Les artistes abstraits les plus importants du 21e siècle – jusqu’à présent

Si vous êtes comme moi, même si j'ai écrit l'article, vous serez peut-être un peu dérangé par le titre de cet article. Comment, après seulement deux décennies, puis-je savoir qui seront les les artistes les plus importants du 21e siècle ? En 1920, bon nombre des artistes les plus importants du XXe siècle n’étaient même pas encore nés. Et d’ailleurs, quels sont les critères pour déterminer si un artiste est important ? Même si je suis d’accord avec ces points, je trouve néanmoins utile de faire le point de temps en temps sur les artistes qui me semblent importants et pourquoi, et le début d’une nouvelle décennie me semble être une tout à fait bonne excuse. Quant à ce qui définit un artiste important, au cours de mes 11 années en tant que journaliste d’art (une goutte d’eau par rapport à beaucoup de mes collègues), j’ai entendu des dizaines de réponses à cette question. La plupart des gens s’appuient sur trois paramètres : la renommée, les prix des enchères et l’inclusion dans des expositions et collections prestigieuses. Pourtant, même si c’est peut-être le tiercé trio de notoriété qui peut garantir à un artiste une page Wikipédia, cela n’a pas grand-chose, à mon avis, à voir avec l’importance d’un artiste. Pour moi, la seule mesure satisfaisante de l’importance d’un artiste est l’influence qu’il exerce sur les autres êtres humains. Les artistes importants incitent les gens à continuer de croire en la valeur de l’art et convainquent les autres d’essayer de créer leur propre art ou de continuer à créer leur propre art. Quant à savoir qui figure sur cette liste, il est inévitable qu’elle soit incomplète, inexacte et controversée ; toutes les listes le sont. Néanmoins, chacun de ces dix artistes mérite d’être inclus ici en raison de l’influence qu’il a déjà exercée à la fois sur d’autres artistes et sur des personnes extérieures au domaine artistique. Ce sont des pollinisateurs, diffusant les ingrédients nécessaires d’inspiration, d’expérimentation et d’action, afin que nous puissions continuer à faire prospérer l’abstraction dans le futur.

Abdos vides

Depuis près de deux décennies, la peintre allemande Tomma Abts (née en 1967) réalise la même taille de peinture encore et encore—48 x 38 cm. Elle travaille de manière intuitive pour créer des compositions abstraites, géométriques qui suivent leur propre logique, peignant fréquemment plusieurs couches sur les compositions jusqu'à ce qu'elle soit satisfaite, tout en laissant apparaître les reliefs en impasto des couches précédentes. Ne se soumettant à aucun style visuel, dédiée uniquement à sa méthode, Abts est célèbre pour sa lenteur de travail. Bien qu'elle ne soit pas prolifique, et malgré son ignorance de la demande de définir son style visuel, Abts est devenue la première femme peintre à remporter le prix Turner—preuve vivante de la valeur de trouver son propre chemin.

Tomma Abts - Feke, 2013. Acrylique et huile sur toile. 48 x 38 cm, 18 7/8'' x 15''. Avec l'aimable autorisation de la collection privée, New York. Galeries Serpentines.

Mark Bradford

Mark Bradford (né en 1961) combine les méthodes de peinture, de collage et de décollage pour créer des images abstraites qui cartographient sa relation entre les réalités physiques et culturelles du présent et du passé. Ses matériaux et procédés ont inspiré une génération d'artistes à créer des œuvres tactiles qui parlent de l'échange entre croissance et décadence. Au-delà de sa carrière artistique, Bradford est un organisateur communautaire influent, collaborant avec la philanthrope Eileen Harris Norton et l'activiste Allan Dicastro pour créer Art + Practice, un lieu où les voisins à risque, tels que les enfants sortant d'une famille d'accueil, peuvent participer aux arts. .

Mark Bradford - Monster, 2009. Matériaux imprimés, acrylique, papier carbone, ficelle, papier et techniques mixtes sur toile. 102 x 144 po (259,08 x 365,76 cm). Collection SFMOMA. © Mark Bradford

Charline von Heyl

La peintre abstraite allemande Charline von Heyl (née en 1960) rejette le cynisme du post-modernisme en faveur de la conviction que quelque chose de nouveau peut émerger de ses décombres. Von Heyl adopte toute l’histoire visuelle comme matériau source, combinant d’innombrables références de manière individualiste qui suggèrent que nous sommes les héritiers d’un héritage esthétique bien plus riche et diversifié que celui que nos professeurs d’histoire de l’art laissent entendre.

Charline von Heyl - Sans titre, 2007. Un d'une série de dix monotirages avec lithographie, gravure sur bois,
sérigraphie et impression numérique, avec des ajouts d'encre, d'acrylique et de collage. Fonds pour le XXIe siècle. Collection du MoMA. © Charline von Heyl

Nicolas Hlobo

L'artiste multidisciplinaire sud-africain Nicholas Hlobo (né en 1975) représente l'avant-garde d'une époque pleine d'espoir où les données et l'analyse deviendront moins importantes que le sentiment et la créativité. Son travail est informé par son identité, mais il va sans crainte au-delà des faits de ses influences culturelles - des faits qui pourraient autrement le forcer à travailler uniquement sur ce qui est - pour évoquer des œuvres abstraites semi-magiques qui s'emparent du sens de ce qui pourrait être. .

Nicholas Hlobo - Amasuntswana, 2018. Cuivre. 51,18 x 112,99 x 72,83 pouces (130 x 287 x 185 cm). Lehmann Maupin. © Nicolas Hlobo

Jim Lambie

L’artiste écossais Jim Lambie (né en 1964) relie l’idée centrale du Pop Art – selon laquelle les gens « comprennent » – avec les aspects plus intangibles de l’abstraction. Les installations massives au sol pour lesquelles Lambie est le plus connu trouvent un terrain d'entente entre ces positions, éliminant le formalisme des murs et remplissant l'espace tangible de couleur, de ligne, de surface et de brillance. Ses installations suscitent des interactions quotidiennes sans pression avec les spectateurs qui peuvent désormais littéralement se voir à l'intérieur de l'œuvre.

Jim Lambie - Sound System, 2015. Vinyle métallisé coloré. Galerie Roslyn Oxley9. © Jim Lambie

Julie Mehretu

Rencontrer un tableau de la peintre américaine d'origine éthiopienne Julie Mehretu (née en 1970), c'est être invité dans une civilisation visuelle entièrement nouvelle. Chacune de ses compositions abstraites naît comme un organisme vivant complexe, se propageant, se multipliant et développant des structures et des interdépendances de plus en plus complexes. Mehretu exprime parfaitement les innombrables angoisses et opportunités de l’ère interconnectée à laquelle nous appartenons.

Julie Mehretu - Stadia II, 2004. Encre et acrylique sur toile. 107 2/5 × 140 1/10 × 2 1/5 po (272,73 × 355,92 × 5,71 cm). Performa, New York. Don de Jeanne Greenberg Rohatyn et Nicolas Rohatyn et du Fonds de dotation d'acquisition A. W. Mellon. © Julie Mehretu

Le Donald

Odita La peintre abstraite américaine d'origine nigériane Odili Donald Odita (née en 1966) fait partie d'une vague d'artistes internationaux attirant l'attention du monde entier sur les interconnexions entre les héritages de l'art indigène et le modernisme occidental. Odita mélange les motifs, les couleurs et les formes de son Nigeria natal avec les stratégies esthétiques de l'abstraction moderniste, déployant souvent ses œuvres à grande échelle dans des lieux publics, où elles deviennent la matérialisation de l'énergie et de l'universalité à l'échelle architecturale.

Odili Donald Odita - Desert Sun, 2014. Acrylique sur toile. 72 x 90 pouces. Galerie Jack Shainman, New York. © Odili Donald Odita

Eva Rothschild

La sculpteure abstraite irlandaise Eva Rothschild (née en 1971) déclare avec audace que l'activisme est inhérent au choix de créer de l'art abstrait. À une époque où le contenu narratif semble être roi, Rothschild démontre comment les langages visuels intemporels évidents dans le suprématisme, le constructivisme et le minimalisme peuvent créer de nouvelles formes abstraites audacieuses qui parlent de liberté, d'indépendance, de diversité et de paix.

Eva Rothschild - xxx, 2013. Aluminium et peinture. 280 x 560,5 x 279,5 cm. Photo : © Eva Rothschild, Courtesy Stuart Shave/Modern Art, Londres et Galerie Eva Presenhuber, Zurich

Thomas Scheibitz

L'artiste allemand Thomas Scheibitz (né en 1968) répond à la question de savoir comment la fantaisie et le jeu peuvent être pris au sérieux dans le domaine de l'art abstrait, même à une époque marquée par l'anxiété. Combinant les langages hérités de mouvements comme le rayonnisme, le futurisme et le cubisme avec des échos de rendus architecturaux et de design du milieu du siècle, Scheibitz crée des œuvres étrangement familières qui semblent avoir émergé d'un univers esthétique parallèle.

Pae Blanc

L'artiste américaine Pae White (née en 1963) utilise l'abstraction pour nous montrer des images reconnaissables de notre époque. Ses œuvres fantastiques combinent des représentations des forces de la nature avec des bribes abandonnées de notre présent hyper-numérisé et hyper-matérialisé, nous montrant des scènes parfois effrayantes du mariage de la structure et de la confusion.

Image en vedette : Charline von Heyl - Le langage des enfers, 2017. Acrylique et fusain sur lin. 90 × 108". © Charline von Heyl
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio