Les odes suspendues de Ruth Asawa aux formes naturelles

Si vous vous êtes déjà trouvé au milieu d'une installation de Ruth Asawa, vous comprenez qu'il existe un art en dehors de l'art ; un art forgé non pas à partir de théorie, mais à partir de l'expression directe, de l'instinct et de l'ingéniosité. Asawa a réalisé des œuvres qui capturent la beauté éthérée de la nature. Elle a dit qu’elle avait été inspirée par « voir la lumière à travers les ailes des insectes, regarder les araignées réparer leurs toiles tôt le matin et voir le soleil à travers les gouttelettes d’eau suspendues au bout des aiguilles de pin tout en arrosant mon jardin ». De tels phénomènes naturels ont une existence poétique : ils sont là, mais éphémères. Asawa a capturé ce paradoxe dans son œuvre la plus célèbre : des formes métalliques biomorphiques suspendues tissées à l’aide d’une technique qu’Asawa a apprise auprès des vanniers indigènes du Mexique. Les formes enferment et définissent l’espace, tout en permettant à l’air et à la lumière de circuler librement à travers leurs limites. Ils peuvent être vus et touchés, mais sont à certains égards aussi insignifiants que les ombres délicates qu’ils projettent. Ils ne sont pas naturels, mais ils adoptent le langage visuel et métaphysique de la nature. Ils respectent la nature et en tirent des leçons, ce qui en fait des ambassadeurs pleins d’espoir pour notre génération. Au cours de sa propre vie, Asawa a souvent été rabaissée par des critiques d'art misogynes qui tentaient de diminuer ses formes tissées, parce qu'elle était une femme fabriquant ce qui, pour leur esprit superficiel, ressemblait à des objets artisanaux. Asawa existait hors de portée de leurs petites critiques. Son travail n'avait pas besoin de validation officielle ; il lui restait seulement à trouver son public. Cela se produit enfin maintenant, six ans après sa mort. La galerie David Zwirner a récemment signé pour représenter sa succession, un coup de pouce qui apportera à son travail une attention mondiale bien méritée. Peut-être tout aussi percutant, Asawa a récemment été commémoré dans un doodle Google pour lancer le Mois du patrimoine des Américains d'origine asiatique et des îles du Pacifique aux États-Unis. Le doodle montrait cinq de ses sculptures métalliques biomorphiques épelant le mot Google, avec Asawa au sol en train de tisser le petit g. Pour une artiste qui a déclaré en 2002 qu'elle n'était plus moderne parce qu'elle ne connaissait rien à la technologie, le doodle de Google est un hommage étrange, mais qui, espérons-le, contribuera à éclairer les nouveaux fans sur le travail d'une artiste dont la compréhension de la nature est source d'inspiration. quand nous en avons le plus besoin.

Survivre à l'ignorance

Née en 1926 dans une petite ville agricole de Californie, Asawa n'était qu'une adolescente lorsqu'elle est devenue l'une des 120 000 Américains d'origine japonaise arrêtés et envoyés de force dans des camps d'internement lorsque les États-Unis sont entrés dans la Seconde Guerre mondiale. Elle a été emprisonnée avec cinq de ses six frères et sœurs et sa mère. Sa sœur cadette, qui était en visite au Japon lorsque le reste de la famille a été placé en détention, a été contrainte de rester seule au Japon. Entre-temps, son père, un agriculteur de 60 ans, a été arrêté par le FBI et emprisonné dans un autre camp, où il est resté séparé de sa famille pendant deux ans. Miraculeusement, cependant, Asawa n'a ressenti aucun ressentiment plus tard dans sa vie pour les difficultés que cette expérience lui a infligées. Elle attribue même à cette expérience un changement dans sa vie, puisque c'est dans le camp d'internement qu'elle s'est consacrée à devenir artiste.

Ruth Asawa - Sans titre (S.069/90), 1990. Sculpture, fil de cuivre. 30,5 × 34,3 × 33,0 cm (12,0 × 13,5 × 13,0 pouces). Galerie Michael Rosenfeld

Sa vision constructive de cette expérience difficile s'étend à sa vision de la guerre dans son ensemble. Après avoir quitté le camp, elle a fréquenté le Milwaukee State Teachers College, mais n'a pas été autorisée à enseigner dans les écoles publiques en raison de son héritage japonais. Ce racisme l’a poussée à s’inscrire au Black Mountain College expérimental en Caroline du Nord. C'est au Black Mountain College que de nombreux enseignants du Bauhaus ont fui après avoir été chassés d'Allemagne par les nazis. Asawa s'y est formé pendant trois ans, travaillant avec les esprits les plus brillants de l'art, de l'architecture, de la danse et de la musique, dans ce qui a été décrit comme une utopie artistique. Asawa n’a cependant pas tardé à souligner que sans le fléau des nazis, une telle école n’aurait jamais existé aux États-Unis. C’est uniquement parce que ces enseignants ont été expulsés de leur pays qu’ils ont accepté de travailler pour un salaire presque gratuit, cultivant la terre et préparant leurs propres repas. Comme pour sa propre expérience dans les camps d’internement, elle considérait le Black Mountain College comme un exemple des choses étonnantes qui peuvent découler du fait de tirer le meilleur parti de chaque opportunité de la vie, même les plus douloureuses.

Ruth Asawa - Sans titre (S.454/50), 1957. Sculpture, fil de cuivre. 40,6 × 47,0 × 43,2 cm (16,0 × 18,5 × 17,0 pouces). Galerie Michael Rosenfeld

La Dame de la fontaine

Sa vision constructive de la vie a fait d'Asawa une artiste exceptionnelle, car elle comprenait la nécessité que l'art ait de la valeur pour l'humanité. "L'activisme est inutile," a-t-elle dit. "Il est préférable de travailler sur une idée et de construire là-dessus que de détruire et de protester contre quelque chose qui existe." L'un des moyens les plus percutants qu'elle a trouvés pour être constructive avec son travail était de créer de l'art public. Dans sa base d'adoption à San Francisco, elle était connue sous le nom de "La Dame des Fontaines," en raison des nombreuses fontaines qu'elle a créées dans toute la ville. Peut-être la plus célèbre est la fontaine de la sirène qui se trouve à Ghirardelli Square, devant l'emblématique Ghirardelli Chocolate Company. Cependant, la fontaine que les habitants aiment le plus d'Asawa est simplement appelée San Francisco Fountain, et elle incarne son engagement envers l'esthétique constructive.

Ruth Asawa- Détail de la fontaine de San Francisco à Union Square.

La fontaine est construite dans un escalier sans prétention menant à un petit parc de poche près d'Union Square. Pour réaliser ce projet, Asawa a travaillé avec des enfants de toute la ville, les invitant à créer des modèles en argile illustrant leurs aspects préférés de San Francisco. Une fois que les enfants ont réalisé les modèles, Asawa a fait couler les formes en argile en bronze pour former le bas-relief extérieur de la fontaine. Asawa a déclaré : « Lorsque je travaille sur de grands projets, comme une fontaine, j'aime inclure des gens qui n'ont pas encore développé leur côté créatif – des gens qui aspirent à laisser libre cours à leur créativité. » La fontaine de San Francisco est quelque chose que tout le monde peut rencontrer. Cela est facile à comprendre et témoigne du fait que nous sommes tous dans le même bateau. Même si cela n'a rien à voir avec l'œuvre pour laquelle Asawa est la plus connue, c'est peut-être l'expression la plus parfaite de son art : c'est une expression esthétique directe et pleine d'espoir, guidée non pas par la théorie académique, mais par une compréhension de notre nature - que nous sommes tous dans le même bateau.

Image à la une : Ruth Asawa - Sans titre (S.383, fil noué mural, centre ouvert, étoile à six branches, avec six branches), 1967. Sculpture suspendue – fil de bronze. 46 x 46 x 6 pouces (116,8 x 116,8 x 15,2 cm). Présenté à la galerie David Zwirner, 2017.
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio