L'héritage éternel de Jack Whitten

Jack Whitten, célèbre peintre abstrait, philosophe social et leader culturel, est décédé à 78 ans. Au cours d'une carrière d'exposition qui a duré plus de 50 ans, Whitten a créé une héritage artistique basé sur le même principe selon lequel il vivait : en changeant notre perception, nous pouvons créer une culture plus pacifique. En studio, il était conceptuellement rigoureux, esthétiquement dynamique et un expérimentateur infatigable. La plupart des artistes ont la chance de développer une position visuelle unique au cours de leur carrière. Whitten en a développé plusieurs. Son approche était si innovante et si expérimentale qu’elle l’a souvent amené à être mal compris, même par ses partisans. Cette réalité a amené Whitten à être sous-estimé par le marché pendant la majeure partie de sa vie et sous-reconnu dans le débat sur l’histoire de l’art. Mais l’état d’esprit des marchands d’art et des acheteurs a finalement commencé à rattraper Whitten au cours des quinze dernières années, au cours desquelles son travail a été présenté dans plus de 40 expositions. Les gens commencent à comprendre que malgré la gamme de styles différents employés par Whitten, son œuvre présente de nombreux aspects unificateurs. Par exemple, l’idée des couches est importante dans tout ce que Whitten produit. Il en va de même pour le concept de perception. La lumière est également importante. Et le motif aussi. Ces quatre éléments se rapportent à ce que Whitten a vaguement décrit comme sa « vision du monde ». Comme il l'a expliqué : « La vision du monde est une déclaration cosmique de l'être. ». Sa vision du monde était que la lumière est ce qui nous aide à percevoir ; et la perception est ce qui nous aide à reconnaître les modèles ; les modèles sont ce qui nous amène à formuler nos croyances ; et nos croyances déterminent la façon dont nous structurons la société. Whitten a insisté sur le fait que l’art peut être un puissant agent de changement, car il s’adresse à notre perception et peut ainsi nous aider à créer un monde plus éthique et plus empathique.

L'art est notre seul espoir

Whitten a compris pour la première fois le potentiel transformateur de l’art au début de la vingtaine. Il y voyait une méthode pour faire face à ce qui avait été jusque-là, pour lui, une horrible expérience du monde. Il a décrit son enfance dans le sud des États-Unis en termes clairs : un racisme et une violence incessants visant lui et toute autre personne de couleur. Il a quitté son État d'origine, l'Alabama, en 1960, à l'âge de 21 ans, et n'y est jamais revenu. Il a déménagé à New York et s'est inscrit à Cooper Union. Quatorze ans plus tard, ses œuvres étaient célébrées dans une exposition personnelle au Whitney Museum of American Art. De nombreuses œuvres de cette exposition appartenaient à ce qui est considéré comme sa première position visuelle emblématique : ses peintures dites « en dalles ». Pour réaliser ces œuvres, Whitten a posé ses toiles sur le sol et y a appliqué de la peinture avec une raclette. Dès qu’une couche de peinture séchait, il en appliquait une autre, et ainsi de suite. Il a construit les couches jusqu'à ce que la surface soit dense et dimensionnelle. Chaque sous-couleur apparaît à la fin.

Jack Whitten - Untitled, 1968, Pastel on paper, 11 3/8 × 19 3/4 in, 28.9 × 50.2 cm, photo credits Allan Stone Projects, New York

Pour Whitten, ces peintures étaient une tentative philosophique de percer vers un alternatif au-delà de son passé violent. Elles étaient une tentative non pas tant de découvrir ce qui est universel, mais plutôt de découvrir ce qui existe au-delà du soi. Il croyait que la culture était remplie de stéréotypes, et que ce processus de travail, de laisser toutes les différentes couleurs et couches transparaître dans la composition abstraite finale, était un moyen de détruire les attentes sur lesquelles ces stéréotypes sont basés. Ses peintures "slab" sont des invitations à se demander ce qui se passe ; à questionner comment quelque chose est créé ; à analyser les hypothèses préexistantes ; et à penser à quelque chose d'autre que ce qui est connu. Il les voyait comme une tentative directe de confondre la pensée rigide. Comme il l'a dit un jour, "L'art a le pouvoir de briser les barrières érigées par des penseurs fondamentalistes simplistes qui tentent de maintenir le pouvoir. Si les fondamentalistes ont peur du Rouge, du Jaune et du Bleu, alors le Rouge, le Noir et le Vert, ou le Rose et le Lavande doivent leur donner des cauchemars !"

Jack Whitten - solo show at Hauser & Wirth, New York, Jan 26th – Apr 8th 2017, installation view, photo credits Hauser & Wirth, New York

Pas de destination, seulement une structure

Dès que Whitten est devenu connu pour ses peintures en « dalles », il a abandonné cette technique et a commencé à travailler dans un style de collage, en utilisant des éclats de peinture acrylique séchés comme carreaux. En utilisant les carreaux, il a réalisé ce qui ressemble à des mosaïques. Il s'est rendu compte qu'en ne posant pas ces éclats de peinture à plat, ils reflétaient la lumière différemment, ajoutant de la dimension et de la vie aux œuvres. C'est devenu sa prochaine position visuelle emblématique. Il a continué à le développer au fil des années, pour finalement parvenir à une technique de fabrication de moules pour ses carreaux de peinture, plutôt que de s'appuyer sur des éclats de peinture. Il a appelé ces carreaux de peinture moulés « prêts maintenant » et les a utilisés pour construire des compositions architectoniques qui ressemblent à des murs de briques. Il utilise cette technique pour réaliser ses peintures « commémoratives », comme 9-11-01, qui commémorait les attaques contre le World Trade Center, dont il a été témoin depuis son appartement de Tribeca. Mais même cette technique, qui s’est avérée la plus appréciée des collectionneurs et des institutions, n’était pas sa destination esthétique finale. Il a continué à expérimenter et à évoluer pour le reste de sa vie.

Jack Whitten - solo show at Hauser & Wirth, New York, Jan 26th – Apr 8th 2017, installation view, photo credits Hauser & Wirth, New York

Il existe de multiples clichés pour aborder la question métaphysique de savoir lequel est le plus important dans la vie : le voyage ou la destination. Whitten avait un dicton préféré, qu'il a repris de son ancien revendeur Allan Stone. Il disait : « Il n’y a pas de destination. » Pour Whitten, la vie existait sur un continuum : une route qui ne menait nulle part. Tout ce qui lui importait, c'étaient les processus – les processus de vision ; de penser; d'expérimentation; de faire. Tout au long de sa carrière, il est resté fidèle à l’idée selon laquelle il y avait toujours quelque chose de nouveau à attendre. Comme un musicien de jazz jouant dans une certaine tonalité, il s’est donné des structures sous-jacentes – des points de départ intellectuels basés sur des philosophies fondamentales. Et à partir de là, il a improvisé. Les motifs, les couches et la lumière qu’il nous a laissés à admirer nous offrent des chemins vers de nouveaux systèmes de perception. Ils nous montrent la voie à suivre vers quelque chose de plus profond et de plus important que nous-mêmes.

Jack Whitten - Black Monolith, II: Homage To Ralph Ellison The Invisible Man, 1994, Acrylic, molasses, copper, salt, coal, ash, chocolate, onion, herbs, rust, eggshell, razor blade on canvas, 58 × 52 in, 147.3 × 132.1 cm, © Jack Whitten/Artists Rights Society (ARS), New York

Image en vedette : Jack Whitten - Cinq décennies de peinture, galeries Target et Friedman, du 13 septembre 2015 au 24 janvier 2016, organisé par le Musée d'art contemporain, San Diego

Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement

Par Phillip Barcio