La peinture américaine phare : l’exposition des années 80 revisitée

En 2018, j'ai déclaré la Journée Who RU2 : Mass Media and the Fine Art Print, au Cleveland Museum of Art, l'exposition la plus importante d'Amérique. Aujourd'hui, je crois à nouveau que l'exposition américaine la plus importante se déroule dans un musée de l'Ohio : celle-ci intitulée Peinture américaine : les années 80 revisitées, au Musée d'art de Cincinnati. L’exposition de Cleveland était importante car elle remettait en question l’alphabétisation visuelle à une époque où la saturation des images atteignait son plus haut niveau jamais atteint et où la capacité humaine à traduire les visuels en pensées et actions sensées atteignait son point le plus bas jamais atteint. Le spectacle actuel de Cincinnati est important pour des raisons similaires. Il remet directement en question l’adoption généralisée par le public contemporain de l’art narratif et à contenu lourd, proposant à la place la valeur durable de l’abstraction. Comme son titre l’indique, il s’agit d’une reconstitution d’une exposition ouverte il y a plus de 40 ans. L'original a fait ses débuts à la Grey Gallery de l'Université de New York en 1979 et présentait 41 œuvres de 41 artistes presque tous inconnus à l'époque. La commissaire était la célèbre critique et éducatrice Barbara Rose, malheureusement décédée d'un cancer du sein fin décembre 2020, juste avant l'ouverture de cet hommage à sa clairvoyance. Cette exposition originale a été saccagée par les critiques. Malgré l'indignation critique, de nombreux sympathisants ont exprimé leur soutien, notamment de nombreux conservateurs et directeurs de musées qui ont visité avec enthousiasme l'exposition controversée dans plus d'une douzaine de villes à travers le monde. Le soutien le plus important est venu de Ronnie et John Shore, un couple de Cincinnati qui étaient alors engagés depuis une décennie dans ce qui allait devenir un passe-temps de 53 ans de collection d'art. Considérant qu'il est important qu'une exposition d'une telle importance historique reste intacte et estimant qu'il est essentiel que les artistes trouvent un encouragement dans un soutien matériel, les Shores ont acheté l'intégralité de l'exposition. C'est le don de cet achat au Musée d'art de Cincinnati qui a rendu possible la reconstitution actuelle de l'exposition originale.

La controverse

Pour certains lecteurs, il peut sembler absurde qu’il ait été autrefois controversé d’exprimer sa croyance dans la valeur de l’art abstrait. Pour beaucoup d’autres, cependant, cela ressemble beaucoup au même recul que les artistes abstraits continuent de vivre aujourd’hui. Les traditionalistes semblent toujours vouloir que leur art raconte des histoires et montre des scènes faciles à reconnaître du soi-disant monde réel. Surtout parmi les mécènes d’élite, on a toujours cru que le but de l’art était de montrer un idéal de ce que la culture humaine devrait valoriser et imiter. Les artistes abstraits ne sont pas nécessairement en désaccord avec cette croyance. Cependant, ils ne sont certainement pas d’accord avec les limites de l’expression des idéaux par le mimétisme. L'abstraction est un chemin vers quelque chose d'universel ; quelque chose d'invisible; quelque chose d'inexprimable avec les lexiques existants. C'est un chemin difficile pour beaucoup de gens. L’économie a donc tendance à récompenser les artistes qui offrent aux masses des leçons simples et directes sur ce qu’elles devraient aimer et détester.

Nancy Graves (1939-1995), États-Unis, Strobia, 1978, huile et encaustique sur toile, Don de Ronnie et John Shore, 2018.195, © 2019 Nancy Graves Fondation / Sous licence VAGA à Artists Rights Society (ARS), NY

Mis à part la complexité générale de l'abstraction, l'autre plainte centrale exprimée par les critiques à propos de l'original American Painting: The Eighties était que les artistes de l'exposition étaient nouveaux sur la scène. Ils se demandaient comment un conservateur pouvait prétendre que ces peintres inconnus étaient des représentants appropriés de l'ensemble de la nation à ce moment-là ? Dans le cas de plusieurs des artistes—comme Elizabeth Murray, Sam Gilliam, Nancy Graves, Dennis Ashbaugh, Frances Barth, Howard Buchwald, Louisa Chase, Rachelle Epstein et Ron Gorchov—ils ont en effet fini par connaître un grand succès. Pourtant, tous les artistes de l'exposition ne pouvaient pas en dire autant. Beaucoup de leurs noms, j'en ai honte, restent complètement nouveaux pour moi aujourd'hui—comme Susan Crile, Elaine Lustig Cohen, Catharine Warren, Peter Pinchbeck et Susanna Tanger. Cependant, les peintures que ces artistes ont contribué à l'exposition sont choquantes de fraîcheur. Je peux, en fait, nommer plusieurs artistes qui ont depuis copié leur style. Ils n'ont peut-être pas connu la célébrité, mais ils ont clairement été influents.

Lois Lane (née en 1948), États-Unis, sans titre, 1979, huile sur toile, don de Ronnie et John Shore, 2018.213

La visionnaire Barbara Rose

Quant à Barbara Rose, la dernière chose dont elle avait besoin était la validation des critiques. En 1965, alors qu’elle n’avait que 29 ans, Rose écrivit l’un des essais les plus marquants jamais publiés sur la valeur durable de l’art abstrait. Intitulé ABC Art, il s'agit de l'une des premières tentatives critiques visant à définir le mouvement qui sera plus tard appelé minimalisme. Contrairement à la compréhension que de nombreux conservateurs et spectateurs ont aujourd’hui de l’art minimal – à savoir qu’il est élégant, simple, discret et agréable à regarder – Rose considérait l’art minimal à son meilleur comme étant « difficile, hostile » et « maladroit ». Elle l’a qualifié d’« art du déni et du renoncement » enraciné dans un ascèse presque monastique. Le décrivant comme un antidote non égoïste, parfois même mystique, au Pop Art, elle l'a placé dans une lignée qui comprenait des philosophes, des romanciers, des chorégraphes et des artistes tels que Kazimir Malevitch et Marcel Duchamp.

Ron Gorchov (1930-2020), États-Unis, Sorcière, 1979, huile sur lin, Don de Ronnie et John Shore, 2018.219

Rose a apporté de nombreuses autres contributions durables à la théorie de l'art. Elle a inventé le terme Néo-Dada ; a écrit un essai influent établissant Lee Krasner comme l'Expressionniste Abstrait le plus négligé ; a enseigné l'art à la fois à des détenus et à des étudiants à Yale ; a écrit sur l'abstraction pour les publications artistiques les plus influentes de son époque ; et a rédigé des monographies documentant les carrières de près de deux douzaines d'artistes abstraites. Ses références dans les années 1980 étaient aussi indéniables qu'elles le sont aujourd'hui, mais elle était néanmoins considérée comme une radicale. Alors, comme maintenant, je suppose que les gens aimaient vraiment l'art figuratif. Même aujourd'hui, l'histoire de l'art abstrait est rarement enseignée dans les écoles (y compris les écoles d'art), et même quand elle l'est, sa pertinence politique et sociale est négligée par des professeurs qui eux-mêmes n'ont jamais été correctement formés. Néanmoins, pour des millions de spectateurs, l'abstraction continue d'être une partie durable, voire essentielle, de notre relation à l'art et à la vie. Grâce à des collectionneurs intrépides comme Ronnie et John Shore, des conservateurs audacieux comme Barbara Rose, et des institutions courageuses comme le Cincinnati Art Museum, cet aspect vital de la culture humaine continue de prospérer.

American Painting : The Eighties Revisited sera visible du 12 mars au 11 juillet 2021, dans l'attente des restrictions locales liées au COVID-19.

Image à la une : Sam Gilliam (né en 1933), États-Unis, Tequila, 1979, acrylique et techniques mixtes sur toile, Don de Ronnie et John Shore, 2018.194, © 2019 Sam Gilliam / Artists Rights Society (ARS), New York
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio