6 exemples d’art abstrait public à la limite du figuratif

Parfois, les gens adoptent l’art public abstrait, et parfois, ce n’est absolument pas le cas. Certaines œuvres d'art publiques abstraites deviennent des éléments appréciés du paysage public ; d’autres sont incompris, voire détestés par ceux qui vivent avec eux au quotidien. Quoi qu’il en soit, ce qui finit souvent par arriver, c’est que, afin de comprendre pourquoi et comment une nouvelle œuvre d’art publique abstraite a occupé sa maison, le public crée un récit personnalisé sur ce qu’est l’œuvre, ce qu’elle représente ou ce qu’elle signifie. Certaines des œuvres d’art publiques abstraites les plus réussies peuvent facilement être interprétées en termes de représentation, offrant aux spectateurs la possibilité de s’identifier à elles à plusieurs niveaux différents. Voici six œuvres d’art public célèbres qui sont appréciées des communautés dans lesquelles elles résident et qui se situent à la frontière entre le figuratif et l’abstrait.

Isamu Noguchi - Cube Rouge (New York)

Situé au 140 Broadway à New York, « Red Cube » (1968) d'Isamu Noguchi n'est pas en réalité un cube parfait. La forme en acier peint en rouge est légèrement déformée, comme si elle avait été étirée. En son centre se trouve un tunnel creux et circulaire. La pièce est facile à comprendre en termes figuratifs puisqu’un cube est une forme géométrique très courante. Pourtant, la pièce contient également de nombreux éléments abstraits et symboliques. Abstraitement, il contredit son environnement puisque les lignes de toutes les structures environnantes sont verticales et horizontales, tandis que chaque bord de « Red Cube » est diagonal. Le trou circulaire défie le voyeurisme des innombrables fenêtres environnantes, offrant un judas à travers lequel observer le gratte-ciel voisin. Symboliquement, Noguchi a déclaré : « Le cube signifie le hasard, comme le lancer des dés », une référence à Wall Street, à proximité. L’artiste a également noté que la forme se rapporte aux blocs « fabriqués par l’homme », tandis que le trou circulaire se rapporte au « rayonnement solaire ».

Isamu Noguchi - Red Cube, Broadway, Manhattan, New York. Crédits photos

Sol LeWitt - Pyramide à quatre côtés (Washington)

Située dans le jardin de sculptures de la National Gallery of Art à Washington, D.C., « Four-Sided Pyramid » (1999) est typique de nombreuses œuvres de LeWill, car la « structure », comme il l'appelait, a été conçue mais non construite par lui. Une équipe de tailleurs de pierre et d'ingénieurs l'a construit sur la base de ses instructions détaillées. Symboliquement, LeWitt a déclaré que la forme faisait référence aux gratte-ciel « en retrait », une tendance architecturale courante au milieu du 20e siècle qui imite la forme de la pyramide. Au sens figuré, n’importe qui pourrait regarder cette œuvre et supposer qu’elle fait référence aux pyramides égyptiennes. D'un point de vue abstrait, il est profondément conceptuel, puisque LeWitt voulait qu'il puisse être recréé à tout moment, n'importe où et par n'importe qui. Dans un sens abstrait et formel, l'œuvre offre un jeu de lignes, de formes, de motifs et de formes en constante évolution, alors que la lumière naturelle en évolution interagit avec la myriade de surfaces de béton et de mortier.

Sol LeWitt - Pyramide à quatre côtés. première installation en 1997, fabrication de blocs de béton et de mortier en 1999. hors tout : 458,2 x 1012,2 x 970,9 cm (180 3/8 x 398 1/2 x 382 1/4 po). Don de la famille Donald Fisher 1998.149.1. À voir : Jardin de sculptures. © Galerie nationale d'art

Henry Moore - Grands deux formulaires (Toronto)

Installé à l'origine en 1973 sur le trottoir devant la Galerie d'art de l'Ontario, "Large Two Forms" de Henry Moore réside désormais dans un espace ouvert voisin appelé Grange Park. Les deux formes en bronze illustrent l'intérêt que Moore avait pour l'abstraction biomorphique. Elles évoquent des références aux os, ainsi qu'à une paire de corps humains interagissant les uns avec les autres dans l'espace. Elles ressemblent également à des formes rocheuses naturelles qui pourraient être sculptées par l'érosion. Lorsque cette œuvre a été déplacée à son nouvel emplacement, ses qualités abstraites ont changé de manière significative puisque, pour la première fois, elle était visible à 360 degrés. Ne étant plus flanquée d'un grand bâtiment, elle était libre d'exprimer plus pleinement ses qualités organiques naturelles. Entourée d'herbe et d'arbres, elle ressemble beaucoup moins à deux formes humaines et invite beaucoup plus à une interprétation purement abstraite.

Henry Moore - Grands deux formulaires. Musée des beaux-arts de l'Ontario. Crédits photo M. Readey

Anish Kapoor - Cloud Gate (Chicago)

Un des exemples les plus évidents d'une sculpture publique abstraite à laquelle le public attribue une interprétation représentative est "Cloud Gate" (2006) par Anish Kapoor. Installée dans le Millennium Park à Chicago, la sculpture en acier inoxydable de 33 pieds de haut a été inspirée par les qualités visuelles du mercure liquide. Ses tendances abstraites incluent sa présence biomorphique au milieu d'une jungle imposante de structures géométriques fabriquées, ainsi que sa capacité à déformer les réflexions qu'elle offre du ciel, de la ville et des passants. Malgré ces aspects, les habitants de Chicago lui ont célèbrement donné un nouveau nom, l'appelant "The Bean", basé entièrement sur sa forme de haricot rouge.

Anish Kapoor - Cloud Gate, 2006. Millennium Park, Chicago. Crédits photos Nyx Ning

Claes Oldenburg et Coosje van Bruggen - Aiguille, Fil et Knot (Milan)

Conçu par Claes Oldenburg et son épouse Coosje van Bruggen, « Needle, Thread and Knot » (2000) a été installé à Milan, en Italie, dans le cadre de la rénovation d'une gare voisine. Ses couleurs font écho à celles de l'architecture environnante et son imagerie, dit Oldenburg, représente un train traversant un tunnel. Cette sculpture essentiellement figurative a connu la réaction inverse de celle de « Cloud Gate » à Chicago. Plutôt que de répondre à ses qualités figuratives, les habitants l'admirent pour la façon dont ses lignes, ses couleurs et ses formes se juxtaposent aux éléments visuels de l'architecture environnante. Sa présence fait ressortir les qualités visuelles formelles et abstraites de l'ensemble de l'espace public, donnant à la rue, aux lampadaires et aux bâtiments environnants un nouveau style nettement non figuratif.

Claes Oldenburg et Coosje van Bruggen - Aiguille, Fil et Knot, 2000. Milan, Italie. Acier inoxydable, plastique renforcé, gelcoat en polyester, émail en polyuréthane. 18 m × 20 m × 37,5 m (59 pi × 65 pi × 123 pi). Crédits photo MarkusMark

Alexander Calder - L'Aigle (Seattle)

Érigé à l'origine à Fort Worth, Texas, « L'Aigle » (1974) par Alexander Calder ressemble clairement à un oiseau de proie. La forme en acier peint rouge de 39 pieds de haut semble avoir deux jambes, deux ailes, une queue et un bec. Pourtant, dans son emplacement d'origine devant un gratte-ciel en verre, ses aspects figuratifs étaient perdus. Au milieu de l'arrière-plan de verre et d'acier imposant, sa teinte vive, ses courbes biomorphiques et ses multiples plans conféraient à l'œuvre des qualités abstraites formelles dramatiques. Mais dans les années 1990, le bâtiment a été vendu et la sculpture a été achetée par un groupe d'investissement. Elle a été exposée brièvement au Philadelphia Museum of Art, avant que les collectionneurs d'art de la région de Seattle, Jon et Mary Shirley, ne l'achètent pour le Seattle Art Museum. Elle réside maintenant dans le parc de sculptures olympiques en bord de mer, où elle a pris une présence visuelle complètement différente. Sans d'autres structures hautes avec lesquelles rivaliser, les aspects représentatifs de « L'Aigle » se mettent immédiatement au premier plan, surtout en considérant les milliers d'oiseaux marins résidents, dont les formes gracieuses et primordiales sont si magnifiquement échoées dans l'œuvre.

Alexander Calder - L'Aigle, 1971. 11,81 m × 9,8 m × 9,91 m (38 pi 9 po × 32 pi × 32 pi 6 po). Seattle, Washington. Propriétaire : Musée d'art de Seattle

Image à la une : Isamu Noguchi - Red Cube, Broadway, Manhattan, New York. Crédits photo Ken Lund.

Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement

Par Phillip Barcio