Les femmes dans l’abstraction américaine, 1930-1950

Les artistes abstraits américains ont été confrontés à de nombreux obstacles tout au long des années 1930 et 1940. Entrant dans une discipline encore dominée par le réalisme et gouvernée par de puissants critiques et institutions d’art, les artistes abstraits ont dû trouver des moyens créatifs pour promouvoir leur travail et se faire accepter dans un monde de plus en plus tumultueux. Au premier rang se trouvaient des artistes féminines audacieuses et talentueuses qui ont en outre dû composer avec des dynamiques sociales et culturelles complexes tout au long des périodes d’avant et d’après-guerre. Jusqu’à présent, leurs contributions aux débuts de l’abstraction américaine ont souvent été négligées au profit des pionniers masculins. Cependant, pour bien comprendre l'histoire de l'art, nous devons reconnaître les les femmes qui ont ouvert la voie à l'abstraction par leur créativité, leur esthétique et leur engagement.

Abstraction précoce

Il est largement reconnu que l’abstraction a commencé en Europe à la fin du XIXe siècle, lorsque certains artistes se sont éloignés du réalisme et ont exploré les formes, les textures et les tons plus en détail. Les progrès technologiques, notamment l’augmentation des communications et des voyages, ont permis aux artistes européens et américains d’échanger des idées plus que jamais. De même, de nombreux artistes européens fuyant les terreurs de la Première et de la Seconde Guerre mondiale ont apporté de nouvelles techniques et théories aux États-Unis. Cela a conduit à un groupe croissant d'artistes américains intéressés par l'abstraction, dont beaucoup avaient rendu visite à des artistes en Europe ou suivi des cours auprès de réfugiés européens vivant aux États-Unis. Cependant, l’abstraction était particulièrement vilipendée par l’establishment artistique américain, qui interdisait aux artistes abstraits d’exposer dans les galeries et les musées, les mettait sur une liste noire dans la presse et les empêchait de poursuivre des carrières fructueuses.

Opportunités pour les femmes

Le chaos des années 1930 a, de manière surprenante, ouvert les portes aux artistes abstraits en Amérique. En réponse au chômage élevé dans la communauté artistique pendant la Grande Dépression, le gouvernement des États-Unis a créé le Works Progress Administration (WPA) Federal Art Project. Des artistes de tous horizons (femmes et artistes abstraits inclus) ont été offerts des postes rémunérés sur des projets artistiques parrainés par le gouvernement pendant les années de Dépression et de guerre. Des milliers d'artistes ont été embauchés, y compris des pionniers futurs comme Lee Krasner, Dorr Bothwell, et Louise Nevelson, pour embellir des institutions à travers les États-Unis avec des fresques, des peintures et d'autres designs. D'autres artistes, comme Irene Rice Pereira, ont aidé à établir des écoles d'art financées par le gouvernement fédéral pour fournir des cours d'art aux étudiants défavorisés. Tirant parti de ces programmes uniques, les artistes féminines ont pu gagner un revenu grâce à l'art et acquérir une expérience précieuse en enseignement, création artistique et engagement public. Ces compétences seraient essentielles alors qu'elles créaient, géraient et promouvaient la discipline diversifiée de l'abstraction et leurs propres carrières.

D'autres femmes, dont Alice Trumbull Mason, Esphyr Slobodkina et Ray Kaiser (plus tard Eames), ont contribué à la création d'une nouvelle organisation, American Abstract Artists (AAA), pour promouvoir l'abstraction auprès du public et fournir des espaces d'exposition aux artistes. Créée en 1936 à New York, l’AAA a été créée en réponse à la première exposition sur l’abstraction du Museum of Modern Art organisée la même année. Cette exposition, intitulée Cubisme et art abstrait, présentait presque exclusivement des artistes européens – ce qui constitue un rejet institutionnel supplémentaire des artistes abstraits américains. Slobodkina a écrit l’Aperçu historique de l’AAA, encore publié aujourd’hui sur son site Internet, qui résume le besoin désespéré de ce groupe : « Quelles ont été les circonstances dans lesquelles cette organisation unique a surgi et a rapidement pris racine ? . . .C'était en 1936. Le lieu – New York. La période – dépression économique et isolement pratiquement total du grand public de tout contact avec les tendances esthétiques avancées actuelles.

En un an, AAA a organisé sa première exposition aux galeries Squibb de New York. Même si le spectacle a attiré beaucoup de monde et a reçu des commentaires généralement positifs du public, la presse a tout de même réagi avec hostilité. Cependant, AAA a continué à exposer dans de nombreux lieux locaux, rassemblant lentement une base croissante d'admirateurs et de collectionneurs, même si la Grande Dépression et la Seconde Guerre mondiale ont refroidi les esprits et allégé les poches. Les femmes étaient des actrices majeures de l’AAA, occupant le devant de la scène lors des expositions, rédigeant des critiques et occupant des rôles de direction – notamment les fondatrices Mason et Slobodkina, qui ont toutes deux occupé le poste de présidente de l’AAA.

Charmion von Wiegand (1896-1983), Sans titre, c. 1942. Papier collé, aquarelle opaque et plume et encre sur papier, 8 1/2 × 8 1/16 po. (21,6 × 20,5 cm). Musée d'art américain Whitney, New York ; don d'Alice et Léo Yamin 91.84.5. © Succession de Charmion von Wiegand ; Avec l'aimable autorisation de Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

Accueil critique

Cependant, même si l'abstraction a commencé à s'implanter dans la culture américaine, les femmes ont toujours rencontré des difficultés significatives. Malgré quelques avancées réalisées pendant la guerre permettant aux femmes de travailler en dehors de la maison, les artistes féminines étaient scrutées pour faire un travail qui n'était pas strictement domestique ou lié à la guerre. Beaucoup de pionnières de cette période sont davantage connues pour leurs maris célèbres que pour leurs contributions à l'abstraction, y compris Ray Kaiser (plus tard Eames, mariée à Charles Eames), Lee Krasner (mariée à Jackson Pollock) et Elaine De Kooning (mariée à Willem De Kooning). Cependant, leur influence artistique sur leurs maris ne peut être niée. Il suffit de regarder Kaiser, une artiste hautement qualifiée qui a collaboré avec son mari architecte sur plusieurs projets. Son utilisation de formes organiques et de tensions entre les espaces est une caractéristique centrale de leurs conceptions et c'est ce qui a rendu le nom Eames si célébré. De même, les efforts de Krasner pour promouvoir l'héritage de Pollock après sa mort prématurée en 1956 sont en grande partie la raison pour laquelle son travail est si célébré aujourd'hui.

De nombreuses galeries et musées ont également refusé d'exposer des artistes féminines : le galeriste Samuel Kootz, un grand partisan de l'expressionnisme abstrait, aurait déclaré que c'était parce qu'elles posaient trop de problèmes. D’un autre côté, de nombreux critiques réagiraient d’abord favorablement aux œuvres d’artistes abstraites féminines – jusqu’à ce qu’ils découvrent que la créatrice était une femme. Krasner a raconté qu'un critique a dit un jour à propos de son travail : « Nous avons appris que l'artiste était une femme à temps pour freiner notre enthousiasme. » En conséquence, plusieurs artistes ont modifié leur nom pour cacher leur féminité. Irene Rice Pereira a plutôt exposé ses peintures géométriques dynamiques sous le nom de I. Rice Pereira. De même, l'artiste Dorr Bothwell a légalement changé son nom de Doris pour obtenir un accueil plus favorable de la part des critiques pour ses œuvres surréalistes. Cela dit, de nombreux dirigeants masculins du mouvement encadraient encore les œuvres de ces artistes en fonction de leur féminité. Le légendaire Hans Hoffman, qui a formé de nombreuses artistes abstraites féminines, a dit un jour que le travail de Krasner était « si bon qu’on ne saurait pas qu’il a été réalisé par une femme ». Malgré la qualité évidente de leur travail, on rappelait constamment aux femmes artistes que la féminité était un outil utilisé contre elles pour justifier le rejet de leur métier par le monde de l’art.

La liberté dans l'abstraction

L’ironie est bien sûr que l’abstraction – avec sa diversité d’expression, son manque de formes concrètes et sa myriade de sujets – n’est généralement pas classée comme masculine ou féminine. En regardant une œuvre d’art abstraite, le spectateur aurait du mal à identifier le sexe de l’artiste qui l’a réalisée. Prenez, par exemple, l’impression Labyrinth of Closed Forms d’Alice Trumbull Mason de 1945, un conglomérat de formes arrondies et rectangulaires sur un fond ombré. L’œuvre joue avec les niveaux de gris, les espaces blancs et les interactions entre les formes – rien dans l’œuvre ne parle de l’identité de Mason en tant que femme. Elaine De Kooning, de même, a adopté des éléments de figuration dans ses coups de pinceau colorés et éthérés, tout comme de nombreux artistes impressionnistes masculins l'avaient fait avec la lumière quelques décennies auparavant. Grâce à l’abstraction, les femmes pourraient remettre en question les idées d’esthétique « féminine » et sortir des moules antérieurs. Cependant, trouver une réelle acceptation au sein de la communauté artistique est resté difficile – peut-être jusqu’à présent.

Ce qui est remarquable chez les femmes artistes abstraites des années 1930 et 1940, c’est leur résilience et leur engagement envers leur métier. Malgré la catastrophe économique et la guerre mondiale, ils ont trouvé le moyen de rester inspirés, engagés et actifs dans leur domaine. Grâce à cela, leur travail et leur héritage survivent encore aujourd’hui. Il n’est pas trop tard pour reconnaître les réalisations de ces personnes au cours de cette période remarquable de l’histoire.

Le Whitney Museum d'art américain à New York a organisé une exposition pour explorer le travail et les réalisations de plusieurs artistes abstraites américaines pendant la période d'avant et d'après-guerre. « Labyrinthe des formes : femmes et abstraction, 1930-1950 » sera visible jusqu'en mars 2022.

Par Emelia Lehmann

Image à la une : Lee Krasner (1908-1984), Nature morte, 1938. Huile sur papier, 19 × 24 3/4 po. (48,3 × 62,9 cm). Whitney Museum of American Art, New York ; achat en l'honneur de Charles Simon, avec des fonds donnés par ses amis de Salomon Brothers à l'occasion de son 75e anniversaire, et avec des fonds d'un donateur anonyme et du Drawing Committee 90.19. © 2021 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York