Votre meilleur achat cette semaine – Art d’artistes abstraits américains !

L'inauguration récemment sans prétention de Uncharted : American Abstraction in the Information Age au Hofstra University Museum of Art, une exposition collective mettant en vedette 8 membres de l'organisation American Abstract Artists, n'a fait que confirmer un intérêt toujours présent et fascinant pour l'art abstrait américain. L'année qui nous attend apportera sa propre célébration des artistes abstraits américains - le bon moment pour vous d'acheter de l'art abstrait américain !

Parmi un certain nombre d'événements qui rendront hommage aux artistes abstraits américains au cours de l'année à venir, deux incontournables se démarquent. Le Baltimore Museum of Art (BMA) et le San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) co-organiseront une rétrospective complète de Joan Mitchell. Il ouvrira ses portes à Baltimore en avril 2020, se rendra à San Francisco en septembre 2020, puis déménagera au musée Solomon R. Guggenheim de New York en février 2021. De plus, la Tate Modern présentera (jusqu'au 15 novembre 2020) cinq œuvres de Helen Frankenthaler, datant de 1951 à 1977, prêtée par la Fondation Helen Frankenthaler. Rejoignons cette célébration mondiale de l'art abstrait américain en partageant notre plus belle sélection de dix œuvres les plus étonnantes d'artistes abstraits américains.

Tracey Adams - (r) évolution 39

(r) évolution 39 reflète profondément Adams’ fascination pour la théorie musicale et les mathématiques remontant à ses années au New England Conservatory à Boston. Dans la série (r) évolution (2014-2015), Adams se concentre sur les motifs, le rythme et les intervalles de notes et utilise des peintures à points pour exprimer ce qu'elle décrit comme un sens de la performance. Elle peint avec de nombreuses couches d'encaustique et des cercles découpés à la main en papier japonais trempés dans l'encaustique jusqu'à ce que chaque point soit recouvert d'un médium encaustique clair et peint à l'huile pour créer une profondeur spatiale unique. Équilibrant la planification rigoureuse et l'intuition sans retenue, sa structure de grille planifiée se dissout alors que son processus créatif s'écoule dans une articulation rythmique et lyrique. Adams est une peintre abstraite et une graveuse qui vit et travaille à Carmel, Californie.

Tracey Adams - (r) évolution 39, 2015. Cire d'abeille pigmentée, huile et collage sur panneau de bois. 101. x 101.6 cm.

Paul Behnke - Place Vandervoort

Vandervoort Place incarne l'interaction attentive des éléments formels -- formes, interaction des couleurs et application de la peinture. Simultanément, Behnke souligne les dualités contrastantes de épais/fin, rapide/lent et dur/doux au sein de cette interaction des éléments formels. Alors que les images initiales et l'application de la peinture sont tumultueuses et déroutantes, les bords nets, les formes épurées et la couleur plate et lumineuse émergent au cours du processus, annonçant une pièce iconique du romantisme formel moderne. Les bosses, les bulles et les crêtes suggèrent sans ambiguïté l'implication la plus personnelle (et corporelle) de Behnke ainsi que l'objectivité de ses peintures. Behnke est un peintre abstrait dont le travail privilégie la forme ; il vit et travaille à New York.

Paul Behnke - Vandervoort Place, 2012. Acrylique sur toile. 91,4 x 96,5 cm.

Macyn Bolt - Intersect (Bleu)

Cette œuvre acrylique sur toile révèle une tension inconfortable créée par le contraste avant-plan/arrière-plan, centre/bord et intérieur/extérieur. Ce contraste se manifeste sous des formes variées qui créent une énigme visuelle. L'énigme elle-même n'est pas à résoudre mais à offrir une charité d'interprétations et des défis perceptuels distincts. Bolt’s vocabulaire géométrique issu de schémas architecturaux établit un cadre sémantique pour la compréhension de son travail. Par conséquent, ses énigmes visuelles évoquées par les relations spatiales et l'interaction entre couleur et forme capturent le spectateur et l'entraînent dans une expérience contemplative d'interprétations ambiguës. Bolt est célébré pour son œuvre qui explore comment les couleurs et les formes affectent la perception visuelle. Il vit et travaille à New York et en Pennsylvanie.

Macyn Bolt - Intersect (Bleu), 2017. Acrylique sur toile. 96,9 x 122 cm.

Holly Miller - Crie 2

La série Shout intègre délicatement le ressentiment et l'anxiété qui surgissent en réaction aux contradictions de la société américaine contemporaine. Cependant, Miller essaie de transmettre des émotions plus optimistes et positives en utilisant son mélange unique de sculpture, de peinture et de dessin. En utilisant des lignes filées, elle met en évidence une barrière physique qui interrompt les formes et les empêche de se connecter, tandis que la transparence permet au spectateur d'entrer à travers les lignes dans la surface peinte. Shout 2 met en avant la dissection minutieuse par Miller de ses expériences, pensées et émotions alors qu'elle crée un langage personnel authentique qui est l'essence de son travail. Miller est une artiste abstraite qui s'efforce de fusionner l'optique avec le tactile à travers le langage de l'abstraction. Elle vit et travaille à New York.

Holly Miller - Shout 2, 2017. Acrylique, graphite et fil sur toile. 91,5 x 91,5 cm.

Melissa Meyer - Ambassade 47

L'Ambassade 47 fait partie d'une série de peintures à l'aquarelle appelée Ambassade, nommée d'après Meyer, son hôtel préféré à Amsterdam. Associée à la troisième génération d'expressionnistes abstraits, son travail reflète son approche instinctive et intuitive de la peinture. Elle s'inspire de brèves impressions de couleur, de marque ou de geste, puis construit en explorant les limites finales de la couleur et de la ligne. Cette œuvre vive et colorée exprime ses sentiments les plus personnels et l'essence transitoire de la réalité en véhiculant un langage esthétique vigoureux et enchanteur. Meyer est une peintre abstraite et une graveuse d'une œuvre diversifiée qui vit et travaille à New York.

Melissa Meyer - Ambassade 47, 2007. Aquarelle sur papier à grain satiné. 50,8 x 81,3 cm.

Yari Ostovany - Orquevaux 11

Cette nouvelle série, nommée d'après un château de résidence au Château d'Orquevaux, France, capture l'agrégat mystique de l'art, de la tradition et de la spiritualité occidentaux et orientaux. Orquevaux 11 intègre une transformation alchimique des éléments formels tels que la lumière, la couleur, la texture et l'espace dans des compositions complexes dont l'intégralité transcende les parties. Ostovany’s origine culturellement diverse impacte son adhésion artistique à l'Expressionnisme Abstrait et à la peinture de Champ de Couleur, produisant des œuvres divergentes mais profondément complémentaires. Ostovany crée des peintures de champ de couleur richement texturées et superposées qui reflètent son exploration de la métamorphose et de la transsubstantiation. Ostovany est un artiste abstrait américain né en Iran qui a vécu à Téhéran, Cologne, Los Angeles, New York et Reno. Il vit et travaille actuellement à San Francisco.

Yari Ostovany - Orquevaux 11, 2018. Acrylique sur toile. 152 x 108 cm.

Clay Johnson - Lying Dutchman #4

Johnson utilise une technique engageante et rigoureuse avec de l'acrylique sur bois qui révèle son approche unique de la peinture. Convaincu qu'il n'y a pas d'inspiration, il considère son art comme une évolution et chacune de ses œuvres comme le résultat d'une série de réponses critiques à des décisions esthétiques précédentes. Il initie son processus créatif en masquant une ou plusieurs lignes d'horizon et en sélectionnant intuitivement une couleur qui, ensuite, guide toute la composition. Les couleurs, les lignes, les textures émergent seulement pour être détruites, créant ainsi un espace pour de nouvelles découvertes visuelles inattendues. En fin de compte, Lying Dutchman #4 révèle la partie la plus importante du travail de Johnson -- il développe la narration de la peinture qu'il crée, qui s'ouvre à des méta-interprétations. Des surfaces rigides comme le bois lui permettent d'employer sa méthode avec une intensité totale et l'acrylique assure un temps de séchage rapide et des réactions promptes et inattendues. Johnson est un peintre abstrait connu pour ses compositions réductionnistes ; il vit et travaille à Laramie, Wyoming.

Clay Johnson - Lying Dutchman #4, 2019. Acrylique sur panneau de bois. 91,44 x 91,44 cm.

Jessica Snow - Champ Fini

Une artiste multidisciplinaire bien versée, Snow opte pour l'acrylique sur papier pour transmettre ses géométries distinctes, colorées et ludiques. Finite Field capture une combinaison unique entre des formes ludiques et des couleurs persuasives, des lignes gestuelles organiques, des formes géométriques et linéaires. Snow s'est inspirée d'un paysage et d'un voilier abstrait encore en train de décider de son itinéraire, cependant, que la forme verte se rapporte à un port simplifié, un buisson ou une forme abstraite reste à déchiffrer par le spectateur. Elle préfère que son travail soit ouvert à l'interprétation, encourageant des lectures multiples et immergeant chaque spectateur dans son propre univers sémiotique. Snow est une artiste multidisciplinaire qui enseigne actuellement la peinture, le dessin et l'histoire de l'art à l'Université de San Francisco.

Jessica Snow - Champ Fini, 2016. Acrylique sur papier. 45 x 38 cm.

Anya Spielman - Épanouir

Effloresce encapsule la profonde et ambiguë tension entre l'amour et la violence, affichée dans une expression vive et forte des fleurs écrasées et saignantes. Spielman’s surfaces saturées sont lumineuses, ayant des couches brillantes et mates s'alternant simultanément ; les rouges et les roses font référence à la chair et au sang, et les crèmes pâles, jaunes et oranges de sa palette rappellent les fluides corporels. Cette manifestation corporelle de la couleur est déconstruite par des marques de griffes rugueuses et des cicatrices qui inscrivent l'idée et l'image décodées profondément dans la peinture. Spielman est célébrée pour son exploration des forces et des formes binaires ; elle vit et travaille dans la région de Los Angeles.

Anya Spielman - Effloresce, 2009. Huile sur papier. 73,7 x 104,2 cm.

Tom McGlynn - Enquête 2

Cette œuvre acrylique sur papier Fabriano fait partie d'une série en cours initiée en 2012. Elle fait référence de manière lâche aux tests comportementaux mais aussi au problème de la façon dont les images contemporaines sont perçues. Ce dilemme interprétatif échappe à une dénotation stricte et incite le spectateur à une quête contemplative du sens diffus. McGlynn explore comment les signes, logos, motifs architecturaux et autres motifs et formes visuels contemporains peuvent déclencher un sens résiduel caché profondément dans notre (in)conscient. Son approche formaliste ou plus précisément post-minimaliste implique une complexité implicite de sens. L'œuvre de McGlynn est vigoureusement peinte à la main, précise et repose sur le format rectangulaire pour transmettre l'expérience ontologique de l'artiste. McGlynn est un artiste abstrait, curateur indépendant et écrivain qui vit dans la région de New York.

Tom McGlynn - Survey 2, 2013. Acrylique sur papier Fabriano. 55,8 x 83,8 cm.

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