Pourquoi l’approche de Laura Owens en matière de peinture est si innovante

Plus d'une fois, j'ai entendu un artiste dire que Laura Owens avait sauvé la peinture. C'est une déclaration étrange. Cela implique que la peinture risquait d'être détruite à un moment donné, probablement au cours des quatre dernières décennies, puisque c'est la durée de vie de Laura Owens, et qu'elle avait donc besoin d'un sauveur. Les théories académiques telles que celles selon lesquelles la peinture est morte ou la peinture est en train de mourir ou la peinture n'a jamais vécu sont indémontrables et peuvent donc parfois être à la fois comiques et angoissantes à écouter. Mais ils ont raison. Ils visent à transmettre l’attitude selon laquelle l’art doit rester pertinent. Dire que la peinture doit être sauvée signifie simplement que la peinture risque de perdre sa pertinence. Et donc dire que Laura Owens a sauvé la peinture signifie simplement qu’elle a d’une manière ou d’une autre fait disparaître ce danger, au moins temporairement. Mais une question mérite d’être posée : à quoi la peinture est-elle censée être pertinente ? Société? Peut être. Mais plus important encore, la peinture doit toujours rester pertinente pour les peintres. Tout nouveau peintre qui envisage de prendre un pinceau, c'est-à-dire qui doit être convaincu du sens et du potentiel de ce qu'il s'apprête à faire. Quand les gens disent que Laura Owens a sauvé la peinture, c’est surtout ce qu’ils veulent dire. Ils veulent dire que cette artiste, par son exemple, témoigne de l’importance pour les gens de continuer à prendre des pinceaux, à étirer les toiles et à laisser leurs marques. C'est pourquoi elle est citée par les peintres de tous âges comme source d'inspiration. C'est aussi pourquoi, en 2003, à peine neuf ans après ses études supérieures, elle est devenue la plus jeune artiste à bénéficier d'une rétrospective au Museum of Contemporary Art de Los Angeles depuis l'ouverture de ce musée en 1979. Et c'est pourquoi elle a été choisie cette année. faire l'objet de la première rétrospective à mi-carrière d'un artiste dans le nouveau site du Whitney Museum of American Art à New York.

N'ayez peur de rien

Parallèlement à sa rétrospective actuelle Laura Owens (à voir jusqu'au 4 février 2018), le Whitney a publié un livre monumental détaillant tous les aspects de la contribution d'Owens à l'art jusqu'à présent. C’est littéralement l’un des plus grands livres d’art jamais créés. Il comprend plus de 600 pages d'écrits historiques et académiques sur sa vie et son art, et présente des centaines de photographies de son travail. Mais il y a une entrée qui me semble essentielle, non seulement pour comprendre Laura Owens la personne ou Laura Owens la peintre, mais aussi pour comprendre ceux qui la considèrent comme un héros personnel. Cette entrée est une copie d'une liste qu'Owens a écrite dans son journal alors qu'elle avait la vingtaine, intitulée "Comment être le meilleur artiste du monde".

La liste, qui gagne rapidement en popularité sur les réseaux sociaux grâce à une mention dans un récent profil de Owens dans le New Yorker écrit par Peter Schjeldahl, comprend des conseils aussi simples que « Pensez grand » et « Dites très peu », et aussi compliqués que « Sachez que si vous n'aviez pas choisi d'être artiste, vous auriez certainement envisagé la domination mondiale ou le meurtre de masse ou la sainteté. » Mais l'élément le plus important de cette liste, à mon avis, est : « N'ayez peur de rien. » Cette seule directive a défini tout le travail qu'Owens a réalisé jusqu'à présent, et a également défini les critiques qu'elle a subies, les erreurs dont elle a appris, et les batailles dont elle a refusé de s'éloigner. C'est la marque de son succès, et la raison pour laquelle les gens disent qu'elle a sauvé la peinture.

Laura Owens - Untitled, 1997. Oil, acrylic, and airbrushed oil on canvas, 96 × 120 in. (243.8 × 304.8 cm). Whitney Museum of American Art, New York; promised gift of Thea Westreich Wagner and Ethan Wagner P.2011.274, © the artist

Ce qu'il y a à craindre

La première chose redoutable qui aurait facilement pu faire fuir Owens de sa carrière de peintre était le biais inhérent de ce qui devrait vraiment être appelé le Complexe Industriel de l'Art Académique. En tant qu'étudiante à la Rhode Island School of Design (RISD), elle a été confrontée au sexisme d'un professeur de peinture qui n'encourageait que les peintres masculins de la classe à travailler abstraitement. En tant qu'étudiante dans le programme de Master au California Institute of the Arts (CalArts), elle a été confrontée à une masse critique d'enseignants et d'étudiants qui prêchaient que la peinture était passé, et que seul le "Post Conceptualisme" pouvait éventuellement aborder les manières complexes dont le formalisme, l'histoire de l'art et les problèmes sociaux convergeaient sur les rivages de la vie contemporaine.

Owens a ignoré tous ces préjugés, sinon toujours sans crainte, du moins malgré sa peur – et c'est la véritable définition du courage. Elle a formé un club avec d'autres artistes féminines abstraites au RISD. Et elle a défié ses professeurs et ses camarades de CalArts et a fait de la peinture sa principale préoccupation esthétique. Elle a réalisé des peintures qui expriment la seule chose qui n’a jamais vraiment été exprimée auparavant en peinture : Laura Owens. Lorsque vous regardez l’éventail d’œuvres incluses dans la rétrospective actuelle de Whitney, vous voyez ce qui semble être une gamme fantastique de styles et de sujets. Tout est différent mais tout est pareil, car tout est personnel. Comme Walt Whitman l'a dit de lui-même, Laura Owens contient des multitudes. Nous le faisons tous. Owens a sauvé la peinture parce qu'elle nous le rappelle. Elle nous rappelle que pour ne pas avoir peur devant une toile, il suffit de se libérer pour peindre ce qui est unique. Exprimez-vous. C'est ce qu'elle fait. Et comprendre son travail est aussi simple que cela.

Laura Owens - Untitled, 2000. Acrylic, oil, and graphite on canvas, 72 x 66 1/2 in. (182.9 x 168.9 cm). Collezione Giuseppe Iannaccone, Milan (Left) and Untitled, 2006. Acrylic and oil on linen, 56 x 40 in. (142.2 x 101.6 cm). Charlotte Feng Ford Collection (Right), © the artist

356 Mission

Il est particulièrement approprié que cette première grande exposition rétrospective de Laura Owens depuis 14 ans soit organisée par le Whitney Museum of American Art. Il y a quelque chose de typiquement américain chez Owens, au-delà de sa citoyenneté. Cela est en partie dû à son travail, qui est courageux et libre – deux caractéristiques solides et marquantes qui sont ancrées dans la psyché de toutes les âmes américaines, qu’elles soient nées ou vivent en Amérique ou non. Mais la chose la plus ardemment américaine qui définit actuellement Owens est ce qu'elle a fait en plus de peindre ces derniers temps dans sa librairie/galerie/espace de rassemblement public au 356 South Mission Road à Los Angeles.

En 2012, Owens cherchait autour de Los Angeles, la ville qui était alors sa maison depuis des décennies, un espace suffisamment grand pour exposer un nouvel ensemble d'œuvres - une série de peintures si gigantesques qu'elles seraient construites sur place, car elles serait incroyablement difficile à transporter. Elle a trouvé un entrepôt vide dans le quartier de Boyle Heights à Los Angeles, ce qui était parfait. Avec l'aide de deux partenaires, elle a loué l'espace et a monté en 2013 son exposition prévue. J'ai eu le plaisir d'assister à cette exposition et j'en suis reparti avec le sentiment que je venais de voir l'exposition de peinture la plus puissante de ma vie. La galerie était caverneuse, industrielle, et pourtant éclipsée par la présence de l’œuvre. Devant l'espace se trouvait une librairie, et à l'arrière, de la nourriture était servie, de la musique jouait et les gens parlaient et riaient.

Laura Owens - Untitled (detail), 2012. Acrylic, oil, vinyl paint, charcoal, yarn, and cord on hand-dyed linen, 33 panels, 35 1/2 x 33 1/4 in. (90.2 x 84.5 cm) each. Collection of Maja Hoffmann/LUMA Foundation (Left) and Untitled (detail), 2012. Acrylic, oil, vinyl paint, charcoal, yarn, and cord on hand-dyed linen, 33 panels, 35 1/2 x 33 1/4 in. (90.2 x 84.5 cm) each. Collection of Maja Hoffmann/LUMA Foundation (Right), © the artist

La manière américaine

Après cette exposition inaugurale, Owens a décidé de continuer à louer l'espace. Elle a monté des expositions d'autres artistes, animé des cours et des conférences et organisé des projections de films. Et pourquoi pas ? L'espace était vacant. C'est l'Amérique. Pourquoi quelqu’un ne pourrait-il pas louer l’espace de son choix ? Mais sa présence dans le quartier a depuis déclenché une tempête parmi certains habitants du quartier. Owens est considéré comme un occupant indésirable et un signe avant-coureur de la gentrification. Les manifestants représentant les efforts anti-gentrification de Boyle Heights ont convergé vers le Whitney Museum pour manifester contre la rétrospective d'Owens. Ils manifestent également régulièrement devant son espace à Boyle Heights.

Owens a rencontré des représentants des groupes de protestation dans le but de parvenir à un accord, mais ils ont exigé qu'elle parte et n'accepteront rien de moins. Ils souhaitent également qu'elle déclare publiquement qu'elle a eu tort de venir là-bas et qu'elle a retenu la leçon. Mais Owens ne part pas. Pas encore. Elle est courageuse. Elle a le droit d'être là. Cette intimidation de la part des manifestants anti-gentrification n’est pas différente des actions que l’histoire nous a montrées de ceux qui intimident les personnes de couleur, les minorités religieuses ou les réfugiés, en essayant de les forcer à ne pas ouvrir d’entreprises ou acheter des maisons dans « leurs quartiers ». L’Amérique a une longue histoire de ce genre d’absurdités. Mais il a aussi une longue tradition de diversité et de résistance aux forces de division. Si vous avez la chance de voir sa rétrospective actuelle sur Whitney, faites-le, pas seulement pour découvrir pourquoi Laura Owens a sauvé la peinture. Mais aussi pour montrer votre soutien à quelqu’un qui incarne le courage, l’inventivité, l’originalité et l’individualité – quatre caractéristiques qui définissent ce que signifie être un artiste, un Américain et un être humain libre.

Image en vedette : Laura Owens - Sans titre, 1997. Acrylique et huile sur toile, 78 x 84 po (198,1 x 213,4 cm). Collection de Mima et César Reyes. © l'artiste

Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement

Par Phillip Barcio