Les animations fascinantes d'Oskar Fischinger

Cette année marque le 50e anniversaire de la mort d’Oskar Fischinger, un génie visionnaire qui s’est approché plus que tout autre artiste de l’expression des mystérieuses similitudes abstraites qui existent entre la musique et les images. À travers ses films d’animation, Fischinger a mis en relation les langages visuels des formes, des figures, des lignes et des couleurs avec le langage musical des notes, des rythmes, des harmonies et des dissonances. Grâce à son invention du Lumigraph, un appareil émettant de la lumière et manipulé à la main, à la manière d’un instrument de musique, il a démontré le potentiel de création de liens esthétiques et émotionnels par des compositions chromatiques dynamiques et improvisées jouées sur une machine. Et à travers ses peintures, il a transmis les plans conceptuels amplifiés dissimulés dans ses films en mouvement, en les figeant sur des surfaces simplifiées à deux dimensions. Parallèlement, tout au long de sa carrière, dans ses écrits et ses discours, il a exposé en détail ses intentions artistiques. « Je veux que cette œuvre réponde aux besoins spirituels et émotionnels de notre époque », écrivait-il en 1950. « Car il y a quelque chose que nous cherchons tous - quelque chose que nous poursuivons toute notre vie... en espérant... qu’un jour, peut-être, quelque chose se révélera, surgissant de l’inconnu, quelque chose qui révélera la Vraie Création : la Vérité créative ! »

Oskar Fischinger : un artiste né

Certains artistes le deviennent ; d’autres naissent ainsi. Oskar Fischinger n’a jamais étudié l’art à l’école. Né en 1900 en Hesse, en Allemagne, il fut, comme la plupart des membres de sa génération, enrôlé dans le service militaire à l’adolescence. Mais en raison de sa mauvaise condition physique, il ne fut pas contraint de combattre pour l’Allemagne pendant la guerre. Il prit plutôt un emploi dans une manufacture d’orgues. Cette première exposition aux mécanismes de la création musicale se révélerait déterminante pour Fischinger par la suite, notamment lorsqu’elle s’ajouta à la formation d’ingénieur qu’il put recevoir après la guerre, lorsque sa famille s’installa à Francfort. Ces expériences n’étaient peut-être pas typiques de celles d’une personne destinée à devenir un grand artiste, mais elles étaient créatives dans leur essence et, comme il s’avéra, parfaitement adaptées au destin qui attendait cet artiste singulier.

En 1921, Fischinger fit la connaissance du réalisateur allemand d’avant-garde Walter Ruttman. Ruttman était l’un des rares artistes à expérimenter le film comme médium abstrait, explorant les façons dont il pouvait interagir avec d’autres formes d’art. Fischinger fut inspiré par le travail de Ruttman et, grâce à ses connaissances mécaniques et techniques, il parvint à impressionner Ruttman à son tour. Il le fit grâce à l’invention d’un appareil d’animation mécanique : une « machine à trancher la cire ». Après avoir entendu parler de cet appareil, Ruttman fut si impressionné qu’il demanda à Fischinger les droits de l’utiliser. Fischinger concéda à Ruttman les droits sur sa machine, puis s’installa à Munich, où il eut accès à davantage d’équipements, ce qui lui permit de poursuivre ses propres expérimentations.

Oskar Fischinger - image fixe de Radio Dynamics, 1942, © Center for Visual Music

Les films

À Munich, Fischinger réalisa certains de ses premiers films. Plutôt que d’imiter le monde réel, ils étudiaient les autres façons dont la lumière et le son pouvaient interagir dans une œuvre cinématographique. En 1926, il écrivit l’un de ses essais fondateurs, intitulé Eine neue Kunst: Raumlichtmusik, ou Un nouvel art : la musique spatiale de la lumière. Bien qu’il ne semble jamais avoir été publié de son vivant, il est aujourd’hui conservé au Center for Visual Music de Los Angeles, qui possède et administre l’œuvre de Fischinger, notamment ses films et ses écrits. Les réflexions exprimées par Fischinger dans cet essai, ainsi que les accomplissements manifestes dans ses premiers films, l’inscrivent dans la même lignée philosophique que des artistes tels que Wassily Kandinsky, qui croyait fermement en la capacité des images non figuratives à communiquer spirituellement au même niveau abstrait que la musique. Mais en se concentrant sur le cinéma plutôt que sur la peinture, Fischinger fut capable de comprendre une différence essentielle entre la musique et les images : contrairement aux images statiques, la musique se déploie dans le temps.

Une seule note ne durant qu’un instant n’a pas le même effet émotionnel sur un auditeur qu’une symphonie jouée pendant une heure. Il en va de même pour les images. Une composition visuelle unique sur une peinture n’a pas le même effet émotionnel sur un spectateur qu’une composition visuelle qui se déploie au fil du temps dans une image animée. En appliquant ce raisonnement fondamental, Fischinger consacra les deux décennies suivantes à créer certains des films abstraits d’animation les plus novateurs jamais réalisés. Certains étaient accompagnés de musique et ont été qualifiés de premiers clips musicaux. Mais ils n’avaient rien à voir avec les clips musicaux tels que nous les connaissons aujourd’hui. Ils étaient accompagnés de musique uniquement pour tenter d’examiner les similitudes entre les façons dont les compositions visuelles et musicales communiquent abstraitement avec notre cerveau.

Oskar Fischinger - image fixe de Kreise, 1933-34, © Center for Visual Music

Composition in Blue

En 1935, alors qu’il vivait à Berlin, Oskar Fischinger réalisa ce que beaucoup considèrent comme son chef-d’œuvre : un film intitulé Composition in Blue. Tourné sur pellicule couleur 35 mm, ce court métrage d’animation est accompagné d’un air tiré de Les Joyeuses Commères de Windsor, un opéra du compositeur allemand Otto Nicolai, lui-même fondé sur la pièce homonyme de William Shakespeare. Tout au long du film, des formes abstraites aux couleurs éclatantes dansent en parfaite synchronisation avec la musique. L’arrière-plan semble passer de deux à trois dimensions et s’effondre fréquemment sur lui-même, se transformant en un spectacle visuel infini et fantaisiste.

Un aspect remarquable de Composition in Blue réside dans sa fabrication. Fischinger construisit à la main chacune de ces petites formes dansant à l’écran. Ce sont des modèles peints, déplacés avec une minutie extrême pendant le tournage, une image à la fois. Chaque image figée aurait pu, dans d’autres circonstances, constituer une peinture abstraite. Ou, s’il l’avait souhaité, chaque composition avant le tournage aurait pu être considérée comme une installation sculpturale. Mais Fischinger estimait que ce n’était qu’en mouvement, en se déployant au fil du temps, que ces images abstraites pouvaient atteindre le même impact que des compositions musicales ; c’est donc à cette fin qu’il orienta son travail.

Oskar Fischinger - image fixe de Composition in Blue, 1935, © Center for Visual Music

Les peintures

Composition in Blue reçut une reconnaissance internationale. En partie grâce à son succès, Fischinger put venir en Amérique en 1936, où il occupa divers postes à Hollywood pour Paramount, Walt Disney et d’autres studios. Mais il comprit rapidement le fossé qui existe entre les objectifs idéalistes des artistes et ceux des sociétés de production cinématographique commerciales. Incapable de trouver le soutien financier nécessaire pour continuer à réaliser ses œuvres d’animation purement artistiques, Fischinger fut finalement contraint d’abandonner le cinéma. À la fin des années 1940, il consacra plutôt une grande partie de son attention à son invention, le Lumigraph. Puis, ironiquement, il passa les 15 dernières années de sa vie comme peintre.

Les peintures créées par Fischinger sont remarquables par leur diversité. Comme ses premières animations, elles semblent contenir le langage visuel abstrait de tous les autres artistes abstraits du XXe siècle. Mais ces œuvres ne sont pas dérivées. Au contraire, la plupart de ces images avaient été initiées par Fischinger bien avant que des artistes comme Josef Albers, Bridget Riley, Morris Louis et Kenneth Noland ne les découvrent de leur côté. Et contrairement à ce que l’on pourrait attendre, loin de retirer quoi que ce soit à ses films, ses peintures renforcent ses réflexions sur la musique et les images, ainsi que sur les effets de leur expérience dans le temps. Chaque peinture est un moment capturé - un fragment isolé d’une expérience plus vaste. Les voir dans ses films nous entraîne dans un voyage. Les voir dans ses peintures nous permet de les apprécier en connaisseurs.

Oskar Fischinger - image fixe de Motion Painting no I, 1947, © Center for Visual Music

Le pire hommage de tous les temps

Oskar Fischinger était évidemment un pionnier ; il n’est donc pas surprenant que l’on souhaite souvent rendre hommage à sa personne et à ses accomplissements. Mais en juin dernier, à l’occasion de ce qui aurait été son 117e anniversaire, Google a « rendu hommage » à Fischinger avec un Doodle Google - l’une de ces distractions interactives que Google propose aux utilisateurs sur sa page de recherche. Le Doodle permettait aux visiteurs de modifier une composition musicale et visuelle en cliquant sur l’écran. Bien qu’amusant, c’était un hommage absurde à Fischinger. Fischinger déclara un jour, à propos de ses expériences à Hollywood : « Aucun artiste créatif sensé ne pourrait créer une œuvre d’art sensée si une équipe de collaborateurs de toutes sortes avait chacun son mot à dire dans la création finale... Ils modifient les idées, tuent les idées avant qu’elles ne naissent, empêchent les idées de naître et substituent aux motivations créatives absolues des idées bon marché adaptées au plus petit dénominateur commun. »

On ignore comment Google a pu penser qu’un programmeur grassement payé travaillant pour une usine commerciale pouvait rendre hommage à cet artiste en offrant littéralement à toute personne connectée à Internet « son mot à dire dans la création finale ». Quelque part, quelque chose se perd dans la traduction. Mais le reste de l’humanité rattrapera-t-il un jour Oskar Fischinger ? Peut-être. Il n’est pas difficile de comprendre ce que Fischinger voulait que nous fassions de son œuvre. Il voulait que nous l’utilisions pour nous nourrir spirituellement et émotionnellement. Peut-être que les meilleures façons de rendre hommage à son héritage ne consistent pas à créer de ridicules jeux de salon ni à réduire ses accomplissements à des phrases comme : « Waouh, il a fait tout ça sans ordinateur ?! » Nous devrions plutôt lui rendre sa juste place en tant qu’artiste, philosophe et poète, et tenter de comprendre la finalité plus profonde de son œuvre, qui nous invite à renouer avec les mystères cachés qui relient nos facultés sensorielles diverses et encore largement incomprises.

Google célèbre le 117e anniversaire d’Oskar Fischinger, © Google

Image à la une : Oskar Fischinger - image fixe de Allegretto, 1936-43, © Center for Visual Music

Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement

Par Phillip Barcio 2017

Édité par IdeelArt (2026)