L'héritage de la pionnière de l'art abstrait, Gillian Ayres

La peintre abstraite et graveuse britannique Gillian Ayres est décédée à l'âge de 88 ans. Sa mort laisse une place vide dans le monde de l'art, mais aussi dans celui de l'éducation et du modelage. Ayres était sans doute l’un des professeurs d’art les plus charismatiques et les plus confiants de Grande-Bretagne, en grande partie grâce à son adhésion totale au non-conformisme. Elle a enseigné à la Bath Academy of Art de 1959 à 1965, à la Saint Martin’s School of Art de Londres de 1966 à 1978, puis en 1978, elle est devenue directrice du département de peinture de la Winchester School of Art. Ce dernier emploi était plus un poste de direction qu'un poste d'enseignant. Elle l'a quitté après avoir constamment lutté avec les administrateurs de l'école sur la manière de gérer le département, et même sur l'opportunité de le faire. Ayres croyait que l'éducation artistique serait mieux servie sans qu'un bureau en soit responsable. Bien qu'il s'agisse de son dernier poste universitaire officiel, Ayres a continué à enseigner par son exemple. Elle était un modèle quant à l’importance d’avoir des principes et de les respecter vigoureusement. Ses principes incluaient une immense générosité envers ses étudiants et amis (qu'elle hébergeait souvent chez elle), un amour pour le champagne et les cigarettes (auquel elle s'est livrée jusqu'à la fin) et une haine totale pour les membres de la soi-disant Euston Road. School, un collectif d'artistes réalistes traditionnels opposés à l'avant-garde et à l'art abstrait. Son dévouement à l’abstraction a inspiré d’innombrables autres artistes abstraits britanniques et a contribué à renverser les préjugés institutionnels contre l’abstraction dans les écoles, les galeries et les musées. L’héritage qu’elle espérait laisser derrière elle peut être résumé dans une déclaration qu’elle a faite lors d’un entretien avec le Financial Times en 2015. Elle a déclaré : « Les gens aiment comprendre, et j’aimerais qu’ils ne le fassent pas. J’aimerais qu’ils regardent.

Formes et espaces

Ayres a terminé ses études d'art en 1950 et a accepté un emploi d'assistant de galerie. Elle a conservé ce poste pendant six ans à temps partiel tout en peignant. Elle a déclaré qu'au début de sa carrière, elle avait été largement influencée par Jackson Pollock et les expressionnistes abstraits. Cependant, ce qui l’inspirait le plus chez eux n’était pas leurs tendances métaphysiques, c’est-à-dire leurs tentatives de se connecter à un puits primaire d’émotions profondes et cachées. Elle s’inspire plutôt de leurs méthodes de travail, qui lui semblent libres et expérimentales. Elle a adopté la technique du travail au sol et des mouvements lâches et lyriques tout en peignant. Beaucoup de ses œuvres de cette époque pourraient être décrites comme des peintures d’action. Ils comprennent fréquemment des éclaboussures et des gouttes de peinture, des marques de pinceau gestuelles et de grands champs de couleurs appliqués énergiquement.

Gillian Ayres - Achiote, 2015, gravure sur bois sur papier japonais Unryu-shi 75 g/m², 33 3/5 × 64 2/5 po, 85,4 × 163,5 cm, photo fournie avec l'aimable autorisation Galerie Alan Cristea, Londres

Parallèlement à son exploration de l’action painting de style « all-over », Ayres s’intéresse également à l’exploration directe des formes et des espaces. Beaucoup de ses peintures des années 1950 et 1960 contiennent des compositions libres de cercles, de carrés et d'autres formes géométriques ou quasi géométriques. Les formes semblent souvent flotter les unes autour des autres dans le vide. Ces peintures sont purement abstraites, mais pas dans le sens où Ayres les « faisait abstraction » du monde naturel. Au lieu de cela, elle a simplement cherché à créer des compositions sans aucun contenu narratif ou figuratif, car elle croyait au potentiel « enivrant » des images abstraites de formes interagissant dans l’espace. En d’autres termes, elle pensait que de telles images pouvaient être enivrantes. Elle pensait que cette qualité était vitale pour que les gens puissent simplement apprécier son art sans se sentir obligés d'y penser logiquement, ni même d'engager leur intellect.

Gillian Ayres - Illyria, 2017, gravure sur bois sur papier japonais Unryushi 75 g/m², 36 1/5 × 40 9/10 po, 92 × 104 cm, photo avec l'aimable autorisation d'Alan Cristea Galerie, Londres

Couleur indulgente

En plus de son amour pour les formes et les espaces, Ayres était une passionnée de couleurs. Elle a dit un jour : « Pour moi, la couleur dans l’art est merveilleusement agréable. » Elle voulait que les gens boivent ses peintures. Elle les considérait comme un régal pour les yeux. Elle a dit : « Je ne vois pas pourquoi vous ne devriez pas vous rassasier, vous rendre heureux, vous amuser et vous régaler de beauté. » Même si cela semble être un point de vue inoffensif aujourd’hui, il fut un temps où cela provoquait une profonde méfiance envers Ayres auprès du public britannique. Cette méfiance a culminé en 1957, lorsqu'après avoir été inclus dans l'exposition Metavisual Tachiste Abstract - Painting in England Today, Ayres a été engagé pour peindre une fresque murale dans la salle à manger de une école de Londres. Presque aussitôt qu'elle a terminé la fresque, les administrateurs de l'école ont ordonné qu'elle soit recouverte de papier peint. Ce n'est que des décennies plus tard, après qu'Ayres soit devenu célèbre, que la peinture murale a été redécouverte dans un état presque parfait sous le papier peint.

Gillian Ayres - Thuban, 2017, gravure sur bois sur papier Unryushi 75 g/m², 18 4/5 × 22 4/5 po, 47,8 × 57,9 cm, photo avec l'aimable autorisation de la galerie Alan Cristea , Londres

L'affection d'Ayres pour la couleur comme sujet est évidente tout au long de sa carrière. À mesure que ses compositions devenaient moins lyriques, moins gestuelles et plus structurées et architectoniques avec le temps, son amour pour la couleur ne faisait que se renforcer. Dans les années 1980, elle avait développé une vision esthétique quelque peu fantaisiste et festive basée sur des couleurs vives et claires et des formes biomorphiques. Ces œuvres modifiées sont apparemment inspirées de la nature. Certaines personnes soupçonnent que cela est dû au fait qu'à cette époque de sa vie, Ayres a déménagé avec sa famille dans une communauté rurale côtière du Pays de Galles. Elle a déclaré que les conditions locales, notamment le paysage, ont eu une grande influence sur elle. Cependant, elle a toujours insisté sur le fait que son travail n’était ni abstrait de la nature, ni épuré des images de la campagne. À certains égards, les dernières peintures réalisées par Ayres rappellent les découpages de Matisse. Les deux artistes ont adopté une palette de couleurs similaire à la fin de leur carrière et ont tous deux développé un sens similaire des relations spatiales. Sauf que si Matisse espérait fièrement évoquer les formes du monde naturel dans ses œuvres tardives, Ayres est restée convaincue jusqu'au bout que ses œuvres ne reposaient sur rien. Ce ne sont que des images de couleurs et de formes dans l’espace sans signification au-delà d’elles-mêmes, offrant un pur plaisir aux spectateurs assez courageux pour se livrer à leur beauté.

Image présentée : Gillian Ayres - Heligan 1, 2011, gravure sur bois sur papier japonais Unryu-shi, 30 7/10 × 45 7/10 po, 78 × 116 cm , Édition de 18 exemplaires, photo avec l'aimable autorisation de la Alan Cristea Gallery, Londres

Par Phillip Barcio