The Eternal Vanguard : 6 artistes abstraites extraordinaires d’Amérique latine

Je parle souvent de l’avant-garde en termes d’échecs, ce qui signifie que c’est un sujet que j’ancre dans le passé, plein d’histoires révolues de choses expérimentales que les artistes ont écrites, réalisées ou essayées. Aujourd’hui, j’espère attirer l’attention sur six artistes abstraites latino-américaines qui, selon moi, redéfinissent l’avant-garde, non pas comme quelque chose de fondé sur l’histoire, mais comme quelque chose de perpétuellement frais et indéfini. Lygia Clark, Gego, Carmen Herrera, Zilia Sanchez, Mercedes Pardo et Noemi Escandell ont chacune été saluées à un moment donné comme des représentantes de l'avant-garde esthétique de leur temps. Pourtant, ils résistent également tous à être ensevelis sous le passage du temps, car la pertinence de leurs idées s’étend au-delà de leurs générations individuelles. Leurs œuvres restent aujourd’hui plus fraîches et curieuses que jamais. Je propose que cela ne soit pas seulement dû au travail lui-même, mais aussi à la manière dont ils ont abordé leur pratique en tant qu'artistes et enseignants. La plupart des artistes d’avant-garde se définissent par la position singulière et avant-gardiste qu’ils se créent, une position qui peut être expliquée ou renforcée par l’écriture, puis démontrée à travers un langage visuel unique, puis canonisée en tant que mouvement. (Je pense à Andy Warhol et au Pop Art, Picasso et le Cubisme, Mondrian et le Néo-Plasticisme, etc.) Les six artistes abstraites latino-américaines sur lesquelles j'écris aujourd'hui échappent à ce sort parce que leurs stratégies de représentation esthétique ne sont pas non plus figées. dans le temps (un moment culturel) ou en théorie. Au lieu de mettre en avant un ensemble particulier d’idées, leur travail explore ce qui ne pourra peut-être jamais être compris, et encore moins dit : l’inconnu. Leurs œuvres fluides et indéfinissables encouragent le spectateur à examiner l’obscurité plutôt que d’attirer l’attention sur ce qui a été mis en lumière.

Lygia Clark (1920 - 1988, Brésil)

Lygia Clark se qualifiait de « proposante ». Elle percevait son art comme déconnecté de l’histoire, plutôt attaché au moment présent en constante évolution. Son œuvre n’a pas de signification ou de but prédéterminé autre que celui qui lui est assigné par le spectateur qui interagit avec elle de manière personnelle. Elle s’affranchit de l’histoire de l’art et s’assure sa place dans l’éternelle avant-garde lorsqu’elle dit : « L’objet n’est plus là pour exprimer un concept quel qu’il soit, mais pour que le spectateur puisse accéder plus profondément à lui-même. »

Gego (1912 - 1994, Allemagne/Venezuela)

Née et éduquée en Allemagne, Gertrude Goldschmidt, également connue sous le nom de Gego, a fui à Caracas, au Venezuela, en 1939, au début de la Seconde Guerre mondiale. C'est là, en Amérique du Sud, qu'elle a découvert son destin en tant qu'artiste. Bien qu'elle ait également peint, dessiné et sculpté, Gego est surtout connue pour ses installations en forme de toile, qui présentent des réseaux de points et de lignes se regroupant en univers géométriques de plans imaginaires. De nombreux écrivains disent que son travail concerne la ligne, mais pour moi, il s'agit davantage de la quête d'une expression continue de l'action cumulative. Les multitudes de points et de lignes dans ses œuvres sont des projections dans l'espace et dans le temps, entraînant les spectateurs sans fin vers l'inconnu.

Carmen Herrera (née en 1915, Cuba)

Carmen Herrera vend son premier tableau à 89 ans. À 100 ans, elle organise sa première rétrospective muséale, au Whitney Museum of American Art de New York. De nombreux critiques, conservateurs et marchands ont depuis tenté de la classer selon divers mouvements d’histoire de l’art, tels que le minimalisme, l’abstraction géométrique et l’art concret. Cependant, ce qui permet à Herrera de résister, et même de transcender, ces étiquettes, c'est son dévouement total à sa vision personnelle. Elle a un jour plaisanté en disant qu'elle n'autoriserait pas un livre de Picasso chez elle, car regarder Picasso, c'est vouloir le copier. Son seul objectif, dit-elle, est de suivre son propre désir de simplification, ou ce qu’elle appelle « un processus de suppression de ce qui n’est pas essentiel ». La tension dans son travail vient souvent de cet aperçu de cet espace où nous sommes confrontés non pas à ce qui est là, mais à ce qui manque.

Rondo (bleu et jaune), 1965 Acrylique sur toile de Carmen Herrera, américaine, née à La Havane, Cuba, 1915. Source : https://flic.kr/ p/5vyjn2

Zilia Sánchez (née en 1926, Cuba)

Née à Cuba, Zilia Sanchez vit et travaille à Porto Rico depuis les années 1970. Ses toiles façonnées dépassent du mur, tandis que des objets – ou des forces – semblent tenter de percer par derrière. Ce geste poétique met en avant le mystère et fait allusion au sentiment que ce qui est visible et apparemment si important dans le moment présent est simultanément modifié sous nos yeux. Cette œuvre est une représentation emblématique de l’éternelle avant-garde, car elle milite pour le fait que tout est constamment reconfiguré par tout ce qui est en train d’émerger.

Mercedes Pardo (1921 - 2005, Venezuela)

De nombreux artistes parlent de leur travail en termes d'enquêtes. Mercedes Pardo s'est distinguée non pas par sa recherche, mais par la création de rencontres personnelles pour ses téléspectateurs. Connue pour un ensemble de peintures abstraites géométriques et biomorphiques sur lesquelles elle a travaillé pendant des décennies au cours de sa carrière, elle a travaillé dans une gamme de médiums différents, notamment la conception de costumes, l'illustration de livres, le collage et l'art public à grande échelle. Pardo considérait les rencontres personnelles avec l’art comme l’opposé – ou peut-être l’antidote – de la culture de consommation. Elle a évité l’imposition de modèles, centrant plutôt les expériences uniques du spectateur avec une matière purifiée.

Noemi Escandell (1942 - 2019, Argentine)

Aimée de ses étudiants et d'autres artistes, et redoutée des autorités politiques, Noemi Escandell croyait fermement que les gestes politiques et artistiques ne font qu'un. Elle est connue aujourd'hui après sa mort pour les sculptures et dessins abstraits et spatiaux qu'elle a commencé à créer dans les années 1960, qui se rapportent visuellement au minimalisme. Cependant, Escandell a adopté une incroyable variété de stratégies visuelles au cours de sa carrière afin de représenter son idée centrale, la liberté. Son invention la plus puissante est peut-être ce qu’elle appelle « main à main » : des œuvres d’art qui doivent circuler entre les spectateurs lors d’une exposition avant d’être accrochées au mur. Son travail était basé sur la beauté de l'inconnu et exaltait le lien intime qui doit exister entre les gens et l'art pour que l'un ou l'autre puisse atteindre son plein potentiel.

Image à la une : Lygia Clark - Bicho Linear, 1960. Aluminium. 33 9/10 x 26 x 14 1/5 po (86 x 66 x 36 cm). Bergamin & Gomide, São Paulo
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio