En souvenir du grand Robert Ryman

Le peintre américain Robert Ryman est décédé à l'âge de 88 ans. Son décès a été annoncé dans un communiqué de sa galerie. Artiste autodidacte, Ryman a créé une vaste œuvre qui a intrigué, ravi et dérouté les spectateurs pendant plus de 50 ans. La grande majorité de ses peintures étaient pour la plupart blanches. Ryman n’a pas tardé à souligner, cependant, qu’ils n’étaient pas destinés à être des « peintures blanches ». Il les a plutôt décrits comme des peintures sur lesquelles la couleur blanche était utilisée pour rendre visibles d’autres choses. Il n’essayait pas de révéler les choses lui-même. Il n’avait aucun agenda social, politique ou intellectuel. Il créait plutôt des situations dans lesquelles les peintures pouvaient se révéler. Le blanc, pensait-il, était plus révélateur que les autres couleurs. Il a comparé l'effet à celui de renverser du café sur une chemise blanche. « Vous pouvez voir le café très clairement », a-t-il déclaré. "Si vous en renversez sur une chemise sombre, vous ne le voyez pas aussi bien." Quant à la question de savoir quelles choses étaient révélées par la blancheur de ses peintures, Ryman a généreusement laissé le choix aux spectateurs. Il a dit : « Ce qu’est la peinture, c’est exactement ce que les gens voient. » Au fil des décennies, les gens ont rapporté avoir vu toutes sortes de choses, et des non-choses, dans ses peintures. Certains disent voir des boules de coton ou des formations nuageuses. D’autres déclarent avoir vu des expressions conceptuelles des processus techniques de la peinture. Beaucoup ont décrit ce qu’ils considèrent comme abstrait. Ryman ne se considère cependant pas comme un peintre abstrait. Il considérait ses peintures comme des objets autoréférentiels. "Il n'y a aucun symbolisme ou histoire que j'ai besoin de raconter", a-t-il déclaré. Son insistance douce sur ce point a fait de lui le parfait ambassadeur de l’actualité éternelle de la peinture. En réalisant des centaines de belles peintures, tout en s'écartant à peine de son utilisation d'une seule couleur, Ryman a prouvé indéniablement qu'une variété infinie de peintures attend encore d'être réalisée.

Des peintures, pas des images

Robert Ryman est né à Nashville, Tennessee, en 1930. Après avoir obtenu son diplôme universitaire, il a servi dans l'armée américaine en tant que musicien, jouant dans un orchestre de réserve de l'armée pendant la guerre de Corée. Guerre. Lorsqu’il s’installe à New York en 1953, il le fait avec l’intention de devenir musicien de jazz et non peintre. Il n’avait jamais suivi de cours d’art auparavant. Sa principale ambition était simplement de trouver un emploi en ville avec le moins de responsabilités possible afin de pouvoir se concentrer entièrement sur sa vie créative. Ryman a accepté un poste de gardien au Musée d'Art Moderne. C'est là qu'il voit ses premières peintures. Au début, il ne réalisait pas que ce qu’il regardait était en soi des peintures. Il voyait les objets accrochés aux murs du musée comme des images. Il considérait leurs surfaces et leurs matériaux comme secondaires par rapport au sujet que les images étaient censées transmettre.

Robert Ryman - Attendant, 1984. Huile sur fibre de verre avec aluminium, boulons et vis. 51 7/8 x 47 x 2 1/8" (131,8 x 119,4 x 5,4 cm). Anne et Sid Bass Fund. Collection MoMA. © 2019 Robert Ryman

Son esprit a changé la première fois qu'il a vu une peinture de Mark Rothko. A déclaré Ryman : « Je n'avais jamais vu une peinture de cette manière auparavant. Je regardais des images tout le temps, et ici il y avait quelque chose qui avait une sensation totalement différente. » Rothko ne percevait pas ses peintures comme des images. Il les considérait comme des portails transcendantaux. Il avait l'intention que la surface, la peinture, les couleurs, les textures, la lumière et l'environnement physique de la peinture fassent tous partie de la même expérience. Il voulait que les spectateurs ne regardent pas « à » les peintures, mais qu'ils s'immergent dans l'expérience qu'elles offraient. À travers la contemplation de ses peintures, Rothko espérait que les spectateurs entrent dans un état contemplatif - c'était le véritable but de son travail. « Je ne savais pas ce qu'il faisait, » a déclaré Ryman. Mais Ryman était au moins conscient à partir de ce moment-là de la différence essentielle entre les peintures et les images. Inspiré par cette révélation, il se dirigea vers le magasin de bricolage et pour la première fois de sa vie acheta des peintures et une surface sur laquelle peindre.

Robert Ryman - Pont, 1980. Peinture anti-huile et antirouille sur toile avec quatre attaches en métal peint et boulons carrés. 75 1/2 x 72 po. (191,7 x 182,8 cm). Konrad Fischer, Düsseldorf, Thomas Ammann, Zurich, acquis auprès de ceux-ci par l'actuel propriétaire. © 2019 Robert Ryman

Ne cessez jamais d'expérimenter

N'ayant jamais participé au monde académique de l'art, Ryman n'était pas gêné par tout préjugé qui aurait pu remettre en question sa compréhension de la manière de réaliser un tableau. Il s'ouvre à toutes les possibilités et s'accorde le plaisir de simplement profiter du processus d'application de la peinture sur les surfaces. Il était fasciné par la sensation de ses différents outils, la manière dont ils interagissaient avec divers médiums et la manière dont ces médiums transformaient diverses surfaces. Ses premières peintures étaient presque monochromes, principalement vertes ou orange. Mais la couleur dominante n’était pas la seule. « Untitled (Orange Painting) » (1959) est tacheté de jaunes, de rouges, de verts et de bleus. L’orange est peut-être la première chose que voit le spectateur, mais peu de temps après, l’œil, puis l’esprit, sont attirés par les contradictions de l’œuvre.

Robert Ryman - Sans titre (Peinture Orange), 1955 et 1959. Huile sur toile. 28 1/8 x 28 1/8" (71,4 x 71,4 cm). Don fractionné et promis de Jo Carole et Ronald S. Lauder en l'honneur de David Rockefeller à l'occasion de son 100e anniversaire. Collection MoMA. © 2019 Robert Ryman

Ce sont ces contradictions qui ont finalement attiré Ryman vers la couleur blanche, car elle offrait des contrastes si saisissants. Pourtant, même s’il s’appuie fortement sur la couleur blanche, Ryman n’a jamais perdu le sens de l’expérimentation qui a inspiré ses premières œuvres. Il était la preuve vivante de l’idée selon laquelle les limitations engendrent la créativité. Il s'en tient au blanc, mais utilise des dizaines de médiums. Il s'en est tenu à un format carré, mais a varié la taille, de peintures aussi petites que quelques centimètres carrés à des peintures essentiellement carrées. Il a trouvé de la variété dans les types de surfaces sur lesquelles il peignait et a expérimenté la façon dont ses peintures étaient fixées aux murs. La seule chose qu'il n'a pas variée, ce sont les circonstances dans lesquelles ses peintures ont été exposées. Pour que ses peintures fonctionnent correctement, il pensait qu'elles devaient être exposées sur les murs de galeries propres et blanches avec un éclairage standard. Le traditionalisme de ses expositions reposait sur sa conviction que chaque tableau a quelque chose qui lui est propre à exprimer. "La peinture a besoin d'une certaine atmosphère de respect pour être complète", a déclaré Ryman à Art21. « Il faut qu’il soit en situation pour qu’il puisse se révéler. »

Image en vedette : Robert Ryman - Sans titre, 1965. Émail sur carton Bristol. 7 3/4 x 8 1/8" (19,7 x 20,6 cm). Collection MoMA. © 2019 Robert Ryman
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio