Les odes suspendues de Ruth Asawa aux formes naturelles

Si vous vous êtes déjà tenu au milieu d’une installation de Ruth Asawa, vous comprenez qu’il existe un art au-delà de l’art ; un art forgé non pas par la théorie, mais par l’expression directe, l’instinct et l’ingéniosité. Asawa créait des œuvres qui saisissaient la beauté éthérée de la nature. Elle disait s’inspirer de « voir la lumière à travers les ailes des insectes, observer les araignées réparer leurs toiles tôt le matin, et voir le soleil à travers les gouttes d’eau suspendues aux extrémités des aiguilles de pin en arrosant mon jardin. » De tels phénomènes naturels ont une existence poétique : ils sont là, mais éphémères. Asawa a capturé ce paradoxe dans son œuvre la plus célèbre — des formes métalliques suspendues, biomorphiques, tissées selon une technique qu’elle a apprise auprès des artisans indigènes fabricants de paniers au Mexique. Ces formes enferment et définissent l’espace, tout en laissant l’air et la lumière circuler librement à travers leurs limites. Elles peuvent être vues et touchées, mais sont en quelque sorte aussi insubstantielles que les ombres délicates qu’elles projettent. Elles ne sont pas naturelles, mais adoptent le langage visuel et métaphysique de la nature. Elles respectent la nature et en tirent des leçons — faisant d’elles des ambassadrices pleines d’espoir pour notre génération. De son vivant, Asawa a souvent été dénigrée par des critiques d’art misogynes qui tentaient de minimiser ses formes tissées, car elle était une femme créant ce qui, à leur esprit étroit, ressemblait à des objets d’artisanat. Asawa existait hors de portée de leurs critiques mesquines. Son œuvre n’avait pas besoin de validation officielle ; elle devait seulement trouver son public. Cela se produit enfin aujourd’hui, six ans après sa mort. La galerie David Zwirner a récemment accepté de représenter sa succession, un coup de pouce qui apportera à son travail l’attention mondiale qu’il mérite. Peut-être tout aussi marquant, Asawa a récemment été honorée par un doodle Google pour lancer le Mois du patrimoine asiatique américain et insulaire du Pacifique aux États-Unis. Le doodle montrait cinq de ses sculptures métalliques biomorphiques formant le mot Google, avec Asawa au sol tissant le petit g. Pour une artiste qui disait en 2002 qu’elle n’était plus moderne car elle ne connaissait rien à la technologie, ce doodle Google est un hommage saisissant, mais qui, espérons-le, aidera à éclairer de nouveaux admirateurs sur l’œuvre d’une artiste dont la compréhension de la nature offre une inspiration quand nous en avons le plus besoin.

Survivre à l’ignorance

Née en 1926 dans une petite ville agricole de Californie, Asawa était encore adolescente lorsqu’elle devint l’une des 120 000 Américains d’origine japonaise arrêtés et envoyés de force dans des camps d’internement lorsque les États-Unis entrèrent dans la Seconde Guerre mondiale. Elle fut emprisonnée avec cinq de ses six frères et sœurs et sa mère. Sa sœur cadette, qui se trouvait au Japon lors de l’arrestation de sa famille, fut contrainte de rester seule au Japon. Son père, quant à lui — un agriculteur de 60 ans — fut arrêté par le FBI et emprisonné dans un autre camp, où il resta séparé de sa famille pendant deux ans. Miraculeusement, cependant, Asawa ne nourrit aucune rancune plus tard dans sa vie pour les épreuves que cette expérience lui avait infligées. Elle attribue même à cette expérience le changement de sa vie, car c’est dans le camp d’internement qu’elle se consacra à devenir artiste.

Ruth Asawa - Sans titre (S.069/90), 1990. Sculpture, fil de cuivre. 30,5 × 34,3 × 33,0 cm (12,0 × 13,5 × 13,0 po). Galerie Michael Rosenfeld

Son regard constructif sur cette épreuve difficile s’étend à sa vision de toute la guerre. Après avoir quitté le camp, elle fréquenta le Milwaukee State Teachers College, mais ne fut pas autorisée à enseigner dans les écoles publiques à cause de ses origines japonaises. Ce racisme la poussa à s’inscrire au Black Mountain College expérimental en Caroline du Nord. Le Black Mountain College était l’endroit où de nombreux enseignants du Bauhaus s’étaient réfugiés après avoir été chassés d’Allemagne par les nazis. Asawa s’y forma pendant trois ans, travaillant avec les esprits les plus brillants dans les domaines de l’art, de l’architecture, de la danse et de la musique, dans ce qui a été décrit comme une utopie artistique. Asawa soulignait cependant rapidement que sans le fléau nazi, une telle école n’aurait jamais existé aux États-Unis. Ce n’est que parce que ces enseignants avaient été expulsés de leur patrie qu’ils acceptèrent de travailler presque sans salaire, cultivant la terre et cuisinant leurs propres repas. Comme pour sa propre expérience dans les camps d’internement, elle voyait le Black Mountain College comme un exemple des choses étonnantes qui peuvent naître de la capacité à tirer le meilleur parti de chaque opportunité dans la vie, même les plus douloureuses.

Ruth Asawa - Sans titre (S.454/50), 1957. Sculpture, fil de cuivre. 40,6 × 47,0 × 43,2 cm (16,0 × 18,5 × 17,0 po). Galerie Michael Rosenfeld

La Dame des fontaines

Son regard constructif sur la vie fit d’Asawa une artiste exceptionnelle, car elle comprenait la nécessité que l’art ait une valeur pour l’humanité. « L’activisme est vain », disait-elle. « Il vaut mieux travailler sur une idée et la développer que de détruire et protester contre quelque chose qui existe. » L’une des manières les plus marquantes qu’elle trouva pour être constructive avec son travail fut de créer de l’art public. Dans sa ville d’adoption, San Francisco, elle était connue sous le nom de « La Dame des fontaines », à cause des nombreuses fontaines qu’elle créa dans toute la ville. Peut-être la plus célèbre est la fontaine de la sirène qui se trouve à Ghirardelli Square, devant la célèbre chocolaterie Ghirardelli. La fontaine que les habitants aiment le plus, cependant, s’appelle simplement Fontaine de San Francisco, et elle incarne son engagement envers une esthétique constructive.

Ruth Asawa - Détail de la fontaine de San Francisco à Union Square.

La fontaine est intégrée dans un escalier discret menant à un petit parc près d’Union Square. Pour la réaliser, Asawa travailla avec des enfants de toute la ville, les invitant à créer des modèles en argile représentant leurs aspects préférés de San Francisco. Après que les enfants eurent fabriqué les modèles, Asawa fit fondre les formes en argile en bronze pour former le bas-relief extérieur de la fontaine. Asawa disait : « Quand je travaille sur de grands projets, comme une fontaine, j’aime inclure des personnes qui n’ont pas encore développé leur côté créatif — des personnes désireuses de libérer leur créativité. » La Fontaine de San Francisco est quelque chose que n’importe qui peut découvrir par hasard. Elle est facilement comprise, et témoigne du fait que nous sommes tous ensemble dans cette aventure. Bien qu’elle soit très différente des œuvres pour lesquelles Asawa est la plus connue, elle est peut-être l’expression la plus parfaite de son art : une expression esthétique directe et pleine d’espoir, guidée non par la théorie académique, mais par une compréhension de notre nature — que nous sommes tous ensemble dans cette aventure.

Image en vedette : Ruth Asawa - Sans titre (S.383, fil de fer noué mural, centre ouvert, étoile à six branches, avec six branches), 1967. Sculpture suspendue — fil de bronze. 116,8 x 116,8 x 15,2 cm (46 x 46 x 6 pouces). Présentée à la galerie David Zwirner, 2017.
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio