6 exemples d’art abstrait public à la limite du figuratif
Parfois, les gens adoptent l’art public abstrait, et parfois ils ne l’acceptent absolument pas. Certaines œuvres d’art public abstraites deviennent des éléments appréciés du paysage urbain ; d’autres sont mal comprises, voire détestées par ceux qui vivent à leur contact chaque jour. Quoi qu’il en soit, ce qui arrive souvent, c’est que pour comprendre pourquoi et comment une nouvelle œuvre d’art public abstraite a investi leur environnement, le public crée un récit personnalisé sur ce qu’est l’œuvre, ce qu’elle représente ou ce qu’elle signifie. Certaines des œuvres d’art public abstraites les plus réussies se prêtent aisément à une interprétation figurative, offrant aux spectateurs la possibilité de s’y relier à plusieurs niveaux différents. Voici six œuvres célèbres d’art public qui sont chéries par les communautés où elles se trouvent, et qui se situent à la frontière entre représentation et abstraction.
Isamu Noguchi - Cube Rouge (New York)
Situé au 140 Broadway à New York, « Cube Rouge » (1968) d’Isamu Noguchi n’est en réalité pas un cube parfait. La forme en acier peint en rouge est légèrement déformée, comme si elle avait été étirée. Au centre se trouve un tunnel circulaire creux. L’œuvre est facile à appréhender sur un plan figuratif puisque le cube est une forme géométrique très commune. Pourtant, elle comporte aussi de nombreux éléments abstraits et symboliques. Abstraitement, elle contredit son environnement puisque les lignes de toutes les structures environnantes sont verticales et horizontales, tandis que chaque arête du « Cube Rouge » est diagonale. Le trou circulaire défie le voyeurisme des innombrables fenêtres alentour, offrant un œilleton à travers lequel on peut voir le gratte-ciel voisin. Symboliquement, Noguchi a déclaré : « Le cube signifie le hasard, comme le lancer de dés », en référence à Wall Street toute proche. L’artiste a aussi noté que la forme évoque des blocs « fabriqués par l’homme », tandis que le trou circulaire renvoie au « rayonnement solaire ».
Isamu Noguchi - Cube Rouge, Broadway, Manhattan, New York. Crédit photo Ðиколай МакÑимович
Sol LeWitt - Pyramide à quatre faces (Washington)
Située dans le jardin de sculptures de la National Gallery of Art à Washington, D.C., « Pyramide à quatre faces » (1999) est typique de nombreuses œuvres de LeWitt, car la « structure », comme il l’appelait, a été conçue mais pas construite par lui. Une équipe de tailleurs de pierre et d’ingénieurs l’a réalisée selon ses instructions détaillées. Symboliquement, LeWitt a dit que la forme fait référence aux gratte-ciel en retrait, une tendance architecturale courante au milieu du XXe siècle qui imite la forme pyramidale. Sur le plan figuratif, n’importe qui pourrait regarder cette œuvre et supposer qu’elle fait référence aux pyramides égyptiennes. Abstraitement, elle est profondément conceptuelle, puisque LeWitt voulait qu’elle puisse être recréée à tout moment, n’importe où, par n’importe qui. Dans un sens formel abstrait, l’œuvre offre un jeu sans fin de lignes, formes, motifs et volumes, au gré de la lumière naturelle changeante qui interagit avec la myriade de surfaces en béton et mortier.
Sol LeWitt - Pyramide à quatre faces. première installation 1997, fabrication 1999 blocs de béton et mortier. dimensions totales : 458,2 x 1012,2 x 970,9 cm (180 3/8 x 398 1/2 x 382 1/4 po). Don de la famille Donald Fisher 1998.149.1. Exposé : Jardin de sculptures. © National Gallery of Art
Henry Moore - Grandes deux formes (Toronto)
Installée à l’origine en 1973 sur le trottoir devant la Galerie d’art de l’Ontario, « Grandes deux formes » de Henry Moore se trouve désormais dans un espace ouvert voisin appelé Grange Park. Les deux formes en bronze illustrent l’intérêt de Moore pour l’abstraction biomorphique. Elles évoquent des références aux os, ainsi qu’à une paire de corps humains interagissant dans l’espace. Elles ressemblent aussi à des formes rocheuses naturelles, comme celles sculptées par l’érosion. Lorsque cette œuvre a été déplacée à son nouvel emplacement, ses qualités abstraites ont changé de manière significative puisque, pour la première fois, elle pouvait être vue à 360 degrés. N’étant plus encadrée par un grand bâtiment, elle a pu exprimer plus pleinement ses qualités organiques naturelles. Entourée d’herbe et d’arbres, elle ressemble beaucoup moins à deux formes humaines, et invite bien davantage à une interprétation purement abstraite.
Henry Moore - Grandes deux formes. Galerie d’art de l’Ontario. Crédit photo M. Readey
Anish Kapoor - Porte des nuages (Chicago)
Un des exemples les plus évidents d’une sculpture publique abstraite à laquelle le public attribue une interprétation figurative est « Porte des nuages » (2006) d’Anish Kapoor. Installée dans le Millennium Park à Chicago, la sculpture en acier inoxydable de 10 mètres de haut s’inspire des qualités visuelles du mercure liquide. Ses tendances abstraites incluent sa présence biomorphique au milieu d’une jungle imposante de structures géométriques fabriquées, ainsi que sa capacité à déformer les reflets qu’elle offre du ciel, de la ville et des passants. Malgré ces aspects, les habitants de Chicago lui ont donné un nouveau nom célèbre, l’appelant « Le Haricot », uniquement en raison de sa forme de haricot rouge.
Anish Kapoor - Porte des nuages, 2006. Millennium Park, Chicago. Crédit photo Nyx Ning
Claes Oldenburg et Coosje van Bruggen - Aiguille, Fil et Knot (Milan)
Conçue par Claes Oldenburg et son épouse Coosje van Bruggen, « Aiguille, Fil et Knot » (2000) a été installée à Milan, en Italie, dans le cadre de la rénovation d’une gare voisine. Ses couleurs reprennent celles de l’architecture environnante, et son image, selon Oldenburg, représente un train traversant un tunnel. Cette sculpture essentiellement figurative a connu une réaction opposée à celle de « Porte des nuages » à Chicago. Plutôt que de répondre à ses qualités figuratives, les habitants l’admirent pour la façon dont ses lignes, couleurs et formes se juxtaposent aux éléments visuels de l’architecture alentour. Sa présence fait ressortir les qualités visuelles abstraites formelles de tout l’espace public, donnant à la rue, aux lampadaires et aux bâtiments environnants un nouvel éclat nettement non figuratif.
Claes Oldenburg et Coosje van Bruggen - Aiguille, Fil et Knot, 2000. Milan, Italie. Acier inoxydable, plastique renforcé, gelcoat polyester, émail polyuréthane. 18 m × 20 m × 37,5 m (59 pi × 65 pi × 123 pi). Crédit photo MarkusMark
Alexander Calder - L’Aigle (Seattle)
Érigé à l’origine à Fort Worth, Texas, « L’Aigle » (1974) d’Alexander Calder ressemble clairement à un oiseau de proie. La forme en acier peint en rouge de 12 mètres de haut semble avoir deux pattes, deux ailes, une queue et un bec. Pourtant, à son emplacement initial devant un gratte-ciel en verre, ses aspects figuratifs étaient perdus. Au milieu de l’imposant décor d’acier et de verre, sa teinte vive, ses courbes biomorphiques et ses multiples plans conféraient à l’œuvre des qualités abstraites formelles dramatiques. Mais dans les années 1990, le bâtiment a été vendu et la sculpture achetée par un groupe d’investisseurs. Elle a été brièvement exposée au musée d’art de Philadelphie, avant que les collectionneurs d’art de la région de Seattle, Jon et Mary Shirley, ne l’achètent pour le musée d’art de Seattle. Elle se trouve désormais dans le parc olympique de sculptures en bord de mer, où elle a pris une présence visuelle complètement différente. Sans autres structures hautes pour rivaliser, les aspects figuratifs de « L’Aigle » viennent immédiatement au premier plan, surtout en considérant les milliers d’oiseaux marins résidents, dont les formes gracieuses et primitives sont si bien reprises dans l’œuvre.
Alexander Calder - L’Aigle, 1971. 11,81 m × 9,8 m × 9,91 m (38 pi 9 po × 32 pi × 32 pi 6 po). Seattle, Washington. Propriétaire : musée d’art de Seattle
Image en vedette : Isamu Noguchi - Cube Rouge, Broadway, Manhattan, New York. Crédit photo Ken Lund.
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio
