L'héritage éternel de Jack Whitten

Jack Whitten—peintre abstrait renommé, philosophe social et leader culturel—est décédé à l'âge de 78 ans. Au cours d'une carrière d'exposition qui s'est étendue sur plus de 50 ans, Whitten a créé un héritage artistique fondé sur le même principe qui guidait sa vie : en changeant notre perception, nous pouvons créer une culture plus pacifique. Dans son atelier, il faisait preuve d'une rigueur conceptuelle, d'une dynamique esthétique et d'un esprit d'expérimentation infatigable. La plupart des artistes ont la chance de développer une seule position visuelle unique au cours de leur carrière. Whitten en a développé plusieurs. Son approche était si novatrice et expérimentale qu'elle le faisait souvent mal comprendre, même par ses partisans. Cette réalité a conduit Whitten à être sous-estimé par le marché pendant la majeure partie de sa vie, et peu reconnu dans le discours historique de l'art. Mais l'état d'esprit des marchands et des acheteurs d'art a finalement commencé à rattraper Whitten au cours des quinze dernières années, période durant laquelle son travail a été présenté dans plus de 40 expositions. Les gens commencent à apprécier que, malgré la diversité des styles employés par Whitten, de nombreux aspects unificateurs traversent son œuvre. Par exemple, l'idée de couches est importante dans tout ce que Whitten a produit. Il en va de même pour le concept de perception. La lumière est également importante. Et le motif aussi. Ces quatre éléments se rapportent à ce que Whitten décrivait vaguement comme sa « vision du monde ». Comme il l'expliquait, « La vision du monde est une déclaration cosmique de l'être. » Sa vision du monde était que la lumière nous aide à percevoir ; et la perception nous aide à reconnaître les motifs ; les motifs nous conduisent à formuler nos croyances ; et nos croyances déterminent comment nous structurons la société. Whitten insistait sur le fait que l'art peut être un puissant agent de changement, car il agit sur notre perception et peut ainsi nous aider à créer un monde plus éthique et empathique.

L'art est notre seul espoir

Whitten a d'abord embrassé le potentiel transformateur de l'art dans sa vingtaine. Il le voyait comme une méthode pour faire face à ce qui avait été, pour lui, une expérience horrible du monde. Il décrivait son enfance dans le sud des États-Unis en termes clairs : un racisme et une violence incessants dirigés contre lui et toutes les autres personnes de couleur. Il a quitté son État natal, l'Alabama, en 1960, à 21 ans, et n'y est jamais retourné. Il s'est installé à New York et s'est inscrit à Cooper Union. Quatorze ans plus tard, ses œuvres étaient célébrées lors d'une exposition personnelle au Whitney Museum of American Art. Beaucoup des œuvres de cette exposition appartenaient à ce qui est considéré comme sa première position visuelle emblématique : ses peintures dites « dalle ». Pour réaliser ces œuvres, Whitten posait ses toiles à même le sol et étalait la peinture avec une raclette. Dès qu'une couche de peinture séchait, il en appliquait une autre, et ainsi de suite. Il accumulait les couches jusqu'à ce que la surface soit dense et dimensionnelle. Chaque couleur sous-jacente transparaît à la fin.

Jack Whitten - Sans titre, 1968, Pastel sur papier, 28,9 × 50,2 cm, crédits photo Allan Stone Projects, New York

Pour Whitten, ces peintures étaient une tentative philosophique de percer vers une alternative à son passé violent. Elles ne visaient pas tant à découvrir ce qui est universel, mais plutôt à découvrir ce qui existe au-delà du soi. Il croyait que la culture était remplie de stéréotypes, et que ce processus de travail, laissant toutes les différentes couleurs et couches transparaître dans la composition finale abstraite, était une manière de détruire les attentes sur lesquelles ces stéréotypes reposent. Ses peintures « dalle » sont des invitations à s'interroger sur ce qui se passe ; à questionner comment quelque chose est créé ; à analyser les présupposés ; et à penser à autre chose que ce qui est connu. Il les considérait comme une tentative directe de déjouer la pensée rigide. Comme il l'a dit un jour, « L'art a le pouvoir de briser les barrières érigées par des penseurs fondamentalistes bornés qui tentent de maintenir le pouvoir. Si les fondamentalistes ont peur du Rouge, du Jaune et du Bleu, alors le Rouge, le Noir et le Vert, ou le Rose et la Lavande doivent leur donner des cauchemars ! »

Jack Whitten - exposition personnelle à Hauser & Wirth, New York, 26 janvier – 8 avril 2017, vue d'installation, crédits photo Hauser & Wirth, New York

Pas de destination, seulement une structure

Dès que Whitten est devenu connu pour ses peintures « dalle », il a abandonné cette technique et a commencé à travailler dans un style collage, utilisant des éclats de peinture acrylique séchée comme carreaux. Avec ces carreaux, il réalisait ce qui ressemblent à des mosaïques. Il a compris qu'en ne posant pas ces éclats de peinture à plat, ils réfléchissaient la lumière différemment, ajoutant dimension et vie aux œuvres. Cela est devenu sa prochaine position visuelle emblématique. Il l'a développée au fil des ans, arrivant finalement à une technique de fabrication de moules pour ses carreaux de peinture, plutôt que de se fier aux éclats. Il appelait ces carreaux moulés « prêts maintenant », et les utilisait pour construire des compositions architectoniques ressemblant à des murs de briques. Il a utilisé cette technique pour réaliser ses peintures « mémorial », comme 9-11-01, qui commémorait les attaques contre le World Trade Center, qu'il a vues depuis son appartement à Tribeca. Mais même cette technique, qui s'est avérée la plus populaire auprès des collectionneurs et des institutions, n'était pas sa destination esthétique finale. Il a continué à expérimenter et à évoluer jusqu'à la fin de sa vie.

Jack Whitten - exposition personnelle à Hauser & Wirth, New York, 26 janvier – 8 avril 2017, vue d'installation, crédits photo Hauser & Wirth, New York

Il existe de nombreux clichés pour aborder la question métaphysique de ce qui est le plus important dans la vie : le voyage ou la destination. Whitten avait une phrase favorite, qu'il tenait de son ancien marchand Allan Stone. Elle disait : « Il n'y a pas de destination. » Pour Whitten, la vie existait sur un continuum — une route vers nulle part. Tout ce qui comptait pour lui, c'étaient les processus — les processus de voir ; de penser ; d'expérimenter ; de créer. Tout au long de sa carrière, il est resté fidèle à l'idée qu'il y avait toujours quelque chose de nouveau qui attendait au tournant. Comme un musicien de jazz jouant dans une certaine tonalité, il se donnait des structures sous-jacentes — des points de départ intellectuels basés sur des philosophies fondamentales. Et à partir de là, il improvisait. Les motifs, les couches et la lumière qu'il nous a laissés admirer nous offrent des chemins vers de nouveaux systèmes de perception. Ils nous montrent une voie vers quelque chose de plus profond et d'important que le soi.

Jack Whitten - Monolithe Noir, II : Hommage à Ralph Ellison L'Homme Invisible, 1994, Acrylique, mélasse, cuivre, sel, charbon, cendre, chocolat, oignon, herbes, rouille, coquille d'œuf, lame de rasoir sur toile, 147,3 × 132,1 cm, © Jack Whitten/Artists Rights Society (ARS), New York

Image en vedette : Jack Whitten - Cinq décennies de peinture, galeries Target et Friedman, 13 septembre 2015 - 24 janvier 2016, organisée par le Museum of Contemporary Art, San Diego

Toutes les images sont utilisées à des fins d'illustration uniquement

Par Phillip Barcio