Votre meilleur achat cette semaine – Art d’artistes abstraits américains !

L'ouverture récemment sans prétention de Uncharted : Abstraction américaine à l'ère de l'information au Musée d'art de l'Université Hofstra, une exposition collective réunissant 8 membres de l'organisation American Abstract Artists, n'a fait que confirmer un intérêt toujours présent et fascinant pour l'art abstrait américain. L'année à venir apportera sa propre célébration des artistes abstraits américains - le moment idéal pour vous procurer de l'art abstrait américain !

Parmi les nombreux événements de l'année prochaine honorant les artistes abstraits américains, deux incontournables se distinguent. Le Musée d'art de Baltimore (BMA) et le Musée d'art moderne de San Francisco (SFMOMA) co-organiseront une rétrospective complète de Joan Mitchell. Elle s'ouvrira à Baltimore en avril 2020, se déplacera à San Francisco en septembre 2020, puis au Musée Solomon R. Guggenheim de New York en février 2021. De plus, la Tate Modern présentera (jusqu'au 15 novembre 2020) cinq œuvres de Helen Frankenthaler, datant de 1951 à 1977, prêtées par la Helen Frankenthaler Foundation. Joignons-nous à cette célébration mondiale de l'art abstrait américain en partageant notre meilleure sélection des dix pièces les plus étonnantes d'artistes abstraits américains.

Tracey Adams - (r) evolution 39

(r) evolution 39 reflète profondément la fascination de Adams pour la théorie musicale et les mathématiques, remontant à ses années au Conservatoire de Nouvelle-Angleterre à Boston. Dans la série (r) evolution (2014-2015), Adams se concentre sur les motifs, le rythme et les intervalles de notes et utilise des peintures en points pour exprimer ce qu'elle décrit comme un sens de la performance. Elle peint avec de nombreuses couches d'encaustique et monte des cercles découpés à la main dans du papier japonais trempé dans l'encaustique jusqu'à ce que chaque point soit recouvert d'un médium encaustique clair et peint à l'huile pour créer une profondeur spatiale unique. Équilibrant la planification rigoureuse et l'intuition débridée, sa structure en grille planifiée se dissout au fur et à mesure que son processus créatif s'écoule en une articulation rythmique et lyrique. Adams est une peintre abstraite et graveuse qui vit et travaille à Carmel, en Californie.

Tracey Adams - (r) evolution 39, 2015. Cire d'abeille pigmentée, huile et collage sur panneau de bois. 101 x 101,6 cm.

Paul Behnke - Vandervoort Place

Vandervoort Place incarne l'interaction attentive des éléments formels — formes, interaction des couleurs et application de la peinture. Simultanément, Behnke met en avant les dualités contrastées de épais/fin, rapide/lent et dur/doux dans cette interaction des éléments formels. Alors que les images initiales et l'application de la peinture sont tumultueuses et confuses, les formes à bords nets, épurées et les couleurs plates et lumineuses émergent au cours du processus, annonçant une pièce emblématique du modernisme romantique formel. Les bosses, bulles et crêtes suggèrent sans ambiguïté l'implication la plus personnelle (et corporelle) de Behnke ainsi que la matérialité de ses peintures. Behnke est un peintre abstrait dont le travail privilégie la forme ; il vit et travaille à New York.

Paul Behnke - Vandervoort Place, 2012. Acrylique sur toile. 91,4 x 96,5 cm.

Macyn Bolt - Intersect (Blue)

Cette œuvre acrylique sur toile révèle une tension dérangeante créée par le contraste avant-plan/arrière-plan, centre/bord et intérieur/extérieur. Ce contraste se manifeste dans des formes multiples qui créent une énigme visuelle. L'énigme elle-même n'est pas à résoudre mais à offrir une diversité d'interprétations et des défis perceptifs distincts. Le vocabulaire géométrique de Bolt, issu de schémas architecturaux, établit un cadre sémantique pour la compréhension de son œuvre. Ainsi, ses énigmes visuelles évoquées par les relations spatiales et l'interaction entre couleur et forme captivent le spectateur et l'entraînent dans une expérience contemplative d'interprétations ambiguës. Bolt est reconnu pour ses œuvres explorant comment la couleur et les formes influencent la perception visuelle. Il vit et travaille à New York et en Pennsylvanie.

Macyn Bolt - Intersect (Blue), 2017. Acrylique sur toile. 96,9 x 122 cm.

Holly Miller - Shout 2

La série Shout intègre délicatement le ressentiment et l'anxiété qui surgissent en réaction aux contradictions de la société américaine contemporaine. Cependant, Miller tente de transmettre des émotions plus optimistes et positives en utilisant son mélange unique de sculpture, peinture et dessin. En utilisant des lignes enfilées, elle met en lumière une barrière physique qui interrompt les formes et les empêche de se connecter tandis que la transparence permet au spectateur de pénétrer à travers les lignes dans la surface peinte. Shout 2 met en avant la dissection minutieuse par Miller de ses expériences, pensées et émotions alors qu'elle crée un langage personnel authentique qui est l'essence de son travail. Miller est une artiste abstraite qui cherche à fusionner l'optique avec le tactile à travers le langage de l'abstraction. Elle vit et travaille à New York.

Holly Miller - Shout 2, 2017. Acrylique, graphite et fil sur toile. 91,5 x 91,5 cm.

Melissa Meyer - Ambassade 47

Ambassade 47 fait partie d'une série d'aquarelles Ambassade nommée d'après l'hôtel préféré de Meyer à Amsterdam. Associée à la troisième génération d'expressionnistes abstraits, son travail reflète son approche instinctive et intuitive de la peinture. Elle s'inspire d'impressions brèves de couleur, de marque ou de geste, puis explore les limites finales de la couleur et de la ligne. Cette œuvre vive et colorée exprime ses sentiments les plus personnels et l'essence transitoire de la réalité en transmettant un langage esthétique vigoureux et enchanteur. Meyer est une peintre abstraite et graveuse d'un œuvre diversifié qui vit et travaille à New York.

Melissa Meyer - Ambassade 47, 2007. Aquarelle sur papier satiné. 50,8 x 81,3 cm.

Yari Ostovany - Orquevaux 11

Cette nouvelle série nommée d'après un château de résidence à Chateau d’Orquevaux, France, saisit l'agrégat mystique de l'art, de la tradition et de la spiritualité occidentale et orientale. Orquevaux 11 intègre une transformation alchimique des éléments formels tels que la lumière, la couleur, la texture et l'espace en compositions complexes dont l'ensemble transcende les parties. Le parcours culturel diversifié de Ostovany influence son adhésion artistique à l'expressionnisme abstrait et à la peinture de champs colorés, produisant des œuvres divergentes mais profondément complémentaires. Ostovany crée des peintures de champs colorés richement texturées et superposées qui reflètent son exploration de la métamorphose et de la transsubstantiation. Ostovany est un artiste abstrait américain né en Iran qui a vécu à Téhéran, Cologne, Los Angeles, New York et Reno. Il vit et travaille actuellement à San Francisco.

Yari Ostovany - Orquevaux 11, 2018. Acrylique sur toile. 152 x 108 cm.

Clay Johnson - Lying Dutchman #4

Johnson dévoile sa technique rigoureuse et captivante utilisant l'acrylique sur bois, révélant son approche unique de la peinture. Convaincu qu'il n'existe pas d'inspiration, il considère son art comme une évolution et chacune de ses œuvres comme le résultat d'une série de réponses critiques aux décisions esthétiques précédentes. Il initie son processus créatif en délimitant une ou plusieurs lignes d'horizon avec du ruban adhésif et en sélectionnant intuitivement une couleur qui guide ensuite toute la composition. Couleurs, lignes et textures émergent pour être détruites, créant ainsi un espace pour de nouvelles découvertes visuelles inattendues. Au final, Lying Dutchman #4 révèle la partie la plus importante du travail de Johnson — il développe le récit de la fabrication de la peinture qui s'ouvre à des méta-interprétations. Les surfaces rigides comme le bois lui permettent d'employer sa méthode avec une intensité totale et l'acrylique assure un séchage rapide ainsi que des réactions promptes et inattendues. Johnson est un peintre abstrait connu pour ses compositions réductrices ; il vit et travaille à Laramie, Wyoming.

Clay Johnson - Lying Dutchman #4, 2019. Acrylique sur panneau de bois. 91,44 x 91,44 cm.

Jessica Snow - Finite Field

Artiste multidisciplinaire accomplie, Snow choisit l'acrylique sur papier pour transmettre ses géométries colorées et ludiques distinctes. Finite Field capture une combinaison unique entre formes ludiques et couleurs convaincantes, lignes gestuelles organiques, formes géométriques et linéaires. Snow s'est inspirée d'un paysage et d'un voilier abstrait encore indécis sur sa route, cependant, que la forme verte représente un port simplifié, un buisson ou une forme abstraite est laissé à la discrétion du spectateur. Elle préfère que son travail reste ouvert à l'interprétation, encourageant des lectures multiples et immergeant chaque spectateur dans son propre univers sémiotique. Snow est une artiste multidisciplinaire qui enseigne actuellement la peinture, le dessin et l'histoire de l'art à l'Université de San Francisco.

Jessica Snow - Finite Field, 2016. Acrylique sur papier. 45 x 38 cm.

Anya Spielman - Effloresce

Effloresce encapsule la tension profonde et ambiguë entre amour et violence exprimée dans une expression vive et forte des fleurs écrasées et saignantes. Les surfaces saturées de Spielman sont lumineuses, alternant couches brillantes et mates simultanément ; les rouges et roses évoquent la chair et le sang, tandis que les crèmes pâles, jaunes et oranges de sa palette rappellent les fluides corporels. Cette manifestation corporelle de la couleur est déconstruite par des marques rugueuses de clous et des cicatrices qui inscrivent l'idée et l'image décodées profondément dans la peinture. Spielman est reconnue pour son exploration des forces et formes binaires ; elle vit et travaille dans la région de Los Angeles.

Anya Spielman - Effloresce, 2009. Huile sur papier. 73,7 x 104,2 cm.

Tom McGlynn - Survey 2

Cette œuvre acrylique sur papier Fabriano fait partie d'une série en cours initiée en 2012. Elle fait vaguement référence aux tests comportementaux mais aussi au problème de la manière dont les images contemporaines sont scannées. Cette énigme interprétative échappe à une dénotation stricte et invite le spectateur à une quête contemplative du sens diffus. McGlynn explore comment les signes, logos, motifs architecturaux et autres formes et motifs visuels contemporains peuvent déclencher un sens résiduel caché au plus profond de notre (in)conscience. Son approche formaliste, ou plus précisément post-minimaliste, implique une complexité implicite de sens. L'œuvre de McGlynn est vigoureusement peinte à la main, précise et s'appuie sur le format rectangulaire pour transmettre l'expérience ontologique de l'artiste. McGlynn est un artiste abstrait, conservateur indépendant et écrivain qui vit dans la région de New York.

Tom McGlynn - Survey 2, 2013. Acrylique sur papier Fabriano. 55,8 x 83,8 cm.

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