Le Wadsworth Atheneum Museum of Art rend hommage au sculpteur expressionniste abstrait Herbert Ferber
Herbert Ferber était une énigme. Il fut l’un des artistes les plus influents du XXe siècle, et pourtant la plupart des gens aujourd’hui n’ont jamais entendu parler de lui. Ferber fréquentait les plus célèbres des célèbres — Pollock, Krasner, de Kooning, Motherwell, Rothko. Il exposa même à leurs côtés à la galerie Betty Parsons. En fait, Ferber faisait partie des 18 « Irascibles » qui écrivirent une lettre ouverte au Metropolitan Museum of Art pour protester contre son exposition American Painting Today en 1950. Il figure parmi les membres célèbres de ce groupe notoire qui accompagna l’article du magazine Life, crédité d’avoir fait connaître l’expressionnisme abstrait au monde. Malgré toutes ces marques de renommée, cependant, Ferber n’est pas vraiment un nom familier. Une raison pourrait être que c’est ainsi qu’il le souhaitait. Ferber est extrêmement difficile à décrire car il était très attaché à l’idée que l’art devait être bien plus important que les artistes. Il estimait que c’est l’idée derrière l’œuvre qui devait être discutée, et que la question de la qualité de la réalisation de cette idée devait être au centre de toute écriture sur l’art. Néanmoins, aussi valable que soit ce point de vue quelque peu existentiel, il me semble essentiel de parler de l’artiste dans une certaine mesure. Sans les artistes et les particularités qui les poussent à faire ce qu’ils font, il n’y aurait pas d’art à regarder ni à écrire du tout. Surtout dans le cas de Ferber, les détails de sa vie personnelle sont essentiels aux idées qu’il a développées. Si vous ne connaissez pas ses idées, c’est le moment idéal pour faire leur connaissance. Une exposition rétrospective au Wadsworth Atheneum Museum of Art à Hartford, Connecticut, intitulée Herbert Ferber : L’espace en tension, présente 40 œuvres de l’artiste, couvrant toute sa carrière et posant les bases pour comprendre son importance dans le développement de l’art abstrait.
Construire, Déconstruire
Né à New York en 1906, Ferber est venu à la sculpture par le biais de l’école dentaire. Il devait réaliser des études anatomiques en cours. Un de ses professeurs reconnut qu’il avait un talent particulier pour dessiner des parties du corps et lui conseilla de poursuivre l’art comme un passe-temps complémentaire à la dentisterie. Ferber s’inscrivit aussitôt à des cours du soir à l’Institut des Beaux-Arts de New York. Bien qu’il ait obtenu son diplôme de dentisterie et exercé même à temps partiel, sa passion pour les idées rencontrées à l’école d’art dévora rapidement tout son temps libre. Il commença par le dessin et la peinture, mais se sentit bientôt plus attiré par le domaine conceptuel de la sculpture.
Herbert Ferber - Rutgers #6, 1959, © Succession Herbert Ferber
Ses premières expériences sculpturales consistaient à superposer des couches de plâtre pour créer des modèles figuratifs de la figure humaine. Ferber appelait ce procédé de construction d’une forme sculpturale par couches une tradition « ancestrale ». Pourtant, sa curiosité l’amena à explorer d’autres méthodes. Il fut impressionné par la manière dont l’architecture romane créait une fausse impression d’échelle et de perspective. Il appréciait comment l’espace vide à l’intérieur, par exemple d’une église, prenait autant d’importance que la structure physique elle-même. Il fut inspiré par cette idée d’une armature qui collabore avec l’espace ouvert. Construire une sculpture, ou même la tailler, ne pouvait pas atteindre ce même sens de l’espace, alors il décida de travailler le métal. Le procédé de soudure lui permit de créer ce qu’il appelait des « sculptures ouvertes », ou des formes assemblées incorporant à la fois des matériaux solides et de l’espace vide.
Herbert Ferber - Cavalier Apocalyptique II, 1947, © Succession Herbert Ferber
Sculpture abstraite gestuelle
La première grande exposition que Ferber obtint fut à la galerie Betty Parsons. Elle comprenait ce qu’il appelait des sculptures « gestuelles » — des formes « naturalistes » avec « une sorte d’arrangement gestuel ». L’œuvre fut considérée comme surréaliste par certains critiques, et abstraite par d’autres. Ferber disait qu’aucune de ces descriptions n’était tout à fait juste. Il expérimentait simplement des moyens d’exprimer des idées simples. Il voulait créer des formes qui traversent l’espace. Il voulait comprendre la différence entre forme et espace. Il voulait explorer comment un geste physique pouvait se manifester en un objet solide. Il voulait laisser ses matériaux et ses procédés exprimer leur vérité. Ce sont, soulignait Ferber, les questions dont tous les artistes de l’École de New York parlaient à l’époque. Elles n’étaient cependant pas des questions importantes pour le public acheteur, qui ignorait largement Ferber et la plupart de ses contemporains, du moins au début.
Herbert Ferber - Hommage à Piranèse IV B, 1963-64, © Succession Herbert Ferber
Malgré la pauvreté et l’indifférence, Ferber et les autres restaient philosophiques et idéalistes. Il se souvient avoir parlé sans fin avec d’autres artistes d’une seule œuvre, approfondissant toujours plus ses ramifications conceptuelles. Comme il le disait dans une interview en 1968 pour les Archives d’Art Américain du Smithsonian, « nous ne parlions pas du genre de choses que j’entends de nos jours, comme où tu exposes ou ce que tu vends, ou quelles commandes tu as obtenues. Mais c’était toujours à propos des idées impliquées dans la rupture avec ou le développement vers une nouvelle forme ou une nouvelle idée. » Finalement, ces idées mûrirent pour devenir les points de discussion bien établis qui définissent aujourd’hui d’innombrables expositions muséales et essais sur l’art américain du milieu du XXe siècle. Ferber alla au-delà. Il continua d’évoluer et de se pousser dans son atelier. Chaque choix qu’il fit en tant qu’artiste lui permit de réaliser une idée, et cela resta son objectif principal jusqu’à la fin. Son aversion pour l’auto-glorification a pu le maintenir à l’écart des médias de masse puisqu’il attribuait toujours le mérite aux idées et non à son nom, mais cela donna aussi à son œuvre authenticité, vitalité et puissance. Herbert Ferber : L’espace en tension se tient jusqu’au 29 juillet 2018 au Wadsworth Atheneum Museum of Art.
Image en vedette : Herbert Ferber : L’espace en tension, vue de l’installation au Wadsworth Atheneum Museum of Art, © Wadsworth Atheneum Museum of Art
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio
