Les peintures d'Helen Frankenthaler célébrées dans deux rétrospectives
Les peintures d'Helen Frankenthaler sont courantes dans nombre des meilleurs musées du monde, ainsi que dans de nombreuses foires et ventes aux enchères prestigieuses d'art moderne et contemporain. Mais beaucoup moins de personnes ont eu la chance de se trouver en présence d’une gravure sur bois d’Helen Frankenthaler. Il n’est peut-être pas si surprenant que ses gravures sur bois soient moins appréciées que ses peintures. Frankenthaler s'est d'abord fait connaître en tant que peintre, et ses réalisations dans ce domaine continuent de se démarquer aujourd'hui comme étant radicales. Elle a peint l’un de ses tableaux les plus célèbres alors qu’elle n’avait que 24 ans. Et même si elle a commencé à expérimenter la gravure dans la trentaine, elle n’a commencé à réaliser des gravures sur bois qu’au milieu de la quarantaine. Mais grâce à deux expositions Frankenthaler ouvertes simultanément au début du mois au Clark Art Institute de Williamstown, dans le Massachusetts, les fans de cette artiste extraordinaire ont désormais une rare opportunité de découvrir certains des plus beaux exemples disponibles des deux aspects de son œuvre. L'exposition Comme dans la nature présente douze peintures à grande échelle d'Helen Frankenthaler, retraçant sa carrière depuis ses débuts, avant qu'elle n'invente sa percée. technique du «soak-stain», jusqu'aux œuvres plus picturales et expérimentales qu'elle a réalisées dans les années 1990. Simultanément, dans une galerie séparée du Clark, l'exposition No Rules présente une sélection de douze gravures sur bois d'Helen Frankenthaler. Ensemble, les deux expositions offrent un rare aperçu de la diversité des capacités qui ont conduit Frankenthaler à devenir l'un des artistes les plus influents du siècle dernier.
Comme dans la nature : peintures d'Helen Frankenthaler
La légende dit que Helen Frankenthaler a inventé la technique qui l'a rendue célèbre en 1952. Connue sous le nom de technique « soak-stain », elle consistait à travailler horizontalement sur le sol et à appliquer de la peinture diluée avec de la térébenthine directement sur une toile non apprêtée. La peinture s'infusait ainsi dans les fibres de la toile, transformant l'image et la surface en une seule entité. La première peinture qu'elle est connue avoir réalisée avec cette technique s'appelle Mountains and Sea. L'histoire que Frankenthaler a racontée sur sa création était qu'elle venait de revenir d'un voyage en Nouvelle-Écosse. Elle a dit qu'elle avait ramené avec elle les magnifiques paysages de cet endroit dans ses souvenirs et qu'elle avait aussi l'impression de les porter dans ses bras. Elle voulait les peindre, mais n'était pas intéressée par le simple fait de copier leurs images. Au contraire, elle voulait communiquer leur essence, leur esprit, par des moyens abstraits. À propos de ce qu'elle espérait accomplir, Frankenthaler a déclaré : « Je pense que, au lieu de la nature ou de l'image, cela a à voir avec l'esprit ou la sensation qui peut être reliée par une sorte de projection abstraite ».
En posant sa toile sur le sol, elle a trouvé un moyen de s'impliquer physiquement dans l'œuvre, de sorte que les images qu'elle portait dans ses bras puissent surgir directement comme la sueur coulant d'un agriculteur travaillant dans un champ. En diluant ses peintures, elle a pu obtenir avec les huiles et les acryliques la même translucidité que celle obtenue auparavant uniquement avec l'aquarelle. Cette translucidité offrait un moyen de communiquer l’éphémère des paysages qu’elle n’avait plus que dans sa mémoire. En n'apprêtant pas sa toile, elle a permis à la peinture de déterminer sa propre trajectoire, guidée par ses suggestions et manipulations mais pas entièrement déterminée par elles. C'était une approche révolutionnaire. Il a été rapidement adopté par d’autres peintres et a été salué par la critique comme un changement radical, qui a depuis été largement discuté en termes assez académiques. Mais les racines de cette technique ne se trouvaient pas dans le milieu universitaire. Ils n’avaient rien à voir avec les tendances ou l’histoire de l’art. Ils étaient simplement intuitifs.
Helen Frankenthaler - Montagnes et mer, 1952, huile et fusain sur toile non apprêtée, 86 3/8 × 117 1/4 po
La sensation plutôt que l'explication
La sélection d'œuvres exposées dans As in Nature témoigne du fait que Frankenthaler était bien moins un académicien essayant de faire avancer la peinture dans l'histoire, qu'un artiste contemplatif : quelqu'un qui était à la recherche de quelque chose, qui semait, plantait, travaillait et espérait. Un parfait exemple en est les peintures Milkwood Arcade, une composition étonnante et décalée de formes figées dans une métamorphose entre harmonie et désarroi. Comme tant de ses œuvres, ce tableau demande simplement à être regardé en profondeur, non pas pour trouver une explication, mais pour qu'une sensation puisse être ressentie.
Et juste au cas où il subsisterait un doute sur le fait que Frankenthaler était plus une question de sentiments que d'universitaires, As in Nature l'élimine en incluant autant de peintures d'une telle ampleur. Le meilleur exemple doit être le monumental Off White Square. Mesurant plus de deux mètres de haut et six mètres et demi de long, il s’agit plus d’un environnement que d’une image. Au milieu d’elle, la couleur se transforme en émotion. Dans les espaces où les couches de peinture se sont absorbées les unes dans les autres, un sentiment primordial de possibilité s'ouvre. Cela prouve définitivement que, même si sa technique la plus connue était révolutionnaire, pour Frankenthaler, elle n'était qu'un moyen de projection abstraite de l'esprit et de la sensation de la nature.
Helen Frankenthaler - Milkwood Arcade, 1963, Acrylique sur toile, 86 1/2 x 80 3/4 in, 219,7 x 205,1 cm
Pas de règles : gravures sur bois d'Helen Frankenthaler
Aucune règle, l'exposition concurrente des gravures sur bois de Helen Frankenthaler, tire son origine de ce qui est peut-être la citation la plus célèbre de Helen Frankenthaler : “Il n'y a pas de règles... c'est ainsi que l'art naît, c'est ainsi que les percées se produisent. Allez à l'encontre des règles ou ignorez les règles, c'est de cela qu'il s'agit dans l'invention.” C'est précisément l'esprit d'invention qui a conduit Frankenthaler à réinventer complètement l'art de l'impression sur bois afin d'atteindre les qualités esthétiques spécifiques qu'elle recherchait. Traditionnellement, les impressions sur bois ont un aspect défini par des lignes blanches et des formes aux contours nets. Mais Frankenthaler voulait obtenir une douceur dans ses impressions sur bois qui puisse transmettre le même sens de la beauté éthérée qu'elle tirait de ses peintures. Pour atteindre ses objectifs, elle a créé un processus individualisé qui était long et complexe. Les résultats étaient spectaculaires et sont pleinement visibles dans cette exposition.
No Rules commence par East and Beyond, la première gravure sur bois réalisée par Frankenthaler. Les formes sensuelles se fondent les unes dans les autres de manière douce et organique. Les couleurs riches et vibrantes semblent presque peintes. Cela ne ressemble en rien aux gravures sur bois qui l’ont précédée. L'exposition suivante est une sélection de gravures sur bois sur lesquelles Frankenthaler a collaboré avec deux maîtres japonais du métier, le sculpteur sur bois Reizo Monjyu et l'imprimeur Tadashi Toda. Travaillant avec eux sur des techniques traditionnelles, Frankenthaler a adopté l'idée de laisser transparaître le grain du bois dans l'impression finale. L'exposition offre ensuite un aperçu des papiers manipulés avec lesquels Frankenthaler a expérimenté dans les années 1990 dans des gravures sur bois telles que Freefall et Radius. Et enfin, l'exposition se termine avec quelques-unes des dernières et plus belles gravures sur bois réalisées par Frankenthaler, y compris la monumentale Madame Butterfly, un triptyque gravé sur bois de 2 mètres de long en 102 couleurs réalisé à l'aide de 46 blocs de bois distincts et de papier imprimé à la main. .
Helen Frankenthaler - Madame Butterfly, 2000, cent deux gravures sur bois en couleurs à partir de 46 blocs de bois, 41 3/4 x 79 1/2 po, 106 x 201,9 cm
En souvenir d'une légende
Il s'est écoulé presque six ans depuis la mort d'Helen Frankenthaler. Bien qu'elle ait été l'une des artistes américaines les plus influentes du siècle dernier, son héritage, ironiquement, est souvent diminué par la même percée qui a aidé à relancer sa carrière. En 1952, l'année où elle a terminé sa première peinture « soak-stain », les diverses forces qui conspirent à établir des tendances et à faire des stars dans le monde de l'art américain cherchaient également la prochaine grande chose. Des artistes expressionnistes abstraits comme Jackson Pollock avaient bénéficié de près d'une décennie d'attention pour leur approche agressive, impasto, et pleine d'angoisse de leur travail. La nature sublime, aplatie et contemplative de peintures comme Mountains and Sea a positionné Frankenthaler comme le contrepoids parfait. Mais cet unique accomplissement n'était en réalité que le début d'une carrière qui a subi une multitude d'évolutions, grandes et petites, et a produit une œuvre qui mérite bien plus de considération que ce qu'a reçu Frankenthaler jusqu'à présent.
En organisant ces deux expositions simultanées, As in Nature et No Rules, The Clark a franchi une étape élégante vers l'expansion de la légende d'Helen Frankenthaler. Pour commencer, ces deux expositions présentent des œuvres provenant de deux collections pour la plupart privées – celle de la Fondation William Louis-Dreyfus et celle de la Fondation Helen Frankenthaler – de sorte que la plupart des œuvres n’ont jamais été exposées publiquement ensemble auparavant. Deuxièmement, en sélectionnant des œuvres d’une telle envergure, ces expositions mettent en valeur l’ampleur du travail physique nécessaire à leur création, quelque chose qui se perd si souvent lorsqu’on regarde un seul tableau dans un musée, et surtout lorsqu’on regarde des images en ligne. Troisièmement, ces expositions ouvrent la porte à de futures rétrospectives qui pourraient à terme contribuer à contextualiser Helen Frankenthaler en tant qu’artiste prolifique et aux multiples facettes qu’elle était. Comme dans la nature : peintures d'Helen Frankenthaler est exposé au Clark Art Institute jusqu'au 9 octobre 2017, et Aucune règle : les gravures sur bois d'Helen Frankenthaler sont exposées dans une aile séparée du même bâtiment jusqu'au 24 septembre 2017. L'entrée coûte 20 $ ou est gratuite pour membres, étudiants munis d'une pièce d'identité valide, enfants de moins de 18 ans et pour les membres du programme de pass bibliothèque Clark.
Helen Frankenthaler - Paysage intérieur, 1964, Acrylique sur toile, 104 3/4 x 92 3/4 po, 266 x 236 cm, Musée d'art moderne de San Francisco
Image à la une : Helen Frankenthaler -
Toutes les photos © 2017 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York, New York
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio
