The Eternal Vanguard : 6 artistes abstraites extraordinaires d’Amérique latine

Je parle souvent de l’avant-garde en termes de ses échecs, ce qui signifie que c’est un sujet que je rattache au passé, plein d’histoires révolues d’expériences que les artistes ont autrefois écrites, créées ou tentées. Aujourd’hui, j’espère attirer l’attention sur six artistes abstraites latino-américaines que je crois redéfinir l’avant-garde, non pas comme quelque chose ancré dans l’histoire, mais comme quelque chose de perpétuellement neuf et indéfini. Lygia Clark, Gego, Carmen Herrera, Zilia Sanchez, Mercedes Pardo et Noemi Escandell ont chacune, à un moment donné, été saluées comme représentantes de l’avant-garde esthétique de leur époque. Pourtant, elles résistent toutes aussi à être ensevelies sous le poids du temps, car la pertinence de leurs idées dépasse leurs générations individuelles. Leurs œuvres restent aussi fraîches et curieuses aujourd’hui qu’à jamais. Je propose que cela ne soit pas seulement dû à l’œuvre elle-même, mais aussi à la manière dont elles ont abordé leur pratique en tant qu’artistes et enseignantes. La plupart des artistes avant-gardistes se définissent par la position singulière et d’avant-garde qu’ils se créent, une position qui peut être expliquée ou renforcée par l’écriture, puis démontrée par un langage visuel unique, et enfin canonisée comme un mouvement. (Je pense à Andy Warhol et au Pop Art, Picasso et le Cubisme, Mondrian et le Néo-plasticisme, etc.) Les six artistes abstraites latino-américaines dont je parle aujourd’hui échappent à ce destin parce que leurs stratégies de représentation esthétique ne sont pas figées, ni dans le temps (un moment culturel) ni dans la théorie. Au lieu de mettre en avant un ensemble particulier d’idées, leur travail explore ce qui peut-être ne sera jamais compris, encore moins dit : l’inconnu. Leurs œuvres fluides et indéfinissables encouragent les spectateurs à examiner l’obscurité, plutôt qu’à attirer l’attention sur ce qui a été mis en lumière.

Lygia Clark (1920 - 1988, Brésil)

Lygia Clark se qualifiait de « proposante ». Elle percevait son art comme déconnecté de l’histoire, attaché plutôt au moment présent en perpétuel changement. Son œuvre n’a pas de sens ou de but prédéterminé autre que celui qui lui est attribué par le spectateur qui interagit avec elle de manière personnelle. Elle s’est libérée de l’histoire de l’art, et a assuré sa place dans l’éternelle avant-garde, lorsqu’elle a dit : « L’objet n’est plus là pour exprimer un quelconque concept, mais pour que le spectateur puisse atteindre, plus profondément, son propre soi. »

Gego (1912 - 1994, Allemagne/Venezuela)

Née et formée en Allemagne, Gertrude Goldschmidt, également connue sous le nom de Gego, a fui à Caracas, au Venezuela, en 1939, au début de la Seconde Guerre mondiale. C’est là, en Amérique du Sud, qu’elle a découvert sa destinée d’artiste. Bien qu’elle ait aussi peint, dessiné et sculpté, Gego est surtout connue pour ses installations en forme de toile d’araignée, qui présentent des réseaux de points et de lignes se fondant en univers géométriques de plans imaginaires. Beaucoup d’auteurs disent que son travail porte sur la ligne, mais pour moi, il s’agit davantage de la quête pour exprimer continuellement une action cumulative. La multitude de points et de lignes dans ses œuvres sont des projections dans l’espace, et dans le temps, entraînant sans fin les spectateurs vers l’inconnu.

Carmen Herrera (née en 1915, Cuba)

Carmen Herrera a vendu sa première peinture à l’âge de 89 ans. À 100 ans, elle a eu sa première rétrospective dans un musée, au Whitney Museum of American Art à New York. De nombreux critiques, conservateurs et marchands ont depuis essayé de la classer selon divers mouvements historiques de l’art, tels que le minimalisme, l’abstraction géométrique et l’art concret. Cependant, ce qui permet à Herrera de résister, et en fait de transcender, ces étiquettes, c’est sa dévotion totale à sa vision personnelle. Elle plaisantait autrefois en disant qu’elle ne permettrait pas un livre sur Picasso dans sa maison, car regarder Picasso, c’est vouloir le copier. Son seul but, dit-elle, est de suivre son propre désir de simplification, ou ce qu’elle appelle « un processus d’enlever ce qui n’est pas essentiel ». La tension dans son travail vient souvent de ce regard sur cet espace où nous affrontons non pas ce qui est là, mais ce qui manque.

Rondo (Bleu et Jaune), 1965 Acrylique sur toile par Carmen Herrera, Américaine, née à La Havane, Cuba, 1915. Source : https://flic.kr/p/5vyjn2

Zilia Sanchez (née en 1926, Cuba)

Née à Cuba, Zilia Sanchez vit et travaille à Porto Rico depuis les années 1970. Ses toiles découpées sortent du mur, comme des objets — ou des forces — qui semblent vouloir percer depuis l’arrière. Ce geste poétique met en avant le mystère, et fait allusion au sentiment que ce qui est visible et apparemment si important dans le moment présent est simultanément en train d’être modifié sous nos yeux. Cette œuvre est une représentation emblématique de l’éternelle avant-garde, car elle agite le fait que tout est constamment reconfiguré par ce qui est en train d’émerger.

Mercedes Pardo (1921 - 2005, Venezuela)

De nombreux artistes parlent de leur travail en termes d’enquêtes. Mercedes Pardo s’est distinguée non pas par la recherche, mais par la création de rencontres personnelles pour ses spectateurs. Connue pour un ensemble de peintures abstraites géométriques et biomorphiques sur lesquelles elle a travaillé pendant des décennies au cours de sa carrière, elle a en réalité travaillé dans une gamme de médiums différents, y compris la création de costumes, l’illustration de livres, le collage et l’art public à grande échelle. Pardo considérait les rencontres personnelles avec l’art comme l’opposé — ou peut-être l’antidote — à la culture de consommation. Elle évitait l’imposition de schémas, centrant plutôt des expériences uniques du spectateur avec une matière épurée.

Noemi Escandell (1942 - 2019, Argentine)

Aimée de ses élèves et d’autres artistes, et redoutée par les autorités politiques, Noemi Escandell croyait fermement que les gestes politiques et artistiques sont un et même. Elle est aujourd’hui connue, après sa mort, pour les sculptures et dessins abstraits et spatiaux qu’elle a commencés à créer dans les années 1960, qui se rapportent visuellement au minimalisme. Cependant, Escandell a adopté une incroyable variété de stratégies visuelles au cours de sa carrière afin de représenter son idée centrale, qui était la liberté. Peut-être son invention la plus puissante fut ce qu’elle appelait les « mains à mains » — des œuvres d’art qui doivent être passées de main en main entre les spectateurs lors d’une exposition avant d’être accrochées au mur. Son travail reposait sur la beauté de l’inconnu, et exaltait la connexion intime qui doit exister entre les personnes et l’art pour que l’un ou l’autre atteigne son plein potentiel.

Image en vedette : Lygia Clark - Bicho Linear, 1960. Aluminium. 86 x 66 x 36 cm (33 9/10 x 26 x 14 1/5 pouces). Bergamin & Gomide, São Paulo
Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement
Par Phillip Barcio