Unis s'inspire de la gamme vaste et diversifiée d'expériences culturelles qui ont rempli son éducation, en particulier le sens de ses nombreuses communautés et une attirance pour l'héritage de pow-wow et raves : des espaces qui prennent vie lorsqu'ils sont habités par des gens et de l'art.

Jeffrey Gibson - Here it Comes, 2014, Mixed Media, Photo Credit Scott McCrossen/ FIVE65 Design

Combattre les généralisations

Le travail réalisé par Gibson intègre de nombreux médiums et formes, mais véhicule un langage esthétique unificateur. Ce langage est dominé par des couleurs vives et pures, des formes géométriques aux bords nets et des motifs optiques. L’imagerie évoque immédiatement à la fois l’abstraction moderniste et l’esthétique amérindienne. Ce qui est si efficace dans cette combinaison, c’est qu’elle ouvre immédiatement la voie à ce que ces deux positions esthétiques peuvent potentiellement offrir. L’art abstrait moderniste utilise des formes et des motifs de manière autoréférentielle, appelant des triangles des triangles, et rien de plus, et demandant aux spectateurs d’apprécier les relations de couleurs selon leur propre mérite sans rechercher une quelconque sorte de sens codé et sous-jacent. Mais la tradition amérindienne est intrinsèquement codée. Un triangle n'est jamais seulement un triangle. Il symbolise quelque chose : peut-être quelque chose de personnel, peut-être quelque chose de culturel, peut-être quelque chose de poétique. Mais peu importe, cela a une signification pour quelqu'un. En raison de la double tradition dont émergent ces pièces, nous sommes libres de les interpréter ouvertement, en y ajoutant nos propres traditions, codes et attentes.

L’une des œuvres les plus emblématiques créées par Gibson jusqu’à présent est une série de sacs de boxe ornés de perles colorées. Il a rencontré pour la première fois des sacs de boxe lorsque son thérapeute lui a suggéré d'embaucher un entraîneur personnel pour l'aider à gérer la colère qu'il ressentait en tant que jeune artiste essayant de trouver sa voix et sa voie dans le monde de l'art contemporain. La forme du sac est elle-même symbolique. Cela implique la résistance, l’isolement et le transfert d’énergie. Les sacs de boxe bougent et se balancent. Ils cèdent à la pression, mais reviennent toujours à leur position initiale. Ils sont doux et durs à la fois. Gibson crée des images sur eux en utilisant des médiums tels que des perles et des textiles en streaming, qui témoignent de la compréhension préconçue que les gens contemporains ont de l'art amérindien. Il ajoute parfois du texte dans les compositions, invitant à une contemplation plus profonde de l'imagerie et de la forme. Les sacs de boxe sont recouverts du langage visuel de l’histoire de l’art, ainsi que du langage codé du récit culturel et du langage matériel de la généralisation. Ils parlent du combat que nous vivons tous alors que nous essayons de comprendre ce que nous allons devenir.

Jeffrey Gibson - Stillwater, 2017, Acrylic and Graphite on Canvas, 31 × 27 in, 78.7 × 68.6 cm (Left) and Village, 2017, Acrylic and Graphite on Canvas, 31 × 27 in, 78.7 × 68.6 cm (Right), photo credits De Buck Gallery

Formes Habitantes

Ce qui m'influence le plus directement quand je considère le travail de Jeffrey Gibson, ce sont ses costumes. Il crée des costumes fluides, colorés et élaborés et les place sur des structures en bois. J'imagine immédiatement en mettre un. Je pense à la manière dont le costume me transformerait si je le portais. Puis je réfléchis à la façon dont je le transformerais. Ensemble, nous deviendrions quelque chose de plus expressif que nous ne le sommes chacun de notre côté. Les formes, les couleurs et les motifs du costume prendraient une nouvelle signification lorsqu'ils seraient combinés avec les mouvements de mon corps. L’objet d’art et moi fusionnerions pour devenir une forme vivante de communication.

Quelque chose dans la façon dont ces costumes illustrent la fusion de l'art, de l'espace et du corps humain m'a donné un nouvel aperçu, non seulement de ces œuvres d'art, mais de toutes les œuvres d'art. L'espace d'exposition est détenteur d'images et d'objets, tout comme ces costumes. J'y entre, comme si j'enfilais un costume sur mon corps. Alors que j'habite l'exposition et que je m'y déplace, les images et les objets sur ses surfaces prennent vie par mon mouvement. Cela peut paraître ringard, mais je n’ai plus l’impression d’être juste un gars qui va à des expositions d’art pour voir de l’art. Maintenant, je réalise que chaque espace qui expose de l’art est comme l’un de ces costumes confectionnés par Jeffrey Gibson. Il nous attend, attend notre souffle et notre corps pour que nous puissions le remplir, l'animer, lui donner vie et nous donner mutuellement plus de sens que chacun de nous n'aurait jamais pu avoir seul.

Jeffrey Gibson - Another Tongue, 2016 18 × 11 1/2 × 13 po, 45,7 × 29,2 × 33 cm (Gauche) et I Should Know Better, 2016, 18 1/2 × 15 × 14 po, 47 × 38,1 × 35,6 cm (À droite), crédits photo Roberts & Tilton, Culver City

Image présentée : Jeffrey Gibson -Infinite Sampling, 2010, crayon, aquarelle, peinture acrylique, ruban adhésif, fil, impressions pigmentaires d'archives, 58 5/8 × 96 3/ 8 × 2 3/4 po, 148,9 × 244,8 × 7 cm

Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement

Par Phillip Barcio