Revisiter le champ de couleurs et l'Op Art du célèbre artiste polonais Wojciech Fangor

Wojciech Fangor avait le don d'exprimer à la fois la simplicité et la profondeur dans son art. Initialement formé comme artiste réaliste dans sa Pologne natale dans les années 1930, il a passé les premières années de sa carrière à devenir un peintre figuratif, un graphiste et un architecte talentueux. Après la Seconde Guerre mondiale, comme beaucoup de ses contemporains polonais, il consacre ses efforts à créer des images promouvant le réalisme socialiste. Pourtant, avec le temps, il a élargi son intérêt au-delà de la peinture figurative et, finalement, c'est son travail abstrait qui a assuré sa réputation comme l'un des artistes polonais les plus influents du 20^ème siècle. Son voyage vers l'abstraction a commencé dans les années 1950, lorsqu'il a commencé à explorer la manière dont les compositions peintes pouvaient affecter la perception que les spectateurs ont de l'espace physique. Les œuvres abstraites issues de cette enquête sont ses réalisations les plus emblématiques. Plusieurs d'entre eux ont été inclus dans l'exposition historique du MoMA de 1965, The Responsive Eye, qui a introduit l'Op Art dans l'imaginaire du public. (Fangor était le seul peintre d'origine polonaise inclus dans cette exposition.) Se concentrant sur les cercles, les diagonales et les formes de vagues, ces peintures incitent l'œil à percevoir le mouvement. Des nuances émergent sur les bords où les formes se dissolvent. Les subtilités des relations de couleurs sourdes inspirent la contemplation des vides environnants. Avec ces œuvres, Fangor a comblé les astuces visuelles normalement associées à l’Op Art avec l’espace mental introspectif associé à la Color Field Painting. Une sélection des œuvres exposées par Fangor dans The Responsive Eye sera bientôt à nouveau visible, à partir du 19 avril 2018, dans l'exposition inaugurale de Heather James Fine Art New. York.Wojciech Fangor : The Early 1960s promet de réengager les spectateurs contemporains avec la conversation entamée par Fangor il y a plus d'un demi-siècle à propos de les mystères abstraits de la couleur, de la forme et de l'espace pictural.

L'agencement de l'espace

Fangor est parvenu à apprécier l’abstraction par une voie très pratique. Une gare lui a montré le chemin. Il a collaboré avec deux architectes pour repenser les zones souterraines du système ferroviaire central de Varsovie. Leur objectif était de rendre l’espace plus humaniste et moins claustrophobe. Fangor a eu l'idée de placer des œuvres de mosaïque abstraites dans les murs de pierre en utilisant une palette de couleurs qui évoluerait progressivement au fur et à mesure que les voyageurs se précipitaient dans la gare. Le mouvement cinétique des passants activait les images sur les murs, créant une expérience esthétique dynamique qui permettait aux gens de se sentir plus connectés à leur environnement. Son travail de conception de la station de métro a inspiré Fangor à réimaginer l'expérience que vivent les spectateurs lorsqu'ils se rendent à une exposition d'art. Plutôt que de concevoir les expositions comme des occasions permettant aux gens de se tenir immobiles devant des œuvres d'art individuelles, il s'est demandé comment il pourrait activer l'espace d'exposition de la même manière qu'il avait activé la station de métro.

Wojciech Fangor - #6, 1963, 61 1/4 x 51 1/4 in, huile sur toile, © Wojciech Fangor, avec l'aimable autorisation de Heather James Fine Art New York

La solution qu'il a proposée a été révélée dans son exposition Spatial Study de 1958, dont la première a eu lieu au Salon « Nowa Kultura » à Varsovie. L'exposition est considérée comme l'un des premiers exemples d'installation environnementale. Pour créer l'œuvre, Fangor a collaboré avec Stanisław Zamecznik, l'un des architectes du projet de métro. Ensemble, ils ont conçu un scénario dans lequel les spectateurs d'art seraient autorisés à se déplacer librement dans un espace, expérimentant des éléments esthétiques tout au long de leur parcours. Leur mouvement serait aussi important pour leur expérience que l’art. Fangor a créé 20 peintures abstraites pour l'installation. Il a accroché quatre des tableaux au mur et les 16 autres étaient répartis dans la pièce sur des chevalets. Les images jouaient des tours d’optique entre elles selon la perspective du spectateur. Chaque spectateur qui est entré a choisi son propre chemin à travers l'installation. Au fur et à mesure qu’ils parcouraient l’espace, les astuces optiques ont évolué. Leur expérience changeait en fonction de leurs mouvements.

Wojciech Fangor - Noir et rose, 1960, 38 x 31 po, huile sur toile, © Wojciech Fangor, avec l'aimable autorisation de Heather James Fine Art New York

L'élimination de la surface

Fangor a eu plusieurs réalisations en réalisant les œuvres abstraites pour l'installation Spatial Study. L’une de ses découvertes clés a été que lorsqu’il créait une composition optiquement abstraite, il percevait que l’image semblait se détacher de la surface et se projeter dans l’espace. Il a appelé ce phénomène « espace illusoire positif ». Il en est venu à considérer le processus de création d’un espace illusoire positif comme l’élimination progressive de la surface. En d’autres termes, plus il pouvait créer d’espace illusoire avec une image, moins le spectateur percevrait qu’il y avait une quelconque surface supportant l’image – les formes sembleraient planer dans le vide entre la toile et les yeux du spectateur. . Cette idée est au cœur de la plupart des images que Fangor a montrées dans The Responsive Eye, et celles exposées à Heather James Fine Art New York.

Wojciech Fangor - Fuseau rose et noir, 1960, 39 x 29 1/2 po, huile sur toile, © Wojciech Fangor, avec l'aimable autorisation de Heather James Fine Art New York

L'illusion d'espace dans ces œuvres est accentuée par la manière dont Fangor a flouté les contours de ses formes. Les couleurs spectrales s'estompent alors que les formes semblent se séparer de l'arrière-plan. Des cercles concentriques semblent pulser ; une vague de couleur ondule à travers une toile, semblant fluctuer devant les yeux ; une colonne verticale de lunes croissantes semble tomber au ralenti du ciel. Ces peintures possèdent une sensibilité cinétique nuancée. Plus on regarde les formes de près et plus on fixe son regard, plus elles semblent effectivement flotter dans l'espace. À mesure que les formes deviennent plus dimensionnelles, les couleurs deviennent plus éphémères, et la surface s'éloigne dans la distance. Comparées au travail d'autres pionniers de l'Op Art tels que Bridgett Riley et Victor Vasarely, les peintures réalisées par Fangor sont subtiles. Pourtant, en regardant l'immense étendue du reste de son œuvre, il est évident qu'elles ont joué un rôle vital dans son développement, et dans les découvertes que sa génération a faites sur les mystères de la forme et de l'espace. Wojciech Fangor : Les années 1960 est exposé à Heather James Fine Art New York du 19 avril au 30 juin 2018.

Image en vedette : Wojciech Fangor - Square 21, 1962, 35 1/2 x 35 1/2 po, huile sur toile, © Wojciech Fangor, avec l'aimable autorisation de Heather James Fine Art New-Yorkais

Par Phillip Barcio