Les animations fascinantes d'Oskar Fischinger

Cette année marque le 50e anniversaire de la mort de Oskar Fischinger, un génie prémonitoire qui s'est rapproché plus que tout autre artiste de l'expression des mystères et des abstractions communes qui existent entre la musique et les images. À travers ses films d'animation, Fischinger a corrélé les langages visuels des formes, des lignes et des couleurs avec le langage musical des notes, des rythmes, des harmonies et des dissonances. Grâce à son invention du Lumigraph, un dispositif émetteur de lumière manipulé à la main de manière similaire à un instrument de musique, il a démontré le potentiel de créer des liens esthétiques et émotionnels par des compositions de couleurs dynamiques et improvisées jouées sur une machine. Et à travers ses peintures, il a transmis les plans conceptuels élevés cachés dans ses films en les figeant sur des surfaces simplifiées et bidimensionnelles. Pendant ce temps, tout au long de sa carrière, dans ses écrits et ses discours, il a clairement exposé ses intentions artistiques. “Je veux que ce travail réponde aux besoins spirituels et émotionnels de notre époque”, a-t-il écrit en 1950. “Car il y a quelque chose que nous recherchons tous—quelque chose pour lequel nous essayons toute une vie... espérant... un jour, peut-être, quelque chose sera révélé, émergeant de l'inconnu, quelque chose qui révélera la Véritable Création : la Vérité Créative !.”

Oskar Fischinger : un artiste né

Certains artistes sont faits ; d'autres naissent. Oskar Fischinger n’a jamais étudié l’art à l’école. Né en 1900 à Hesse, en Allemagne, il a été, comme la plupart des membres de sa génération, enrôlé dans le service militaire alors qu'il était adolescent. Mais en raison de sa mauvaise condition physique, il n'a pas été obligé de se battre pour l'Allemagne pendant la guerre. Au lieu de cela, il a accepté un emploi dans une fabrique d’orgues. Cette exposition précoce aux mécanismes de la création musicale s'avérera plus tard fatidique pour Fischinger, surtout si elle s'ajoute à la formation d'ingénieur qu'il a pu recevoir après la guerre, lorsque sa famille a déménagé à Francfort. Ces expériences n'étaient peut-être pas typiques de quelqu'un destiné à devenir un grand artiste, mais elles étaient créatives dans leur essence et il s'avère qu'elles étaient parfaites pour le destin qui attendait cet artiste en particulier.

En 1921, Fischinger fait la connaissance du réalisateur allemand d'avant-garde Walter Ruttman. Ruttman était l'un des rares artistes à expérimenter le cinéma comme médium abstrait, explorant les façons dont il pourrait interagir avec d'autres formes d'art. Fischinger a été inspiré par le travail de Ruttman et, grâce à ses connaissances en mécanique et en ingénierie, il a réussi à trouver un moyen d'impressionner Ruttman en retour. Il l’a fait grâce à l’invention d’un dispositif d’animation mécanique : une « machine à trancher la cire ». Après avoir entendu parler de l'appareil, Ruttman a été tellement impressionné qu'il a demandé à Fischinger les droits d'utilisation. Fischinger a concédé les droits de sa machine à Ruttman et a ensuite déménagé à Munich, où il a eu accès à davantage d'équipements, ce qui lui a permis d'expérimenter davantage par lui-même.

Oskar Fischinger - image tirée de Radio Dynamics, 1942, © Center for Visual Music

Les films

Alors qu'il était à Munich, Fischinger a réalisé certains de ses premiers films. Plutôt que de mimer le monde réaliste, ils ont étudié les autres façons dont la lumière et le son pouvaient interagir dans un film. En 1926, il a écrit l'un de ses essais fondamentaux, intitulé Eine neue Kunst: Raumlichtmusik, ou A New Art: Spatial Light Music. Bien qu'il semble n'avoir jamais été publié de son vivant, il est maintenant archivé au Center for Visual Music à Los Angeles, qui possède et gère l'œuvre de Fischinger, y compris ses films et ses papiers. Les pensées exprimées par Fischinger dans cet essai, ainsi que les réalisations évidentes dans ses premiers films, placent Fischinger en compagnie philosophique d'artistes tels que Wassily Kandinsky, qui croyaient fermement en la capacité des images non objectives à communiquer spirituellement au même niveau abstrait que la musique. Mais en se concentrant sur les films plutôt que sur la peinture, Fischinger a pu comprendre une différence essentielle entre la musique et les images : que la musique, contrairement aux images statiques, se déroule dans le temps.

Une seule note ne durant qu’un instant n’a pas le même effet émotionnel sur un auditeur qu’une symphonie jouée pendant une heure. Et c’est la même chose pour les images. Une seule composition visuelle sur un tableau n’a pas le même effet émotionnel sur le spectateur qu’une composition visuelle qui se déroule au fil du temps dans une image animée. En appliquant ce processus de réflexion de base, Fischinger a passé les deux décennies suivantes à créer certains des films d’animation abstraits les plus révolutionnaires jamais réalisés. Certains ont été mis en musique et ont été appelés les premiers vidéoclips. Mais ils n’avaient rien à voir avec les vidéoclips tels que nous les connaissons aujourd’hui. Ils ont été mis en musique uniquement dans le but d'examiner les similitudes dans la manière dont les compositions visuelles et les compositions musicales communiquent abstraitement avec notre cerveau.

Oskar Fischinger - image fixe de Kreise, 1933-34, © Center for Visual Music

Composition en bleu

En 1935, alors qu'il vivait à Berlin, Oskar Fischinger réalise ce que beaucoup considèrent comme son œuvre magnum : un film intitulé Composition in Blue. Tourné sur film couleur 35 mm, le court métrage d'animation est sur un air de Les Joyeuses Commères de Windsor, un opéra de l'allemand compositeur Otto Nicolai, d'après la pièce du même nom de William Shakespeare. Tout au long du film, des formes abstraites aux couleurs vives dansent en parfaite synchronisation avec la musique. L’arrière-plan semble passer de deux à trois dimensions et s’effondre fréquemment sur lui-même, se transformant en un délice visuel sans fin et fantaisiste.

Un aspect remarquable de Composition in Blue est la manière dont elle a été réalisée. Fischinger a construit à la main chacune de ces petites formes dansant dans le film. Ce sont des modèles peints, minutieusement déplacés au fur et à mesure du tournage du film, image après image. Chaque image figée pourrait, dans des circonstances différentes, constituer une peinture abstraite. Ou bien, s'il l'avait souhaité, chaque composition avant d'être filmée aurait pu être considérée comme une installation sculpturale. Mais c'est seulement dans le mouvement, se déroulant au fil du temps, que Fischinger pensait que ces images abstraites pouvaient avoir le même impact que les compositions musicales, c'est donc dans ce but qu'il a orienté son œuvre.

Oskar Fischinger - image tirée de Composition in Blue, 1935, © Center for Visual Music

Les Peintures

Composition in Blue a acquis une reconnaissance internationale. En partie grâce à son succès, Fischinger a pu venir en Amérique en 1936, où il a occupé divers postes à Hollywood, travaillant pour Paramount, Walt Disney et d'autres studios. Mais il a vite compris le gouffre qui existe entre les objectifs idéalistes des artistes et ceux des sociétés de production cinématographique commerciale. Incapable de trouver le soutien financier nécessaire pour continuer à réaliser son travail d'animation purement artistique, Fischinger fut finalement contraint d'abandonner le cinéma. À la fin des années 1940, il a plutôt concentré une grande partie de son attention sur son invention, le Lumigraph. Et puis, ironiquement, il a passé les 15 dernières années de sa vie comme peintre.

Les peintures créées par Fischinger sont remarquables par leur variété. Comme ses animations précédentes, elles semblent contenir le langage visuel abstrait de tous les autres artistes abstraits du 20e siècle. Mais ce ne sont pas des œuvres dérivées. Au contraire, la plupart de ces images ont été initiées par Fischinger bien avant que des artistes comme Josef Albers, Bridget Riley, Morris Louis et Kenneth Noland n'y arrivent par eux-mêmes. Et contrairement aux attentes, plutôt que d’enlever quoi que ce soit à ses films, ses peintures ajoutent de la puissance à ses idées sur la musique et les images et sur les effets de leur expérience dans le temps. Chaque tableau est un moment capturé, un fragment isolé d'une expérience plus vaste. Les voir dans ses films nous fait voyager. Les voir dans ses tableaux nous permet de les apprécier comme des connaisseurs.

Oskar Fischinger - image tirée de Motion Painting no I, 1947, © Center for Visual Music

Le pire hommage de tous les temps

Oskar Fischinger était évidemment un pionnier, il n'est donc pas surprenant que les gens veuillent souvent lui rendre hommage et célébrer ses réalisations. Mais en juin dernier, à ce qui aurait été son 117e anniversaire, Google a "rendu hommage" à Fischinger avec un Doodle Google—l'une de ces distractions interactives que Google propose aux utilisateurs sur sa page de recherche. Le doodle a donné aux visiteurs la chance de modifier une composition musical-visuelle en cliquant sur l'écran. Bien que divertissant, c'était un hommage absurde à Fischinger. Fischinger a dit un jour en référence à ses expériences à Hollywood : "Aucun artiste créatif sensé ne pourrait créer une œuvre d'art sensée si une équipe de collaborateurs de toutes sortes a chacun son mot à dire dans la création finale... Ils changent les idées, tuent les idées avant qu'elles ne naissent, empêchent les idées de naître, et substituent aux véritables motifs créatifs seulement des idées bon marché pour s'adapter au dénominateur commun le plus bas."

On ne sait pas comment Google a pensé qu'un programmeur hautement rémunéré travaillant pour une usine commerciale pourrait rendre hommage à cet artiste en offrant littéralement à toute personne disposant d'une connexion Internet la possibilité de « dire son mot à dire sur la création finale ». Quelque part, quelque chose se perd dans la traduction. Mais le reste de l’humanité rattrapera-t-il un jour Oskar Fischinger ? Peut-être. Il n’est pas difficile de comprendre ce que Fischinger voulait que nous fassions avec son œuvre. Il avait l’intention que nous l’utilisions à des fins de subsistance spirituelle et émotionnelle. Peut-être que la meilleure façon pour nous de rendre hommage à son héritage n'est pas de créer des jeux de société idiots ou de réduire ses réalisations à des déclarations telles que : "Wow, il a fait tout cela sans ordinateur ?! » Au lieu de cela. peut-être devrions-nous lui rendre hommage en tant qu'artiste, philosophe et poète et essayer de comprendre le but profond de son œuvre, qui nous appelle à renouer avec les mystères cachés qui lient nos pouvoirs sensoriels variés et encore assez incompris.

Google célèbre le 117e anniversaire d'Oskar Fischinger, © Google

Image en vedette : Oskar Fischinger - image tirée d'Allegretto, 1936-43, © Center for Visual Music

Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement

Par Phillip Barcio