Les animations fascinantes d'Oskar Fischinger

Cette année marque le 50e anniversaire de la mort de Oskar Fischinger, un génie précurseur qui s’est approché plus que tout autre artiste de l’expression des mystères abstraits communs à la musique et aux images. À travers ses films d’animation, Fischinger a mis en relation les langages visuels des formes, des figures, des lignes et des couleurs avec le langage musical des notes, des rythmes, des harmonies et des dissonances. Par son invention du Lumigraph, un appareil émettant de la lumière manipulé à la main comme un instrument de musique, il a démontré le potentiel de liens esthétiques et émotionnels créés par des compositions colorées improvisées et dynamiques jouées sur une machine. Et par ses peintures, il a transmis les plans conceptuels élevés cachés dans ses films en les figeant sur des surfaces simplifiées et bidimensionnelles. Parallèlement, tout au long de sa carrière, dans ses écrits et discours, il a exposé en détail ses intentions artistiques. « Je veux que cette œuvre réponde aux besoins spirituels et émotionnels de notre époque », écrivait-il en 1950. « Car il y a quelque chose que nous cherchons tous — quelque chose que nous tentons d’atteindre toute une vie... espérant... qu’un jour, peut-être, quelque chose sera révélé, surgissant de l’inconnu, quelque chose qui dévoilera la Vraie Création : la Vérité Créatrice ! »

Oskar Fischinger : Un Artiste Né

Certains artistes se forment ; d’autres naissent. Oskar Fischinger n’a jamais étudié l’art à l’école. Né en 1900 en Hesse, en Allemagne, il fut, comme la plupart des membres de sa génération, appelé sous les drapeaux à l’adolescence. Mais en raison de sa mauvaise condition physique, il ne fut pas contraint de combattre pour l’Allemagne pendant la guerre. Il prit plutôt un emploi dans une usine d’orgues. Cette première exposition aux mécanismes de la création musicale s’avéra décisive pour Fischinger plus tard, surtout lorsqu’elle fut complétée par la formation en ingénierie qu’il put recevoir après la guerre, lorsque sa famille déménagea à Francfort. Peut-être ces expériences n’étaient-elles pas typiques de quelqu’un destiné à devenir un grand artiste, mais elles étaient créatives dans leur essence, et il s’avéra qu’elles étaient parfaites pour le destin qui attendait cet artiste en particulier.

En 1921, Fischinger fit la connaissance du réalisateur allemand avant-gardiste Walter Ruttman. Ruttman faisait partie d’un petit groupe d’artistes expérimentant le film comme un médium abstrait, explorant les manières dont il pouvait interagir avec d’autres formes d’art. Fischinger fut inspiré par le travail de Ruttman, et grâce à ses connaissances mécaniques et en ingénierie, il réussit à impressionner Ruttman en retour. Il le fit par l’invention d’un appareil d’animation mécanique : une « machine à trancher la cire ». Après avoir entendu parler de cet appareil, Ruttman fut si impressionné qu’il demanda à Fischinger les droits d’utilisation. Fischinger lui concéda une licence pour sa machine, puis déménagea à Munich, où il eut accès à plus d’équipements, ce qui lui permit de poursuivre ses expérimentations en solo.

Oskar Fischinger - image fixe de Radio Dynamics, 1942, © Center for Visual Music

Les Films

À Munich, Fischinger réalisa certains de ses premiers films. Plutôt que d’imiter le monde réaliste, ils étudiaient d’autres façons dont la lumière et le son pouvaient interagir dans un film. En 1926, il écrivit un de ses essais fondamentaux, intitulé Eine neue Kunst: Raumlichtmusik, ou Un Nouvel Art : Musique de Lumière Spatiale. Bien qu’il semble ne jamais avoir été publié de son vivant, il est désormais conservé au Centre pour la Musique Visuelle à Los Angeles, qui possède et gère l’œuvre de Fischinger, y compris ses films et ses écrits. Les idées exprimées dans cet essai, ainsi que les réalisations visibles dans ses premiers films, placent Fischinger dans la lignée philosophique d’artistes tels que Wassily Kandinsky, qui croyaient fermement en la capacité des images non figuratives à communiquer spirituellement au même niveau abstrait que la musique. Mais en se concentrant sur les films plutôt que sur la peinture, Fischinger comprit une différence essentielle entre la musique et les images : la musique, contrairement à l’image statique, se déroule dans le temps.

Une seule note ne durant qu’un instant n’a pas le même effet émotionnel sur l’auditeur qu’une symphonie jouée pendant une heure. Il en va de même pour les images. Une composition visuelle unique sur une peinture n’a pas le même effet émotionnel sur le spectateur qu’une composition visuelle qui se déploie dans le temps dans un film. En appliquant ce raisonnement de base, Fischinger passa les deux décennies suivantes à créer certains des films d’animation abstraits les plus novateurs jamais réalisés. Certains étaient accompagnés de musique, et ont été qualifiés de premiers vidéoclips. Mais ils n’avaient rien à voir avec les vidéoclips tels que nous les connaissons aujourd’hui. Ils étaient mis en musique uniquement dans le but d’examiner les similitudes dans les façons dont les compositions visuelles et musicales communiquent de manière abstraite à notre cerveau.

Oskar Fischinger - image fixe de Kreise, 1933-34, © Center for Visual Music

Composition en Bleu

En 1935, alors qu’il vivait à Berlin, Oskar Fischinger réalisa ce que beaucoup considèrent comme son œuvre maîtresse : un film intitulé Composition en Bleu. Tourné en couleur sur pellicule 35 mm, ce court métrage d’animation est accompagné d’un air tiré de Les Joyeuses Commères de Windsor, un opéra du compositeur allemand Otto Nicolai, basé sur la pièce du même nom de William Shakespeare. Tout au long du film, des formes abstraites vivement colorées dansent en parfaite synchronisation avec la musique. L’arrière-plan semble passer de deux à trois dimensions, et s’effondre fréquemment sur lui-même, se transformant en un enchantement visuel sans fin et fantaisiste.

Un aspect remarquable de Composition en Bleu est sa réalisation. Fischinger construisit à la main chacune de ces petites formes dansantes du film. Ce sont des modèles peints, déplacés avec soin au fur et à mesure du tournage, image par image. Chaque image figée pourrait, dans d’autres circonstances, constituer une peinture abstraite. Ou, s’il l’avait souhaité, chaque composition avant d’être filmée aurait pu être considérée comme une installation sculpturale. Mais c’est seulement en mouvement, se déroulant dans le temps, que Fischinger croyait que ces images abstraites pouvaient atteindre le même impact que les compositions musicales, et c’est dans ce but qu’il dirigea son œuvre.

Oskar Fischinger - image fixe de Composition en Bleu, 1935, © Center for Visual Music

Les Peintures

Composition en Bleu obtint une reconnaissance internationale. En partie grâce à ce succès, Fischinger put venir en Amérique en 1936, où il occupa divers postes à Hollywood, travaillant pour Paramount, Walt Disney et d’autres studios. Mais il apprit vite le fossé qui existe entre les objectifs idéalistes des artistes et ceux des sociétés commerciales de production cinématographique. Incapable de trouver le soutien financier pour continuer à réaliser ses œuvres d’animation purement artistiques, Fischinger fut finalement contraint d’abandonner le cinéma. Il concentra alors une grande partie de son attention à la fin des années 1940 sur son invention, le Lumigraph. Et ironiquement, il passa les 15 dernières années de sa vie en tant que peintre.

Les peintures que Fischinger créa sont remarquables par leur variété. Comme ses premières animations, elles semblent contenir le langage visuel abstrait de tous les autres artistes abstraits du XXe siècle. Mais ce ne sont pas des œuvres dérivées. Au contraire, la plupart de ces images furent initiées par Fischinger bien avant que des artistes comme Josef Albers, Bridget Riley, Morris Louis et Kenneth Noland ne les découvrent par eux-mêmes. Et contrairement aux attentes, plutôt que de diminuer la valeur de ses films, ses peintures renforcent ses idées sur la musique et les images et les effets de leur expérience dans le temps. Chaque peinture est un instant capturé — un fragment isolé d’une expérience plus vaste. Les voir dans ses films nous emmène en voyage. Les voir dans ses peintures nous permet de les apprécier comme des connaisseurs.

Oskar Fischinger - image fixe de Peinture en Mouvement no I, 1947, © Center for Visual Music

Le Pire Hommage Jamais Rendu

Oskar Fischinger fut évidemment un pionnier, il n’est donc pas surprenant que l’on veuille souvent lui rendre hommage et à ses accomplissements. Mais en juin dernier, à l’occasion de ce qui aurait été son 117e anniversaire, Google a « rendu hommage » à Fischinger avec un Google Doodle — l’une de ces distractions interactives que Google propose aux utilisateurs sur sa page de recherche. Le doodle offrait aux visiteurs la possibilité de modifier une composition musico-visuelle en cliquant sur l’écran. Bien que divertissant, ce fut un hommage absurde à Fischinger. Fischinger disait un jour à propos de ses expériences à Hollywood : « Aucun artiste créatif sensé ne pourrait créer une œuvre d’art sensée si une équipe de collaborateurs de toutes sortes a chacun son mot à dire dans la création finale... Ils changent les idées, tuent les idées avant qu’elles ne naissent, empêchent les idées de naître, et substituent aux motifs créatifs absolus de simples idées bon marché pour plaire au plus petit dénominateur commun. »

Comment Google a-t-il pu penser qu’un programmeur très bien payé travaillant pour une usine commerciale pouvait rendre hommage à cet artiste en offrant littéralement à tous ceux qui ont une connexion Internet un « mot à dire dans la création finale » reste un mystère. Quelque part, quelque chose se perd dans la traduction. Mais le reste de l’humanité rattrapera-t-il un jour Oskar Fischinger ? Peut-être. Il n’est pas difficile de comprendre ce que Fischinger voulait que nous fassions de son œuvre. Il voulait que nous l’utilisions pour notre soutien spirituel et émotionnel. Peut-être que la meilleure façon de rendre hommage à son héritage n’est pas de créer des jeux de salon ridicules, ni de réduire ses accomplissements à des phrases comme « Wow, il a fait tout ça sans ordinateur ?! » Au contraire, peut-être devrions-nous lui rendre justice en tant qu’artiste, philosophe et poète, et essayer de comprendre le but profond de son œuvre, qui nous appelle à renouer avec les mystères cachés qui lient nos pouvoirs sensoriels variés et encore fort mal compris.

Google célébrant le 117e anniversaire d’Oskar Fischinger, © Google

Image en vedette : Oskar Fischinger - image fixe d’Allegretto, 1936-43, © Center for Visual Music

Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement

Par Phillip Barcio