Comment Toko Shinoda a créé des joyaux de l'expressionnisme abstrait

L'artiste japonaise Toko Shinoda est décédée à l'âge de 107 ans. Pendant plus de 70 ans, Shinoda a été célébrée pour les dessins et peintures abstraits qu'elle a créés en utilisant l'ancienne méthode du sumi-e, qui se traduit littéralement par peinture à l'encre noire. L'encre sumi-e est traditionnellement fabriquée en Chine ou au Japon selon un procédé en trois étapes. D'abord, des branches d'arbre sont brûlées dans de l'huile végétale. La suie des branches brûlées est ensuite mélangée à de la colle extraite de peau animale, puis pétrie en un bâton. Enfin, le bâton d'encre est séché, ce qui peut prendre aussi peu que quelques mois pour des bâtons d'encre bon marché, ou plusieurs années pour des bâtons plus coûteux. Les bâtons d'encre que Shinoda utilisait pour ses peintures avaient entre 300 et 500 ans. En 1980, elle a été interviewée lors de l'ouverture d'une exposition de son œuvre dans le sous-sol d'un temple bouddhiste autrefois utilisé par les shoguns Tokugawa. Elle a déclaré au journaliste : « Il y a environ 30 ans, beaucoup de sumi sont venus de Chine au Japon et j'ai tout acheté. J'utilise ces fournitures depuis et il y en a assez pour durer toute ma vie. » Imaginez être un artiste et aller une seule fois au magasin de fournitures d'art, puis réaliser des peintures pendant les 70 années suivantes avec les matériaux achetés lors de ce voyage ! Au début des années 1950, à peu près au même moment où Shinoda achetait son stock à vie d'encre, elle a également voyagé aux États-Unis. À New York, elle a visité les ateliers de nombreux artistes abstraits majeurs de l'époque, dont Jackson Pollock et Mark Rothko. Les écrivains occidentaux supposent souvent que Shinoda a été influencée par les expressionnistes abstraits, mais des décennies après son voyage en Amérique, elle a déclaré à un journaliste : « Je n'ai jamais étudié l'art occidental. Aucune influence occidentale ne m'est parvenue. » Au contraire, son travail découlait de son étude de l'ancienne tradition de la calligraphie. Dans le titre de cet article, je qualifie son œuvre d'expressionnisme abstrait — mais je ne dis pas que Shinoda faisait partie du mouvement artistique américain du même nom. Je dis qu'elle était une artiste qui utilisait l'abstraction pour partager des visions expressionnistes du monde qu'elle a vécu. Comme le sumi-e, c'est une pratique qui précède de loin l'époque moderne.

Exprimer l'Abstrait

Quelques-uns des premiers exemples de peinture abstraite à l'encre ont été réalisés par des artistes chinois vivant durant la dynastie Tang (vers 618-907). Les formes antérieures de peinture chinoise privilégiaient la capacité à copier le monde réel de manière réaliste. Peut-être inspirés par des traditions spirituelles telles que le bouddhisme, qui se concentrent davantage sur la compréhension de l'essence d'une chose plutôt que sur la copie exacte de sa forme, les peintres à l'encre de la dynastie Tang ont déplacé leur accent vers la capture de l'esprit de ce qu'ils peignaient. S'ils peignaient un oiseau, ils ne cherchaient plus à exprimer la forme et la taille exactes de l'aile ; ils tentaient plutôt d'exprimer la liberté ou l'extase du vol. Les traits de pinceau utilisés par les peintres à l'encre partageaient beaucoup avec la tradition de la calligraphie chinoise, qui remonte à plusieurs milliers d'années plus tôt. Les symboles tracés par les calligraphes sont une expression mêlée de dénotation et de connotation — ils transmettent ce qu'est une chose ainsi que le sentiment qu'elle exprime.

Dans la tradition japonaise de la calligraphie, les artistes apprennent à développer leur art en suivant un processus appelé shuhari. Shu signifie obéir ; ha signifie dévier ; ri signifie se séparer. L'idée est que d'abord l'élève doit obéir aux enseignements stricts des méthodes traditionnelles éprouvées par le temps. Ensuite, il doit expérimenter de nouvelles façons de faire les choses anciennes. Enfin, il doit oublier tout ce qu'il a appris et faire confiance à ses propres instincts afin de créer une expression de son art qui lui soit vraiment propre. Shinoda est née en 1913 et a commencé à apprendre la calligraphie dès son enfance. Elle a vécu comme calligraphe professionnelle dans les années 1940. À cette époque, durant sa phase ha, elle a découvert qu'en prolongeant les traits de pinceau des symboles qu'elle dessinait, elle pouvait y ajouter plus d'énergie et d'émotion, et ainsi mieux exprimer l'essence de ce qu'elle tentait de dire. Les peintures qu'elle a réalisées pendant plus de 70 ans sont les représentations d'une artiste mature dans sa phase ri, qui a trouvé une véritable expression de sa vision personnelle du monde.

Toko Shinoda - Départ - Noir [190 x 130 cm] - 2013. Encre sumi et peinture blanche sur papier japonais. Image 59 x 40 pouces, cadre 75 x 51 pouces. Toko Shinoda/Gracieuseté de la collection Tolman de Tokyo

Mots et Formes

Bien que certaines de ses œuvres soient restées sans titre, Shinoda donnait fréquemment à ses peintures des titres simples, d'un seul mot, liés à un sentiment personnel, tels que Joie, Gratitude, ou Quiétude. Parfois, elle leur donnait des titres plus élaborés qui renvoyaient davantage à une expérience extérieure de la vie, tels que Passage Éphémère, Vent Arrivant, ou Feuille du Matin / BÉNÉDICTION / Hiver Profond. Ces peintures pourraient être qualifiées d'abstraites. Cependant, Shinoda n'aurait probablement pas utilisé ce terme exact pour décrire son travail. Au début de sa carrière, elle abstraisait des symboles spécifiques, les modifiant pour l'effet. Ses œuvres mûres, cependant, pourraient être mieux comprises comme des images représentatives de choses abstraites. Elle a dit un jour : « Si j'ai une idée précise, pourquoi la peindre ? Le mont Fuji est plus frappant que toute imitation possible. »

Beaucoup d'artistes qui pratiquent leur art assez longtemps finissent par créer leur propre vocabulaire visuel — des marques, des formes et des motifs qui identifient instantanément l'œuvre comme la leur. Les formes inventées par Shinoda ressemblent davantage à un vocabulaire visuel que tout un chacun peut partager. Elle n'était pas tellement intéressée à créer un corpus d'œuvres immédiatement reconnaissable comme sien. Elle voulait plutôt créer un corpus d'œuvres qui relie les gens aux sentiments invisibles et indicibles qui constituent une grande part de l'expérience humaine. L'élégance de son travail montre à quel point elle a maîtrisé son art et à quel point elle comprenait la nature et l'esprit humain.

Image en vedette : Toko Shinoda, Crépuscule, 1992. Lithographie avec traits de pinceau à la main, encre et coloris sur papier. Édition 4/45. 44,5 x 56,4 cm (17,5 x 22,2 pouces). Toko Shinoda/Gracieuseté de la galerie Seizan
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio