L'art monumental de Louise Nevelson

Cette année marque le 30e anniversaire de la mort de Louise Nevelson, une artiste qui a profondément influencé l'art du XXe siècle et dont l'héritage résonne encore aujourd'hui. Nevelson est surtout connue pour ses assemblages de bois monochromes. Leur voix esthétique unique est enracinée en partie dans l’histoire de l’art et en partie dans le langage visuel et matériel de New York, sa ville d’adoption. Ses stratégies de composition s'inspirent du cubisme, qu'elle assimile à une religion, et des théories formelles abstraites de Hans Hofmann, qui fut son professeur pendant de nombreuses années. La présence matérielle de ses assemblages exalte les aspects abandonnés de la vie urbaine. Comme pour provoquer une sorte d’ecdysis inversée, Nevelson a rassemblé des meubles cassés et des débris de construction sur les trottoirs de la ville et les a transformés en œuvres d’art monumentales. La métamorphose des détritus profanes en art sacré est indéniable dans des œuvres comme « Sky Cathedral » (1958), l’œuvre qui a pour la première fois attiré l’attention critique de Nevelson. C’est encore plus profond dans l’installation de la taille d’une pièce « Dawn’s Wedding Feast » (1959) ; une pièce murale entourée de colonnes au sol et suspendues et de deux totems emblématiques des mariés, cette pièce a non seulement fait de Nevelson l'une des principales artistes de sa génération, mais a également contribué à pionnière dans le domaine de l'art de l'installation. Ce qui est particulièrement émouvant dans ses œuvres, c’est que Nevelson leur a en quelque sorte imprégné un sentiment d’intimité malgré leur ampleur monumentale. Elle a veillé à ce que chaque élément individuel puisse exprimer ses qualités essentielles au sein de la structure de l'ensemble. Ce faisant, elle a créé des œuvres qui peuvent être appréciées objectivement ou qui peuvent inviter les spectateurs à une expérience plus personnelle. Pour célébrer la vie et l'œuvre de ce génie, voici mes neuf citations préférées de Louise Nevelson, chacune précieuse pour la façon dont elle éclaire son travail et révèle le fonctionnement interne de son esprit.

1. "Si vous avez un cadre autour de vous qui ne correspond pas à l'image, vous cassez le cadre."

Née en 1899 à Pereiaslav-Khmelnytskyi, dans l'Ukraine moderne, Leah Berliawsky a immigré aux États-Unis en 1905 pour échapper à la persécution religieuse. Elle a ardemment poursuivi l'art pendant son enfance malgré le découragement de ses parents. Après avoir épousé Charles Nevelson en 1920 et donné naissance à un fils deux ans plus tard, elle a réalisé qu'elle était toujours dans la même situation que lorsqu'elle était enfant, sauf que maintenant c'étaient son mari et sa famille qui lui disaient d'abandonner son art pour être une mère et une épouse plus attentive. Réalisant qu'elle était dans le mauvais cadre, Nevelson a quitté son mari et son fils en 1931 et a déménagé pour étudier avec Hans Hofmann.

2. "Le cube le focalise et lui donne sa véritable structure."

Nevelson a structuré tous ses assemblages autour de la forme géométrique de base des cubes. Peu importe le nombre de morceaux de bois qu'elle a assemblés dans l'assemblage, ni à quel point les pièces auraient pu paraître disjointes une fois assemblées, les cubes maintenaient toujours la composition ensemble, à la fois visuellement et physiquement.

3. « Le noir englobe toutes les couleurs. Ce n’est pas une négation.

La plupart des œuvres réalisées par Nevelson sont des monochromes noirs. De nombreux critiques ont mal compris son utilisation de cette couleur, suggérant qu’elle essayait d’éradiquer les vies passées de ses matériaux. Au lieu de cela, elle a insisté sur le fait que le noir était une couleur inclusive qui permettait à chaque élément distinct de l’œuvre de conserver son essence fondamentale tout en s’absorbant dans l’esprit de l’ensemble. Elle a également déclaré que la couleur noire donnait à ses œuvres un aspect « aristocratique ».

Louise Nevelson - Sans titre, ca. 1976. Construction en bois peint en noir. 94 × 36 × 16 3/4 po ; 238,8 × 91,4 × 42,5 cm. Galerie Michael Rosenfeld, New York. © 2018 Succession de Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

4. « C’est beaucoup plus direct de faire les choses comme je le fais. C’est immédiat, c’est vrai, et c’est là.

Après avoir passé des années à dessiner et à peindre des images d'objets brisés, Nevelson s'est rendu compte que l'utilisation des détritus eux-mêmes introduirait une vérité matérielle dans son travail, en plus de lui conférer le résidu émotionnel d'associations passées avec les matériaux utilisés.

5. "C'est l'œuvre et moi, ce n'est pas le public et moi. Le public est un reflet."

Nevelson a commencé à réaliser des sculptures publiques à grande échelle dans les années 1970 en utilisant des matériaux comme le plastique et l'acier Cor-Ten. Les critiques ont remis en question le sens de l'œuvre, qui avait un aspect et une sensation très différents de ceux de ses assemblages en bois. Elle a nié leurs critiques, affirmant son droit autonome en tant qu'artiste de réaliser le type d'œuvre qu'elle souhaitait.

Louise Nevelson - Dark Cryptic, 1975. Bois patiné. 12 × 9 × 7 pouces ; 30,5 × 22,9 × 17,8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Succession de Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

6. "La seule réalité que je reconnais est ma propre réalité."

Nevelson a affronté des parents contrôlants, un conjoint contrôlant, des critiques sexistes, des conservateurs dédaigneux et des téléspectateurs ignorants. Elle a ignoré les organisations sociales comme « The Club », optant plutôt pour la vie d’un étranger au monde de l’art. Malgré tous ceux qui doutaient d’elle et la décourageaient, elle a réussi. Cette citation explique pourquoi.

7. «Cela nous donne un endroit pour passer à travers les trois dimensions, vers la quatrième et au-delà. C’est vraiment un endroit où l’on passe de la matière à l’esprit.

Nevelson se décrivait non pas comme une peintre ni une sculptrice, mais comme une architecte construisant avec l'ombre et la lumière. Son amour du Cubisme l'a inspirée à toujours créer des œuvres qui récompensent le mouvement—une expression de la quatrième dimension. Elle s'intéressait à la création d'environnements dans lesquels le corps et l'esprit pouvaient voyager.

Louise Nevelson - Sans titre, 1985. Bois peint en noir. 44 × 22 × 17 1/5 po ; 111,8 × 55,9 × 43,8 cm. Galerie de rythme. © 2018 Succession de Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

8. "Lorsque vous créez, il y a une énergie supplémentaire qui surpasse toute autre chose."

Nevelson était un artiste notoirement privé et discipliné. Elle pensait que les sensations fortes offertes par des choses autres que le travail créatif n'étaient rien en comparaison de l'excitation qu'elle recevait dans son studio. Lorsque sa désormais célèbre installation « Dawn’s Wedding Feast » a été créée dans l’exposition Sixteen Americans au MoMA, elle a déclaré qu’elle symbolisait en partie son mariage avec son travail.

9. "Ce n'est pas comme ça que je vis, c'est comme ça que je finis ma vie."

Quand Nevelson était jeune, sa famille l'a découragée de devenir artiste en lui disant que cela ne lui offrirait pas un style de vie confortable. Même alors, elle savait qu’elle ne pourrait être en paix à sa mort que si elle restait fidèle à elle-même.

Image en vedette : Louise Nevelson - Maquette pour Night Wall VI, 1977-1979. Acier soudé peint en noir. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 po ; 63,5 × 69,8 × 24,8 cm. Galerie de rythme. © 2018 Succession de Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio