Tirages photographiques abstraits à vendre à ne pas manquer !

Dans sa transgression des frontières, la photographie abstraite est allée au-delà des simples définitions et caractérisations. Bien qu’initialement ancré dans le réalisme, le médium photographique a embrassé le non-représentation tout au long des siècles de son existence, avec les œuvres d’artistes légendaires tels que Man Ray, William Klein, Hiroshi Sugimoto et plus tard Wolfgang Tillmans, Thomas Ruff et Jessica Eaton. Une partie de cet ensemble varié d’œuvres est présentée dans notre propre sélection exceptionnelle de tirages photographiques abstraits de haute qualité à vendre présentés ci-dessous. Nous sommes fiers d'attirer votre attention sur six des artistes les plus remarquables dont le travail transforme profondément à la fois le médium de la photographie et l'art abstrait lui-même. Vous trouverez ci-dessous neuf tirages de photographies abstraites à vendre de la plus haute qualité à ne pas manquer !

Richard Caldicott - Sans titre 153

Richard Caldicott a gagné sa reconnaissance mondiale grâce à sa composition abstraite de couleurs et de formes géométriques émanant de Tupperware (re)arrangés et objectivés qui se dissolvent dans la pure abstraction de ses photographies. Ses efforts continus et audacieux pour défier le canon photographique n'ont pas diminué au fil des ans, car son œuvre s'est également étendue au dessin et à la sculpture, accentuant la même sophistication et le même équilibre. Le travail récent de Caldicott révèle le départ progressif de l'immobilité moderniste vers des compositions qui imitent les perturbations et les fractures.

Dans Untitled 153, Caldicott poursuit son approche traditionnelle de la photographie analogique pour insuffler à son ensemble minimaliste de composants une générosité de couleur et de vitalité. Ces formes, surfaces et couleurs émergent de son expérience la plus personnelle et attirent le spectateur dans son univers le plus intime. Untitled 153 suit une logique compositionnelle linéaire discernable et germe en une œuvre abstraite merveilleuse qui est à la fois explicite et partie d'un dialogue plus large. En mettant l'accent sur la duplication, la réplication et les ajustements subtils des couleurs, Caldicott annonce sans prétention ses nouvelles intentions esthétiques et symboliques qui reposent sur un minimalisme iconique, des peintures de Color Field et une réappropriation pop.

Richard Caldicott - Sans titre 153, 2000. Tirage C. 61 x 50,8 cm.

Richard Caldicott - Chance/Fall (4), 2010

Le travail plus récent de Caldicott marque le départ final de la sérénité moderniste vers l'acceptation du dynamisme et de la force. Chance/Fall (4), 2010, affiche des couches superposées et dérivantes de couleurs scintillantes émanant une vivacité et une intensité d'énergie lumineuse et attrayante. Sa radiance translucide attire un spectateur alors qu'il s'appuie fermement sur la transparence et la saturation. La répétition inscrite dans la nature même de la série fait de Caldicott un adoptant d'une 'attitude sérielle' (Derek Horton) et cela résonne avec le Minimalisme qui relocalise un spectateur dans le labyrinthe contemplatif de la photographie abstraite.

Richard Caldicott - Chance/Fall (4), 2010, 2010. Tirage C. 127 x 101,6 cm.

Luuk De Haan - Champ de Couleur 12

Mélangeant des techniques photographiques historiques et la technologie contemporaine des logiciels de graphisme numérique, Luuk de Haan, un artiste visuel néerlandais, a développé sa propre expression distincte. De Haan crée une composition géométrique en utilisant des logiciels de graphisme numérique qu'il photographie directement depuis l'écran. Il modifie les conditions physiques sous lesquelles la photographie est prise, mettant en avant l'incertitude et l'élément erratique de surprise qui se dévoile à travers l'interaction avec l'image numérique. Les images nouvellement émergées captivent l'éloquence visuelle naturelle et organique ainsi qu'une exploration graphique rigoureuse de la forme, de la couleur, de la géométrie et de la ligne.

Color Field 12 est un exemple étonnant d'une exploration méticuleuse de la couleur inspirée par des expressionnistes abstraits comme Ellsworth Kelly, Barnett Newman et Kenneth Noland. Cette œuvre suggère d'être en flux, mais un flux échappant à une interprétation plus précise et à une rigueur explicative. De Haan révèle habilement son esthétique minimaliste et ses compositions définies par des formes géométriques confiantes, des lignes claires, des surfaces lisses qui résonnent rapidement avec son vocabulaire visuel. Son travail émane d'un mouvement libre et de profondeurs en cascade tout en évoquant un sentiment de calme insaisissable qui s'évapore dans la sérénité utopique des couleurs et des formes.

Luuk De Haan - Color Field 12, 2015. Encre UltraChrome HD sur papier Hahnemühle. 100 x 72,5 cm.

Luuk De Haan - Ne pas toucher au tambour en cours 11

De Haan met en avant son talent unique dans cette tentative de traduire des formes bidimensionnelles en images tridimensionnelles alors qu'il explore la déformation et l'altération créées par la caméra. Il sélectionne un diaporama de deux images ou plus qu'il photographie en une seule prise en déplaçant et en zoomant lentement l'objectif, créant ainsi une image tridimensionnelle. Ces images parviennent à capturer le mouvement, la géométrie et les relations dynamiques de couleur de leur création. Nicht in die Laufende Trommel Greifen (Ne pas tomber dans le tambour en rotation), un panneau d'avertissement imprimé au-dessus d'une machine tournante, a servi d'inspiration à de Haan.

Luuk De Haan - Ne pas toucher à la trommel en cours 11, 2015. Encre UltraChrome HD sur papier Hahnemühle. 59,4 x 42 cm.

Seb Janiak - Gravity liquid 04 (Moyen)

Bien versé dans une grande variété de formes d'art et de médiums, Seb Janiak se sent chez lui à osciller entre la photographie et la production vidéo. Ses escapades photographiques s'étendent de ce travail mat précoce à ses dernières photographies au laser prises à travers un prisme. Il n'offre aucune loyauté à une école ou un dogme alors qu'il explore la complexité du monde qui l'entoure. Ses photographies sont connues pour leur incarnation exceptionnelle de la tension née des dichotomies et des opposés de notre monde. Son travail serpente à travers la fantaisie frénétique et la science-fiction pour atteindre les rivages d'une nature tourmentée et d'une humanité utopique. Janiak est un producteur de vidéo et de musique français célébré mondialement pour sa contribution à la photographie analogique contemporaine.

La gravité liquide 04 (Moyenne) ancre profondément l'affirmation métaphysique de Janiak selon laquelle une forme ne peut exister sans un environnement et que les formes visibles dépendent des conditions qui permettent à ces formes d'exister. Pour contester visuellement son affirmation métaphysique, Janiak a choisi de concentrer son attention sur la gravité en tant que force cachée qui façonne notre univers. Dans cette série de photographies, il explore le pouvoir transformateur que la gravitation exerce sur les liquides et les gaz. Il a appliqué le processus photographique pour figer la forme, mais comme l'environnement est en constante transformation, ce processus l'est aussi.

Seb Janiak - Gravity liquid 04 (Moyen), 2014. Tirage chromogénique. 110 x 86 cm.

Gianfranco Pezzot - III. Tromperie du Langage

Gianfranco Pezzot est un artiste abstrait italien qui est profondément inspiré par les manières dont nous expérimentons et impactons l'environnement qui nous entoure. Ses intérêts pénètrent profondément à travers les modalités complexes de nos interactions avec le monde alors que son travail devient de plus en plus entremêlé aux domaines de l'histoire, de la politique et de l'économie. Ce faisant, Pezzot invente un nouveau langage photographique contemporain qui combine diverses images et médiums et crée une image complexe en couches, présentée sous sa forme finale comme un tirage C numérique. III.

La Tromperie du Langage est une partie de sa série Dichotomie d'un Cerveau Humain où Pezzot plonge profondément dans les récits que les cerveaux construisent en percevant différentes images. Pezzot cherche à fournir un cadre interprétatif pour des récits qui sont déformés lorsque les images sont altérées, restructurées ou combinées avec d'autres images. Dans III. Tromperie du Langage, il combine des fragments de fleurs, un paysage de plage et des feuilles de papier écrasées en un assemblage qui invite à une intervention artistique supplémentaire. C'est l'une de ses tentatives les plus convaincantes d'explorer le rôle changeant de la photographie en tant que médium artistique contemporain.

Gianfranco Pezzot - III. Tromperie du Langage, 2017. Impression numérique C-Type sur papier photo Kodak Endura. 240 x 180 cm.

Paul Snell - Intersect # 201701

Un artiste tasmanien, Paul Snell mélange des techniques traditionnelles et numériques alors qu'il élargit les frontières de l'abstraction et du minimalisme. Son processus créatif commence par capturer l'objet ou le lieu avec un appareil photo traditionnel, suivi d'un décodage numérique. Après avoir réduit et simplifié les couleurs et les formes, Snell inverse le processus en re-codant l'image -- ces couleurs et formes simplifiées deviennent auto-référentielles dans une nouvelle composition jusqu'à ce que le processus de prise et de création soit conceptuellement et pratiquement obscurci. Le résultat final est présenté sur ses tirages chromogènes qui dispersent une impression lumineuse et vive sur du papier métallique monté sur du plexiglas. Intersect # 201701 encapsule le lexique visuel distinct de Snell inspiré par la peinture moderniste, en particulier le minimalisme et l'abstraction à contours nets. Se décrivant lui-même son processus créatif comme une recherche d'une "compréhension sensorielle de l'objet physique", Snell reconnaît la substance matérielle du monde abstrait. Cette photographie incarne son obsession pour les relations de couleur et les réalités spatiales -- leurs relations dynamiques, leur jeu vibrant et surprenant. Son travail inclut une vision contemplative persuasive, celle qui frôle le domaine métaphysique.

Paul Snell - Intersect # 201701, 2017. Impression chromogénique montée sur plexiglas de 4,5 mm. 118 x 118 cm.

Paul Snell - Survol # 201909

La dernière œuvre profondément fascinante de Snell déploie des structures visuelles rythmées et harmonieuses qui transposent le spectateur dans les profondeurs de la pensée pure. Il crée des suggestions visuelles qui traduisent la réflexion en un état authentiquement méditatif. Hover # 201909 révèle le dynamisme des relations de couleurs de Snell qui découle d'une combinaison d'aspects architecturaux de ses compositions et de ses surfaces vibrantes et lumineuses. L’absence de métasémantique et de représentation entraîne le spectateur au milieu de la matière esthétique primale et tonale. Dans cette expérience primordiale, le spectateur est immergé dans la couleur, le rythme et l'espace qui s'ouvrent à sa réflexion interprétative, ouvrant ainsi la voie à la pure transcendance.

Paul Snell - Hover # 201909, 2019. Impression chromogénique montée sur plexiglas mat de 3 mm. 80 x 80 cm.

Tenesh Webber - Boxy

Tenesh Webber, une artiste canadienne, est largement acclamée pour ses tentatives audacieuses de créer une intersection distincte entre la photographie et la sculpture. Elle crée habilement des objets bidimensionnels en superposant et en découpant le fil à coudre ou un dessin linéaire répétitif sur le plexiglas. Ces objets sont utilisés pour créer des images photographiques sans caméra qui capturent un élément d'imprévisibilité et d'incertitude généré par le mouvement de la main. Dans ses travaux plus récents, elle explore en profondeur la nature cachée de la photographie en tant que médium tout en continuant à réfléchir à la perception de l'espace négatif et positif, du mouvement et de l'immobilité complète.

Boxy est un exemple des explorations emblématiques de Webber des défis et des conventions de la photographie traditionnelle en noir et blanc. Elle termine par créer une composition rythmée et intuitive qui capture à la fois la tension et l’équilibre entre l’organique et le rectiligne. La composition sophistiquée de Boxy émane de visions macro et micro contradictoires de la nature et de leur relation avec l’homme.

Tenesh Webber - Boxy, 2005. Photographie en noir et blanc. 50,8 x 50,8 cm.

Image à la une : Richard Caldicott - Sans titre 153, vue d'installation.
Par Jovana Vuković