Le contenu et l'émotion dans l'art de Grace Hartigan

Grace Hartigan (1922 – 2008) n’a pas été bien traitée par les écrivains autoproclamés de l’histoire de l’art. Tout au long de sa carrière, elle a été mal comprise et mal étiquetée, exclue du mouvement qu’elle aimait et regroupée avec celui qu’elle détestait. Malgré tout cela, ou peut-être à cause de cela, Hartigan est un merveilleux modèle — une artiste qui est restée fidèle à sa vision personnelle plutôt que de se conformer aux modes et aux attentes de la culture en général. Considérée comme une « expressionniste abstraite de deuxième génération », Hartigan a récemment été immortalisée dans le livre 9th Street Women, de Mary Gabriel, qui raconte l’histoire de cinq femmes — Hartigan, Lee Krasner, Elaine de Kooning, Joan Mitchell et Helen Frankenthaler — qui étaient au centre de l’École de New York dans les années 1950. Chacune de ces cinq femmes a développé un langage visuel distinctif qui a contribué de manière significative au développement et à la définition de l’expressionnisme abstrait. Pourtant, même parmi ces pionnières, Hartigan était unique. Au début de sa carrière, ses peintures purement abstraites furent reconnues comme extraordinaires par des conservateurs de musée tels qu’Alfred Barr et Dorothy Miller, qui ont inclus Hartigan dans plusieurs expositions majeures. Hartigan commença néanmoins à ressentir qu’il manquait quelque chose à ses compositions abstraites. Au moment où sa carrière décollait, et que le célèbre critique d’art Clément Greenberg commençait à la promouvoir comme l’une des abstractionnistes les plus talentueuses d’Amérique, Hartigan s’éloigna légèrement de l’abstraction pure. Elle commença à peindre des études des œuvres des Maîtres anciens et à insérer des éléments figuratifs de la vie contemporaine dans ses compositions abstraites. Pour Hartigan, le mélange de la figuration et de l’abstraction représentait une combinaison plus parfaite de contenu et d’émotion. « J’ai trouvé mon sujet », proclamait-elle, « il concerne ce qui est vulgaire et vital dans la vie moderne américaine, et les possibilités de sa transcendance vers le beau. » Ce qui fut une percée pour Hartigan fut cependant une déception pour Greenberg et les autres qui avaient jadis loué son travail abstrait, et ils abandonnèrent immédiatement leur soutien. Hartigan insista néanmoins sur la primauté de sa propre vision. Ce faisant, elle a peut-être rompu avec la célébrité, la renommée et l’histoire de l’art patriarcale ; mais elle a prouvé que la vérité et la beauté peuvent se trouver dans la résistance.

L’Insider Exclue

Née dans une famille pauvre de la classe ouvrière à Newark, dans le New Jersey, en 1922, Hartigan n’avait pas l’intention de devenir artiste au départ. En fait, à 19 ans, elle tenta de s’enfuir avec son premier mari en Alaska pour devenir colonisatrice. Même après être devenue une artiste reconnue, elle affirmait ne jamais avoir eu de talent naturel. « J’avais juste du génie », plaisantait-elle. Sa première expérience artistique professionnelle eut lieu pendant la Seconde Guerre mondiale, lorsqu’elle se soutenait en tant qu’illustratrice mécanique pendant que son premier mari combattait. En 1945, après avoir découvert l’œuvre d’Henri Matisse, elle fut inspirée à poursuivre une carrière d’artiste peintre et s’installa dans le Lower East Side de New York. Là, Hartigan fit partie d’un cercle professionnel et social qui comprenait des pionniers de l’expressionnisme abstrait tels que Mark Rothko, Lee Krasner et Adolph Gottlieb.

Grace Hartigan - Épreuve pour Sans titre du Dossier, vol. I, n° I, 1953. Sérigraphie. Composition (irrég.) : 19,1 × 26,8 cm ; feuille : 22 × 28,7 cm. Épreuve hors édition de 500. Collection MoMA. Don de Daisy Aldan. © 2019 Grace Hartigan

Les coups de pinceau intenses et bruts ainsi que les formes biomorphiques de ses premières peintures reflètent l’intérêt qu’elle partageait avec ces peintres pour l’abstraction et la technique surréaliste du dessin automatique. Cependant, Hartigan ne s’est jamais complètement intégrée à ses contemporains. Esthétiquement, elle craignait d’emprunter trop aux idées des autres. Économiquement, elle devait récupérer des toiles abandonnées par d’autres artistes et fabriquer des châssis à partir de bois de récupération. Socialement, Hartigan se sentait comme une étrangère travaillant parmi des artistes principalement masculins. Elle signa beaucoup de ses premières peintures sous le nom de George Hartigan — un clin d’œil aux écrivaines du XIXe siècle Mary Ann Evans, connue sous le nom de plume George Eliot, et Amantine Lucile Aurore Dupin, qui utilisait le nom de plume George Sand, reflétant le fait qu’elle ne se sentait pas entièrement acceptée par l’École de New York dominée par les hommes.

Grace Hartigan - Dessin préparatoire pour En mémoire de mes sentiments, 1967. Encre sur acétate. 35,4 x 28 cm. Collection MoMA. Don de l’artiste. © 2019 Grace Hartigan

Une lumière isolée

Peut-être que son sentiment d’être une étrangère l’a aidée à ignorer les critiques lorsqu’ils la rejetèrent pour avoir introduit un contenu narratif personnel dans ses peintures. Mais il ne fait aucun doute que leur incompréhension de son évolution fit souffrir Hartigan. Elle décrivit un jour son œuvre mature comme une « douleur émotionnelle rappelée dans la tranquillité ». Finalement, elle rejeta New York en retour, s’installant à Baltimore où elle passa quatre décennies à diriger l’École de peinture Hoffberger, le département supérieur du Maryland Institute College of Art — un programme fondé pour elle et construit autour de son enseignement. Avec le recul, il semble absurde que les critiques aient pensé que l’ajout de références figuratives dans son travail excluait Hartigan de l’héritage de l’expressionnisme abstrait. L’énergie, l’intuition et la matérialité viscérale si essentielles à ce mouvement n’ont jamais cessé d’être évidentes dans son œuvre. Ce n’est pas non plus comme si elle avait totalement abandonné l’abstraction ; elle était simplement convaincue que ses peintures purement abstraites manquaient de quelque chose si elles ne contenaient pas une référence reconnaissable à sa vie réelle.

Grace Hartigan - La Veste perse, 1952. Huile sur toile. 146 x 121,9 cm. Collection MoMA. Don de George Poindexter. © 2019 Grace Hartigan

L’insulte ultime pour Hartigan survint tard dans sa vie, lorsqu’une toute nouvelle génération d’écrivains autoproclamés de l’histoire de l’art requalifia de manière douteuse son adoption de la figuration comme une étape majeure vers l’art pop, comme si elle avait d’une manière ou d’une autre inspiré l’essor de ce mouvement. Hartigan déplorait cette association ; pour elle, l’art pop ne représentait que la fétichisation des apparences, alors que son œuvre visait à communiquer la vérité sous-jacente et l’émotion derrière la vie. Il serait bien plus juste de qualifier Hartigan de pionnière du néo-expressionnisme, avec son attitude brute et picturale ; ou de l’art féministe, compte tenu de la confiance autoritaire avec laquelle elle affronta la misogynie patriarcale du monde de l’art. Cependant, je pense que la meilleure façon de se souvenir de son héritage est de ne pas la charger d’étiquettes du tout. Hartigan était unique. Son exemple prouve que la meilleure manière de favoriser un domaine artistique inclusif, progressiste et créatif n’est pas de s’attacher aux mouvements, mais d’embrasser l’expérimentation et d’accueillir la déviation esthétique.

Image en vedette : Grace Hartigan - Sans titre du Dossier vol. I, n° I, 1953. Sérigraphie d’un magazine avec trois sérigraphies. Composition (irrég.) : 17,9 x 25,5 cm ; feuille : 18,9 x 26,5 cm. Édition 500. Collection MoMA. © 2019 Grace Hartigan
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio