La peinture américaine phare : l’exposition des années 80 revisitée
En 2018, j'ai déclaré Who RU2 Day : Mass Media and the Fine Art Print, au Musée d'Art de Cleveland, comme l'exposition la plus importante d'Amérique. Aujourd'hui, je crois à nouveau que l'exposition américaine la plus importante se trouve dans un musée de l'Ohio — celle-ci intitulée Peinture Américaine : Les Années Quatre-vingt Revisitées, au Musée d'Art de Cincinnati. L'exposition de Cleveland était importante car elle remettait en question la littératie visuelle à une époque où la saturation d'images atteignait son point le plus élevé jamais enregistré, et la capacité humaine à traduire les images en pensées et actions sensées atteignait son point le plus bas jamais vu. L'exposition actuelle de Cincinnati est importante pour des raisons similaires. Elle remet directement en cause l'adhésion généralisée des publics contemporains à l'art narratif et chargé de contenu, proposant à la place la valeur durable de l'abstraction. Comme son titre l'indique, il s'agit d'une recréation d'une exposition qui a ouvert il y a plus de 40 ans. L'originale a été présentée à la Grey Gallery de l'Université de New York en 1979, et comprenait 41 œuvres de 41 artistes alors presque tous inconnus. La conservatrice était la célèbre critique et éducatrice Barbara Rose, qui est malheureusement décédée d'un cancer du sein fin décembre 2020, juste avant l'ouverture de cet hommage à sa clairvoyance. Cette exposition originale avait été vivement critiquée. Malgré l'indignation des critiques, de nombreux sympathisants ont exprimé leur soutien, y compris une multitude de conservateurs et directeurs de musées qui ont fait le tour enthousiaste de cette exposition controversée dans plus d'une douzaine de villes à travers le monde. Le soutien le plus important est venu de Ronnie et John Shore, un couple de Cincinnati qui en étaient alors à une décennie d'une passion qui allait durer 53 ans : la collection d'art. Estimant important que cette exposition d'une telle importance historique soit conservée intacte, et croyant essentiel que les artistes trouvent un encouragement dans un soutien matériel, les Shore ont acheté l'intégralité de l'exposition. Ce don au Musée d'Art de Cincinnati a rendu possible la recréation actuelle de l'exposition originale.
La Controverse
Pour certains lecteurs, il peut sembler absurde qu'il ait un jour été controversé d'exprimer une croyance en la valeur de l'art abstrait. Pour beaucoup d'autres, cependant, cela ressemble beaucoup à la même résistance que les artistes abstraits continuent de rencontrer aujourd'hui. Les traditionalistes semblent toujours vouloir que leur art raconte des histoires et montre des scènes facilement reconnaissables du prétendu monde réel. Surtout parmi les mécènes d'élite des arts, on a toujours cru que le but de l'art est de montrer un idéal de ce que la culture humaine devrait valoriser et imiter. Les artistes abstraits ne sont pas nécessairement en désaccord avec cette croyance. Cependant, ils contestent certainement les limites d'exprimer des idéaux par la simple imitation. L'abstraction est un chemin vers quelque chose d'universel ; quelque chose d'invisible ; quelque chose d'inexprimable avec les lexiques existants. C'est un chemin difficile pour beaucoup de gens. L'économie, par conséquent, tend à récompenser les artistes qui offrent des leçons simples et directes aux masses sur ce qu'elles doivent aimer et haïr.
Nancy Graves (1939–1995), États-Unis, Strobia, 1978, huile et encaustique sur toile, Don de Ronnie et John Shore, 2018.195, © 2019 Nancy Graves Foundation / Autorisé par VAGA à Artists Rights Society (ARS), NY
Outre la complexité générale de l'abstraction, l'autre plainte centrale exprimée par les critiques à propos de l'original Peinture Américaine : Les Années Quatre-vingt était que les artistes présentés étaient nouveaux sur la scène. Ils se demandaient comment un conservateur pouvait prétendre que ces peintres inconnus étaient des représentants adéquats de toute la nation à ce moment-là ? Dans le cas de plusieurs artistes — tels qu'Elizabeth Murray, Sam Gilliam, Nancy Graves, Dennis Ashbaugh, Frances Barth, Howard Buchwald, Louisa Chase, Rachelle Epstein, et Ron Gorchov — ils sont en effet devenus très célèbres. Pourtant, tous les artistes de l'exposition ne peuvent pas en dire autant. Beaucoup de leurs noms, je l'avoue avec embarras, me sont encore totalement inconnus aujourd'hui — comme Susan Crile, Elaine Lustig Cohen, Catharine Warren, Peter Pinchbeck, et Susanna Tanger. Cependant, les peintures que ces artistes ont apportées à l'exposition ont un aspect étonnamment frais. Je peux, en fait, nommer plusieurs artistes qui ont depuis copié leur style. Ils ne sont peut-être pas devenus célèbres, mais ils ont clairement eu de l'influence.
Lois Lane (née en 1948), États-Unis, Sans Titre, 1979, huile sur toile, Don de Ronnie et John Shore, 2018.213
La Visionnaire Barbara Rose
Quant à Barbara Rose, la dernière chose dont elle avait besoin était une validation des critiques. En 1965, alors qu'elle n'avait que 29 ans, Rose a écrit l'un des essais les plus durables jamais publiés sur la valeur pérenne de l'art abstrait. Intitulé ABC Art, c'était l'une des premières tentatives critiques pour définir le mouvement qui serait plus tard appelé Minimalisme. Très différente de la compréhension que beaucoup de conservateurs et spectateurs ont aujourd'hui de l'Art Minimal — qu'il est élégant, simple, discret et agréable à regarder — Rose considérait l'Art Minimal dans son meilleur comme « difficile, hostile » et « maladroit ». Elle l'appelait un « art du refus et du renoncement » enraciné dans un ascétisme presque monastique. Le décrivant comme un antidote non égotique, parfois même mystique, à l'Art Pop, elle le plaçait dans une lignée incluant philosophes, romanciers, chorégraphes et artistes tels que Kazimir Malevitch et Marcel Duchamp.
Ron Gorchov (1930–2020), États-Unis, Witch, 1979, huile sur lin, Don de Ronnie et John Shore, 2018.219
Rose a apporté de nombreuses autres contributions durables à la théorie de l'art. Elle a inventé le terme Néo-Dada ; écrit un essai influent établissant Lee Krasner comme l'expressionniste abstraite la plus méconnue ; enseigné l'art à la fois à des détenus et à des étudiants de Yale ; écrit sur l'abstraction pour les publications artistiques les plus influentes de son époque ; et rédigé des monographies documentant les carrières de près de deux douzaines d'artistes abstraites. Ses références dans les années 1980 étaient aussi indéniables qu'elles le sont aujourd'hui, mais elle était néanmoins considérée comme une radicale. Alors, comme aujourd'hui, je suppose que les gens aimaient vraiment l'art figuratif. Même aujourd'hui, l'histoire de l'art abstrait est rarement enseignée dans les écoles (y compris les écoles d'art), et même lorsqu'elle l'est, sa pertinence politique et sociale est souvent négligée par des professeurs qui eux-mêmes n'ont jamais été suffisamment formés. Néanmoins, pour des millions de spectateurs, l'abstraction continue d'être une part durable, voire essentielle, de notre relation à l'art et à la vie. Grâce à des collectionneurs intrépides comme Ronnie et John Shore, des conservateurs audacieux comme Barbara Rose, et des institutions courageuses comme le Musée d'Art de Cincinnati, cet aspect vital de la culture humaine continue de prospérer.
Peinture Américaine : Les Années Quatre-vingt Revisitées sera visible du 12 mars au 11 juillet 2021, sous réserve des restrictions locales liées à la COVID-19.
Image en vedette : Sam Gilliam (né en 1933), États-Unis, Tequila, 1979, acrylique et techniques mixtes sur toile, Don de Ronnie et John Shore, 2018.194, © 2019 Sam Gilliam / Artists Rights Society (ARS), New York
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio
