Créer une tradition contemporaine - Jeffrey Gibson

J'ai vécu une expérience rare récemment en regardant le travail de Jeffrey Gibson. Quelque chose dans son œuvre m'a ouvert une porte. Cela m'a exposé à une relation plus vaste et plus intéressante avec l'espace physique. Vous voyez, je fréquente beaucoup d'expositions d'art. Et j'ai tendance à entretenir le même type de relation générale avec chaque exposition à laquelle j'assiste. Vous pouvez probablement deviner quel genre de relation c'est d'après la façon dont j'en parle en ce moment. Elle se définit par le fait que je me sens séparé de l'art et de l'espace qu'il occupe. Je me vois, l'art, l'exposition et l'espace comme quatre choses distinctes, sans lien inhérent. J'entre dans un lieu où l'art est exposé, je regarde l'art, je réfléchis à ce que je vois, puis plus tard, avec le temps, l'œuvre peut ou non résonner en moi de différentes manières. Bien sûr, il y a eu des cas où l'œuvre m'a empêché de la voir ainsi, comme un Skyspace de James Turrell, où l'espace est l'art. Mais pour la plupart, je vois presque toujours les expositions d'art comme des occasions d'aller quelque part et de regarder quelque chose. Ce qui s'est passé avec le travail de James Gibson, cependant, c'est qu'il a suscité en moi un autre type de relation. Il ne voulait pas se contenter de la limitation d'être simplement des objets dans un espace regardés et réfléchis. Par la force de sa présence, il m'a fait comprendre que je ne voyais pas toute l'image. Il m'a fait réaliser que l'art n'occupe pas seulement l'espace : l'espace et l'art s'habitent mutuellement. Et quand une personne entre dans cette relation, un événement se produit où les trois — l'art, l'espace et la personne — deviennent des collaborateurs égaux. Je ne parle pas de quelque chose de spirituel ou métaphysique. Je dis que de la même manière qu'une personne qui revêt un uniforme militaire « devient » soldat, ou qu'une personne qui porte une aube « devient » ministre, quand un espace organise une exposition d'art, il « devient » quelque chose de nouveau, quelque chose de plus. Et quand nous entrons en relation avec cette nouveauté — cette combinaison d'art et d'espace — nous l'habitons de la même manière qu'un prêtre habite une aube ou qu'un soldat habite un uniforme. Nous lui insufflons la vie. Nous lui donnons pouvoir et privilèges. Il est plus qu'il ne l'aurait été autrement grâce à notre présence. Et c'est à nous de montrer ce que cela signifie.

Powwows et Raves

Jeffrey Gibson est né au Colorado en 1972. Son héritage familial est amérindien, en partie cherokee et en partie choctaw. En raison du métier de son père, Gibson a beaucoup voyagé jeune, vivant à différentes périodes en Corée du Sud, en Allemagne, en Angleterre et dans divers endroits aux États-Unis. Ce mélange d'influences culturelles a parfois été éclairant pour lui, et parfois frustrant. Un exemple marquant est son amour pour la musique et la danse. Jeune homme, il a été initié à la tradition amérindienne du powwow, un rassemblement social où la musique est jouée et où des costumes éclatants prennent vie grâce aux danseurs. Et adolescent en Asie et en Europe, il a pu faire vivre ce même esprit en fréquentant des clubs avec ses amis pour écouter de la musique et danser. Mais à son retour aux États-Unis à 16 ans, il s'est retrouvé dans une culture où il était trop jeune pour entrer dans les bars et les clubs. C'était une bizarrerie culturelle subtile mais omniprésente. Il était attiré par la musique et la danse, mais avait peu de moyens d'exprimer ce sentiment de manière socialement acceptable.

Une échappatoire qu'il a trouvée fut la scène rave souterraine, qui, à bien des égards, avait le même esprit que le powwow : c'était social, centré sur la musique, et la scène encourageait les individus à manifester leur personnalité par l'ornement et les costumes, et à attirer l'attention par la danse. Après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires, il a décroché son BFA à l'Institut d'Art de Chicago en 1995. Puis, après avoir été admis au programme de maîtrise en beaux-arts du Royal College of Art à Londres, il a appris par son chef que la bande choctaw du Mississippi était prête à payer ses frais de scolarité. Gibson a déclaré dans une interview en 2007 avec ARTnews : « Mon chef pensait que mon passage là-bas, en tant qu'artiste fort, le rendait plus fort. » Le travail que Gibson réalise depuis l'obtention de son MFA en 1998 et son retour aux États-Unis est nourri par cette vaste et diverse gamme d'expériences culturelles qui ont marqué son enfance, en particulier un sens de ses nombreuses communautés, et une attirance pour l'héritage des powwows et des raves : des espaces qui prennent vie quand ils sont habités par des personnes et de l'art.

Jeffrey Gibson - Here it Comes, 2014, Techniques mixtes, Crédit photo Scott McCrossen/ FIVE65 Design

Lutter contre les généralisations

Le travail de Gibson intègre de nombreux médiums et formes, mais transmet un langage esthétique unificateur. Ce langage est dominé par des couleurs vives et pures, des formes géométriques aux contours nets, et des motifs optiques. L'imagerie évoque immédiatement à la fois l'abstraction moderniste et l'esthétique amérindienne. Ce qui est si efficace dans cette combinaison, c'est qu'elle ouvre immédiatement ce que ces deux positions esthétiques peuvent potentiellement offrir. L'art abstrait moderniste utilise les formes et motifs de manière autoréférentielle, appelant un triangle un triangle, et rien de plus, demandant aux spectateurs d'apprécier les relations de couleurs pour elles-mêmes sans chercher un sens codé ou sous-jacent. Mais la tradition amérindienne est intrinsèquement codée. Un triangle n'est jamais seulement un triangle. Il symbolise quelque chose : peut-être quelque chose de personnel, peut-être quelque chose de culturel, peut-être quelque chose de poétique. Mais quoi qu'il en soit, il a une signification pour quelqu'un. En raison des doubles traditions dont ces pièces émergent, nous sommes libres de les interpréter ouvertement, en ajoutant nos propres traditions, codes et attentes au mélange.

L'un des ensembles d'œuvres les plus emblématiques créés par Gibson est une série de sacs de frappe ornés de perles colorées. Il a découvert les sacs de frappe lorsque son thérapeute lui a suggéré d'engager un entraîneur personnel pour l'aider à gérer la colère qu'il ressentait en tant que jeune artiste cherchant sa voix et sa voie dans le monde de l'art contemporain. La forme du sac est en elle-même symbolique. Elle implique résistance, isolement et transfert d'énergie. Les sacs de frappe bougent et oscillent. Ils cèdent sous la pression, mais reviennent toujours à leur position initiale. Ils sont à la fois doux et durs. Gibson crée des images dessus en utilisant des médiums comme les perles et les textiles flottants, qui parlent à la compréhension préconçue que les gens contemporains ont de l'art amérindien. Il insère parfois du texte dans les compositions, invitant à une contemplation plus profonde de l'imagerie et de la forme. Les sacs de frappe sont couverts du langage visuel de l'histoire de l'art, ainsi que du langage codé du récit culturel et du langage matériel de la généralisation. Ils parlent du combat que nous vivons tous en essayant de comprendre ce que nous allons devenir.

Jeffrey Gibson - Stillwater, 2017, Acrylique et graphite sur toile, 31 × 27 po, 78,7 × 68,6 cm (gauche) et Village, 2017, Acrylique et graphite sur toile, 31 × 27 po, 78,7 × 68,6 cm (droite), crédits photo De Buck Gallery

Habiter les formes

Ce qui m'influence le plus directement quand je considère le travail de Jeffrey Gibson, ce sont ses costumes. Il crée des costumes fluides, colorés, élaborés et les place sur des structures en bois. J'imagine immédiatement en enfiler un. Je pense aux façons dont le costume me transformerait si je le portais. Puis je pense à la manière dont je le transformerais. Ensemble, nous deviendrions quelque chose de plus expressif que chacun de nous seul. Les formes, couleurs et motifs du costume prendraient un nouveau sens combinés aux mouvements de mon corps. L'objet d'art et moi fusionnerions pour devenir une forme vivante de communication.

Quelque chose dans la façon dont ces costumes illustrent la fusion de l'art, de l'espace et du corps humain m'a donné une nouvelle compréhension — non seulement de ces œuvres, mais de toutes les œuvres d'art. L'espace d'exposition est un réceptacle d'images et d'objets, tout comme ces costumes. J'y entre, comme enfilant un costume sur mon corps. En habitant l'exposition et en me déplaçant à l'intérieur, les images et objets sur ses surfaces prennent vie grâce à mes mouvements. Cela peut sembler banal, mais je ne me sens plus simplement comme un gars allant à des expositions pour regarder de l'art. Maintenant, je réalise que chaque espace qui expose de l'art est comme l'un de ces costumes que Jeffrey Gibson crée. Il nous attend, attend notre souffle et nos corps pour que nous le remplissions, l'animions, lui donnions vie, et que nous nous accordions mutuellement plus de sens que ce que nous aurions pu avoir seuls.

Jeffrey Gibson - Another Tongue, 2016 18 × 11 1/2 × 13 po, 45,7 × 29,2 × 33 cm (gauche) et I Should Know Better, 2016, 18 1/2 × 15 × 14 po, 47 × 38,1 × 35,6 cm (droite), crédits photo Roberts & Tilton, Culver City

Image en vedette : Jeffrey Gibson - Infinite Sampling, 2010, Crayon, aquarelle, peinture acrylique, ruban, fil, tirages pigmentaires d'archives, 148,9 × 244,8 × 7 cm

Toutes les images sont utilisées à des fins d'illustration uniquement

Par Phillip Barcio