Tracer une ligne dans l'espace - L'art du Gego

Gego, autrement connue sous le nom de Gertrud Goldschmidt, est l’une de ces rares artistes qui ont consacré toute leur énergie à explorer le potentiel expressif d’un seul élément esthétique. Dans son cas, cet élément était la ligne. Dessinatrice de formation, Gego était ancrée dans les fondamentaux. Elle comprenait la nature architectonique du dessin et saisissait que ce qui maintient toute construction ensemble est une combinaison de plans et d’espaces ouverts. Tout au long de sa carrière, Gego a exploré ce concept de multiples façons. Elle a créé des livres de lithographies, présentant des dessins linéaires qui n’utilisent que les marques les plus simples pour composer des œuvres élaborées semblant contenir un volume réel. Elle a réalisé des sculptures qui redéfinissaient l’abstraction géométrique en utilisant uniquement des lignes et de l’espace, et a finalement étendu son œuvre à une échelle monumentale, remplissant des pièces entières d’installations linéaires complexes, tissées à la main, qui repoussent les limites entre spectateurs et art. Il est tentant de définir Gego comme une artiste bidimensionnelle ou tridimensionnelle, puisque ses œuvres peuvent être classées comme dessins ou sculptures. Mais une meilleure description de son travail est qu’il transcende ces catégories et crée finalement des expériences suggérant l’existence de dimensions entièrement nouvelles au-delà du simple domaine physique.

Universalités Intérieures

Gego est née à Hambourg, en Allemagne, en 1912. À 20 ans, elle a traversé le pays pour étudier à l’Université de Stuttgart. Elle excellait dans ses cours, mais assez rapidement, et sans que ce soit de sa faute, sa carrière académique devint difficile. Hitler arriva au pouvoir en 1934. L’année suivante, bien qu’elle fût citoyenne de naissance, Gego vit sa nationalité allemande révoquée parce que sa famille était juive. Elle resta néanmoins dans le pays et poursuivit ses études plusieurs années encore. En 1938, Gego obtint non pas un, mais deux diplômes : un en architecture et un en ingénierie. Mais dès sa sortie, elle quitta l’Allemagne pour toujours.

Elle s’enfuit au Venezuela où elle recommença sa vie comme architecte, acceptant des missions en freelance pour concevoir des maisons et des commerces, dirigeant même une entreprise de création de meubles pendant plusieurs années. Elle réussit dans son travail, mais peu à peu, elle s’intéressa moins aux aspects fonctionnels et utilitaires pour se tourner vers des éléments plus introspectifs. Peut-être influencée par ce qu’elle avait vu en Allemagne, ou par son expérience de réfugiée, Gego se consacra à explorer les universalités qu’elle pouvait exprimer à travers son travail. En bref, elle devint artiste. Comme elle l’exprima plus tard, « L’art est fermement enraciné dans des valeurs spirituelles. Le créateur est engagé dans un processus continu de découverte — non de lui-même, mais des racines de l’univers qu’il a pu découvrir en lui ».

Gego - Sans Titre (73/14) et Sans Titre (73/16), © 2019 Fundacion Gego

Lignes Reliantes

C’est au début des années 1950 que Gego abandonna officiellement ses carrières d’architecte et de designer pour se consacrer pleinement à l’art. Rapidement, elle se tourna vers l’abstraction, qui commençait alors à s’imposer dans la culture vénézuélienne en pleine modernisation. Elle isola l’élément esthétique fondamental qu’elle croyait exprimer les universalités qu’elle avait découvertes en elle : l’élément de la ligne. Une de ses premières sculptures, intitulée Sphère, exprime élégamment son désir fondamental d’explorer le caractère des lignes. L’œuvre consiste en un agglomérat de tiges horizontales, verticales et diagonales qui ne créent pas tant une sphère réelle qu’une présence sphérique. L’objet ne contient rien, et pourtant il prend une présence volumique, surtout lorsque l’on se déplace autour, les éléments linéaires croisés collaborant pour créer l’illusion d’un globe tournant.

Un autre objet créé la même année, appelé Gegofón, utilise la même technique de fabrication du volume avec des lignes. Cette fois, elle crée l’illusion d’un cube incliné sur le côté, en forme de losange. Encore plus que Sphère, cette pièce devient déconcertante lorsqu’on tente de comprendre la nature exacte et la construction de l’œuvre, surtout en se déplaçant autour, car les lignes croisées donnent l’impression qu’il y a plus d’ailerons triangulaires qu’il n’y en a réellement. Cet effet cinétique déconcertant est amplifié par les motifs créés au sol par les ombres.

Gego - Sphère, 1959, laiton et acier soudés, peint (à gauche) et Gegofón, 1959, laiton et acier soudés, peint (à droite), © 2019 Fundación Gego

Habiter l’Espace

Se sentant cependant limitée par les qualités géométriques strictes de ses premières sculptures, Gego commença à explorer de nouvelles manières plus personnelles d’utiliser les lignes pour créer des sculptures. Elle élargit sa gamme de matériaux et se libéra des formes géométriques préexistantes. Dans sa série Chorros, elle créa des sculptures en fil de fer hautes, fines, presque figuratives. Le mot chorros en espagnol évoque quelque chose comme un jet puissant, comme un jet d’eau. Lorsqu’elles furent exposées pour la première fois, à la galerie Betty Parsons à New York, ces sculptures prirent la présence de cascades.

Ces sculptures en fil de fer plus libres inspirèrent Gego à penser qu’elle dessinait, mais au lieu de dessiner sur une surface, elle dessinait dans l’espace. Elle entama ainsi une série d’œuvres intitulée Dibujo sin papel, ou Dessin Sans Papier. Certaines de ces œuvres conservent une sensibilité ordonnée, d’autres se libèrent, ressemblant à des griffonnages dans l’espace. Toutes, exposées sous un éclairage vif, nouent de nouvelles relations avec les surfaces et espaces environnants grâce aux ombres qu’elles créent.

Gego - Chorros, 1971, sculpture en fil de fer, vue à la galerie Betty Parsons (à gauche), et Dibujo sin papel 77/20 (Dessin Sans Papier), 1977, fer, acier inoxydable, émail et petits tubes métalliques (à droite), © 2019 Fundación Gego

Stabilité et Évanescence

Les ombres créées par ses œuvres inspirèrent Gego à réfléchir davantage aux aspects métaphysiques de la manière dont les objets esthétiques occupent l’espace. Elle comprit que la présence d’un objet est définie par plus que ses seules caractéristiques physiques. Les objets ont une personnalité. Ils affectent l’espace vide autour d’eux autant que l’espace qu’ils occupent réellement, que ce soit en projetant des ombres ou en insinuant leur présence dans l’espace vide proche. Cette idée se manifesta de façon spectaculaire dans les installations monumentales que Gego créa, telles que Reticulárea (ambientación), illustrée ci-dessous lors de son exposition au Museo de Bellas Artes, Caracas, en 1969.

Dans cette installation, les lignes elles-mêmes présentent un sens de stabilité. Elles sont tangibles et occupent l’espace. Mais les ombres jouent un rôle égal dans l’expérience visuelle globale, et sont donc tout aussi tangibles d’un point de vue esthétique. Tout aussi important est l’espace vide entre les lignes, qui permet à l’œil de rencontrer simultanément tous les autres éléments de l’œuvre. Mais les ombres et les espaces vides sont dans un état de précarité constante. Ils représentent l’évanescence, ou le sentiment que quelque chose est dans un état d’apparition et de disparition simultanées. L’œuvre elle-même occupe très peu d’espace dans la pièce. Mais le caractère, ou la personnalité de l’œuvre, remplit chaque centimètre de l’espace.

Gego - Reticulárea (ambientación), 1969, © 2019 Fundación Gego

Transcender la Géométrie et le Cinétisme

Les mouvements d’art abstrait les plus dominants au Venezuela lorsque Gego entra dans le monde de l’art étaient l’Abstraction Géométrique et l’Art Cinétique. Il est évident qu’aux débuts de son exploration artistique, Gego fut fortement influencée par ces deux courants, mais il est difficile de la classer dans l’un ou l’autre. Ses premières sculptures jouaient assurément avec des formes géométriques. Et le cinétisme l’affecta alors qu’elle exploitait à plusieurs reprises l’idée du mouvement, non pas en attachant des moteurs à ses œuvres, mais du point de vue des spectateurs en mouvement. Mais aucun de ces mouvements ne lui offrait la pleine liberté de croissance dont elle avait besoin dans son travail. Elle était intéressée par la découverte, et elle sentait que la seule vraie manière de découvrir quoi que ce soit était de rendre son travail personnel.

Il est aussi difficile de classer Gego comme artiste bidimensionnelle ou tridimensionnelle. Ses œuvres sur papier comptent parmi les plus fascinantes et complexes produites par les artistes de sa génération. Elles créent des illusions, capturant le dynamisme de Bridget Riley ou Jesus Rafael Soto et la délicatesse de Agnes Martin. Et pourtant elles sont si simples : strictement dédiées à explorer les potentialités de la ligne. Pendant ce temps, ses pièces tridimensionnelles défient la catégorisation. Elles habitent l’espace de telle sorte que l’espace lui-même devient le sujet de l’œuvre. Et pourtant la ligne est si clairement le sujet. Mais encore, elles semblent s’ouvrir à la possibilité que ni la ligne ni l’espace ne soient le véritable sujet. Peut-être que le sujet réside dans un autre aspect de leur présence. Ainsi, il est difficile, en regardant son œuvre, de ranger facilement Gego dans une catégorie. Il est bien plus juste, et bien plus satisfaisant, de la placer dans une catégorie qui lui est propre.

Gego - deux dessins sans titre, © 2019 Fundacion Gego

Image en vedette : Gego - Sin Titulo (détail), 1961, Encre sur papier, © 2019 Fundación Gego
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio