Les peintures d'Helen Frankenthaler célébrées dans deux rétrospectives
Les peintures de Helen Frankenthaler sont fréquemment exposées dans plusieurs des meilleurs musées du monde, ainsi que dans de nombreuses foires et ventes aux enchères prestigieuses d’art moderne et contemporain. Mais bien moins de personnes ont eu l’occasion de se trouver en présence d’une xylographie de Helen Frankenthaler. Il n’est peut-être pas si surprenant que ses xylographies soient moins appréciées que ses peintures. Frankenthaler s’est d’abord fait un nom en tant que peintre, et ses réalisations dans ce domaine continuent aujourd’hui encore d’être considérées comme radicales. Elle a peint l’une de ses œuvres les plus célèbres alors qu’elle n’avait que 24 ans. Et bien qu’elle ait commencé à expérimenter la gravure dans la trentaine, elle n’a commencé à réaliser des xylographies qu’à la mi-quarantaine. Mais grâce à une double exposition de Frankenthaler qui a ouvert simultanément plus tôt ce mois-ci au Clark Art Institute à Williamstown, Massachusetts, les admirateurs de cette artiste extraordinaire ont désormais une rare opportunité de découvrir certains des meilleurs exemples disponibles des deux facettes de son œuvre. L’exposition Comme dans la nature présente douze grandes peintures de Helen Frankenthaler, retraçant sa carrière depuis ses débuts, avant qu’elle n’invente sa technique révolutionnaire du « soak-stain », jusqu’aux œuvres plus picturales et expérimentales qu’elle a réalisées dans les années 1990. Parallèlement, dans une galerie distincte du Clark, l’exposition Pas de règles propose une sélection de douze xylographies de Helen Frankenthaler. Ensemble, ces deux expositions offrent un rare aperçu de la diversité des talents qui ont permis à Frankenthaler de devenir l’une des artistes les plus influentes du siècle passé.
Comme dans la nature : Peintures de Helen Frankenthaler
La légende veut que Helen Frankenthaler ait inventé la technique qui l’a rendue célèbre en 1952. Connue sous le nom de technique du « soak-stain », elle consistait à travailler à plat sur le sol et à appliquer une peinture diluée au white spirit directement sur une toile non apprêtée. La peinture s’infusait ainsi dans les fibres de la toile, transformant l’image et la surface en une seule entité. La première peinture qu’elle a réalisée avec cette technique s’intitule Mountains and Sea. Selon le récit de Frankenthaler, elle venait de revenir d’un voyage en Nouvelle-Écosse. Elle disait qu’elle portait en elle les magnifiques paysages de cet endroit dans ses souvenirs et qu’elle les tenait aussi dans ses bras. Elle voulait les peindre, mais sans se contenter de copier leurs images. Elle souhaitait plutôt communiquer leur essence, leur esprit, par des moyens abstraits. À propos de ce qu’elle espérait accomplir, Frankenthaler disait : « Je pense que, au lieu de la nature ou de l’image, il s’agit de l’esprit ou de la sensation qui peut être transmise par une sorte de projection abstraite. »
En posant sa toile à même le sol, elle a trouvé un moyen de s’engager physiquement dans son travail, de sorte que les images qu’elle portait dans ses bras pouvaient surgir directement, comme la sueur qui coule d’un paysan travaillant un champ. En diluant ses peintures, elle a pu obtenir la même transparence avec les huiles et les acryliques que celle que l’on obtenait auparavant uniquement avec les aquarelles. Cette transparence offrait un moyen de communiquer l’éphémère des paysages qu’elle n’avait désormais plus qu’en mémoire. En n’apprêtant pas sa toile, elle laissait la peinture tracer sa propre trajectoire, guidée par ses suggestions et manipulations, mais pas entièrement déterminée par elles. C’était une approche révolutionnaire. Elle a rapidement été adoptée par d’autres peintres, et saluée par les critiques comme un changement radical, qui depuis a été largement discuté en termes assez académiques. Mais les racines de cette technique n’étaient pas académiques. Elles n’avaient rien à voir avec les modes ou l’histoire de l’art. Elles étaient simplement intuitives.
Helen Frankenthaler - Mountains and Sea, 1952, Huile et fusain sur toile non apprêtée, 219,4 × 298 cm
La sensation plutôt que l’explication
La sélection d’œuvres présentée dans Comme dans la nature témoigne du fait que Frankenthaler était bien moins une académicienne cherchant à faire avancer la peinture dans l’histoire, et bien plus une artiste contemplative : quelqu’un en quête de quelque chose, qui semait, plantait, travaillait et espérait. Un exemple parfait est la peinture Milkwood Arcade, une composition saisissante et décalée de formes figées dans une métamorphose entre harmonie et désordre. Comme tant de ses œuvres, ce tableau invite simplement à être regardé profondément, non pas pour qu’une explication soit inventée, mais pour qu’une sensation soit ressentie.
Et au cas où subsisterait un doute que Frankenthaler privilégiait les sentiments plutôt que l’académisme, Comme dans la nature le dissipe en incluant tant de peintures d’une échelle aussi immense. L’exemple principal est sans doute le monumental Off White Square. Mesurant plus de deux mètres de haut et six mètres et demi de long, il s’agit plus d’un environnement que d’une image. Se tenant au milieu, la couleur se transforme en émotion. Dans les espaces où les couches de peinture se sont absorbées les unes dans les autres, s’ouvre un sentiment primordial de possibilité. Cela prouve de manière définitive que, bien que sa technique la plus connue ait été révolutionnaire, pour Frankenthaler ce n’était qu’un moyen pour la projection abstraite de l’esprit et de la sensation de la nature.
Helen Frankenthaler - Milkwood Arcade, 1963, Acrylique sur toile, 219,7 x 205,1 cm
Pas de règles : Xylographies de Helen Frankenthaler
Pas de règles, l’exposition simultanée des xylographies de Helen Frankenthaler, tire son nom de ce qui est peut-être la citation la plus célèbre de Helen Frankenthaler : « Il n’y a pas de règles... c’est ainsi que l’art naît, c’est ainsi que les percées se produisent. Aller à l’encontre des règles ou les ignorer, c’est cela l’invention. » C’est précisément cet esprit d’invention qui a conduit Frankenthaler à réinventer complètement l’art de la gravure sur bois afin d’atteindre les qualités esthétiques spécifiques qu’elle recherchait. Traditionnellement, les gravures sur bois se caractérisent par des lignes blanches et des formes aux contours nets. Mais Frankenthaler voulait obtenir une douceur dans ses gravures sur bois qui puisse transmettre la même beauté éthérée qu’elle tirait de ses peintures. Pour atteindre ses objectifs, elle a créé un procédé individualisé, long et complexe. Les résultats furent spectaculaires, et sont pleinement visibles dans cette exposition.
Pas de règles commence avec East and Beyond, la première gravure sur bois achevée par Frankenthaler. Les formes sensuelles se fondent les unes dans les autres de manière douce et organique. Les couleurs riches et vibrantes semblent presque peintes. Elle ne ressemble en rien à aucune gravure sur bois antérieure. Ensuite, on peut voir une sélection de gravures sur bois sur lesquelles Frankenthaler a collaboré avec deux maîtres japonais de cet art, le sculpteur sur bois Reizo Monjyu et l’imprimeur Tadashi Toda. Travaillant avec eux sur des techniques traditionnelles, Frankenthaler a adopté l’idée de laisser apparaître le grain du bois dans l’impression finale. Puis l’exposition offre un aperçu des papiers manipulés que Frankenthaler a expérimentés dans les années 1990 dans des gravures telles que Freefall et Radius. Enfin, l’exposition se conclut avec certaines des dernières et meilleures gravures sur bois réalisées par Frankenthaler, dont le monumental Madame Butterfly, un triptyque de gravure sur bois de deux mètres de long, comportant cent deux couleurs, réalisé à partir de 46 blocs de bois distincts et imprimé sur papier fait main.
Helen Frankenthaler - Madame Butterfly, 2000, Gravure sur bois à cent deux couleurs à partir de 46 blocs de bois, 106 x 201,9 cm
Se souvenir d’une légende
Cela fait presque six ans que Helen Frankenthaler est décédée. Bien qu’elle ait été l’une des artistes américaines les plus influentes du siècle passé, son héritage est, ironiquement, souvent diminué par la percée même qui a lancé sa carrière. En 1952, l’année où elle a réalisé sa première peinture « soak-stain », les diverses forces qui conspirent pour créer des tendances et faire des vedettes dans le monde de l’art américain cherchaient également la prochaine grande nouveauté. Les artistes expressionnistes abstraits comme Jackson Pollock avaient bénéficié d’une attention quasi décennale pour leur approche agressive, en empâtement, empreinte d’angoisse. La nature sublime, aplatie et contemplative de peintures comme Mountains and Sea positionnait Frankenthaler comme le contrepoids parfait. Mais cette seule réussite n’était véritablement que le début d’une carrière qui a connu de nombreuses évolutions, grandes et petites, et produit une œuvre qui mérite bien plus d’attention que celle qu’elle a reçue jusqu’à présent.
En organisant ces deux expositions simultanées, Comme dans la nature et Pas de règles, le Clark a fait un pas élégant vers l’élargissement de la légende de Helen Frankenthaler. Pour commencer, ces deux expositions présentent des œuvres provenant de deux collections principalement privées — celle de la Fondation William Louis-Dreyfus et celle de la Fondation Helen Frankenthaler — de sorte que la plupart des œuvres n’ont jamais été exposées publiquement ensemble auparavant. Ensuite, en sélectionnant des œuvres de si grande envergure, ces expositions mettent en lumière l’ampleur du travail physique nécessaire à leur création, un aspect qui se perd si souvent lorsqu’on regarde une seule peinture dans un musée, et encore plus lorsqu’on regarde des images en ligne. Enfin, ces expositions ouvrent la porte à de futures rétrospectives qui pourraient finalement aider à contextualiser Helen Frankenthaler comme l’artiste prolifique et multifacette qu’elle fut. Comme dans la nature : Peintures de Helen Frankenthaler est visible au Clark Art Institute jusqu’au 9 octobre 2017, et Pas de règles : Xylographies de Helen Frankenthaler est visible dans une aile séparée du même bâtiment jusqu’au 24 septembre 2017. L’entrée coûte 20 $, ou est gratuite pour les membres, les étudiants munis d’une carte d’identité valide, les enfants de moins de 18 ans, ainsi que pour les membres du programme de prêt de la bibliothèque du Clark.
Helen Frankenthaler - Interior Landscape, 1964, Acrylique sur toile, 266 x 236 cm, San Francisco Museum of Modern Art
Image en vedette : Helen Frankenthaler -
Toutes les photos © 2017 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York, New York
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio
