L'héritage de la pionnière de l'art abstrait, Gillian Ayres

La peintre et graveuse abstraite britannique Gillian Ayres est décédée à l'âge de 88 ans. Sa disparition laisse un vide dans le monde de l'art, ainsi que dans les domaines de l'éducation et de l'exemplarité. Ayres fut sans doute l'une des professeures d'art les plus charismatiques et assurées de Grande-Bretagne, en grande partie grâce à son adhésion totale à la non-conformité. Elle enseigna à la Bath Academy of Art de 1959 à 1965, donna des conférences à la Saint Martin’s School of Art de Londres de 1966 à 1978, puis en 1978 elle devint responsable du département de peinture à la Winchester School of Art. Ce dernier poste était plus un rôle de gestion qu’un poste d’enseignement. Elle le quitta après avoir constamment eu des conflits avec les administrateurs de l’école sur la manière, et même sur la question de savoir s’il fallait gérer ce département. Ayres croyait que l’enseignement de l’art serait mieux servi sans qu’aucun bureau ne soit chargé de le diriger. Bien que ce fût sa dernière fonction académique officielle, Ayres continua d’enseigner par son exemple. Elle fut un modèle pour l’importance d’avoir des principes et de les défendre vigoureusement. Ses principes incluaient une immense générosité envers ses élèves et amis (qu’elle hébergeait souvent chez elle), un amour pour le champagne et les cigarettes (qu’elle s’accordait jusqu’à la fin), et une haine totale envers les membres de la soi-disant École de la route d’Euston, un groupe d’artistes réalistes traditionnels opposés à l’art d’avant-garde et abstrait. Sa dévotion à l’abstraction a inspiré d’innombrables autres artistes abstraits britanniques et contribua à inverser les préjugés institutionnels contre l’abstraction dans les écoles, galeries et musées. L’héritage qu’elle espérait laisser peut se résumer dans une déclaration qu’elle fit lors d’une interview avec le Financial Times en 2015. Elle déclara : « Les gens aiment comprendre, et j’aimerais qu’ils ne le fassent pas. J’aimerais qu’ils se contentent de regarder. »

Formes et Espaces

Ayres termina ses études d’art en 1950 et prit un emploi d’assistante dans une galerie. Elle occupa ce poste à temps partiel pendant six ans tout en continuant à peindre. Elle a dit que dans ces débuts de carrière, elle fut largement influencée par Jackson Pollock et les expressionnistes abstraits. Cependant, ce qui l’inspirait le plus chez eux n’était pas leurs tendances métaphysiques, c’est-à-dire leurs tentatives de se connecter à une source primitive d’émotions profondes et cachées. Elle était plutôt inspirée par leurs méthodes de travail, qui lui semblaient libres et expérimentales. Elle adopta la technique de travailler au sol en utilisant des mouvements amples et lyriques lors de la peinture. Beaucoup de ses œuvres de cette époque pourraient être qualifiées de peintures d’action. Elles incluent fréquemment de la peinture éclaboussée et gouttée, des coups de pinceau gestuels, et de larges champs de couleur appliqués avec énergie.

Gillian Ayres - Achiote, 2015, Gravure sur bois sur papier japonais Unryu-shi 75gsm, 33 3/5 × 64 2/5 pouces, 85,4 × 163,5 cm, photo avec l’aimable autorisation de la Alan Cristea Gallery, Londres

Parallèlement à son exploration du style « all-over » de la peinture d’action, Ayres montra également un intérêt pour l’exploration directe des formes et des espaces. Beaucoup de ses peintures des années 1950 et 60 contiennent des compositions libres de cercles, carrés et autres formes géométriques ou quasi-géométriques. Ces formes semblent souvent flotter les unes autour des autres dans un vide. Ces peintures sont purement abstraites, mais pas dans le sens où Ayres les aurait « abstraites » du monde naturel. Au contraire, elle cherchait simplement à créer des compositions sans aucun contenu narratif ou figuratif, car elle croyait au potentiel des images abstraites de formes interagissant dans l’espace pour être « enivrantes ». En d’autres termes, elle pensait que ces images pouvaient être enivrantes. Elle estimait que cette qualité était essentielle pour que les gens puissent simplement prendre plaisir à regarder son art sans ressentir la pression de devoir réfléchir logiquement à son sujet, ni même d’engager leur intellect.

Gillian Ayres - Illyria, 2017, Gravure sur bois sur papier japonais Unryushi 75gsm, 36 1/5 × 40 9/10 pouces, 92 × 104 cm, photo avec l’aimable autorisation de la Alan Cristea Gallery, Londres

Couleur Gourmande

En plus de son amour pour les formes et les espaces, Ayres était une passionnée de la couleur. Elle a dit un jour : « Pour moi, la couleur dans l’art est merveilleusement indulgente. » Elle voulait que les gens s’abreuvent de ses peintures. Elle les considérait comme des festins pour les yeux. Elle disait : « Je ne vois pas pourquoi on ne devrait pas se remplir, se rendre heureux — se faire plaisir, festoyer sur la beauté. » Aussi anodine que cette opinion puisse paraître aujourd’hui, il fut un temps où elle suscita une profonde méfiance du public britannique. Cette méfiance culmina en 1957, lorsque, après avoir été incluse dans l’exposition Metavisual Tachiste Abstract - Painting in England Today, Ayres fut engagée pour peindre une fresque dans la salle à manger d’une école londonienne. Presque aussitôt après avoir terminé la fresque, les administrateurs de l’école ordonnèrent qu’elle soit recouverte de papier peint. Ce n’est que des décennies plus tard, après que Ayres fut devenue célèbre, que la fresque fut redécouverte en état presque parfait sous le papier peint.

Gillian Ayres - Thuban, 2017, Gravure sur bois sur papier Unryushi 75gsm, 18 4/5 × 22 4/5 pouces, 47,8 × 57,9 cm, photo avec l’aimable autorisation de la Alan Cristea Gallery, Londres

L’affection qu’Ayres portait à la couleur comme sujet est évidente tout au long de sa carrière. À mesure que ses compositions devinrent moins lyriques, moins gestuelles, et plus structurées et architectoniques avec le temps, son amour de la couleur ne fit que grandir. Dans les années 1980, elle développa une vision esthétique quelque peu fantaisiste et festive basée sur des couleurs vives et claires et des formes biomorphiques. Ces œuvres ultérieures semblent inspirées par la nature. Certains pensent que c’est parce qu’à cette époque de sa vie, Ayres s’installa avec sa famille dans une communauté rurale côtière au Pays de Galles. Elle a dit que les conditions là-bas, en particulier le paysage, eurent une grande influence sur elle. Cependant, elle insista toujours sur le fait que son travail n’était pas abstrait de la nature, ni réduit à partir d’images de la campagne. D’une certaine manière, les dernières peintures qu’Ayres réalisa rappellent les découpages de Matisse. Les deux artistes adoptèrent une palette de couleurs similaire tard dans leur carrière, et développèrent un sens similaire des relations spatiales. Sauf que, tandis que Matisse espérait fièrement évoquer les formes et les figures du monde naturel dans ses œuvres tardives, Ayres resta jusqu’à la fin convaincue que ses œuvres ne reposaient sur rien. Ce ne sont que des images de couleurs et de formes dans l’espace sans signification autre qu’elles-mêmes, offrant un plaisir pur aux spectateurs assez courageux pour se laisser aller à leur beauté.

Image en vedette : Gillian Ayres - Heligan 1, 2011, Gravure sur bois sur papier japonais Unryu-shi, 30 7/10 × 45 7/10 pouces, 78 × 116 cm, Édition de 18, photo avec l’aimable autorisation de la Alan Cristea Gallery, Londres

Par Phillip Barcio