अवधारणात्मकता भौतिक में है - जूल्स ओलिट्सकी

यूक्रेनी-अमेरिकी कलाकार जूल्स ओलित्सकी (1922 – 2007) के करियर से हमें यह याद आता है कि कला कोई स्थिर मानवीय प्रयास नहीं है, जिसे हर कलाकार को एक ही तरह से करना होता है, जैसे कि यात्री विमान उड़ाना। कलाकार पूरी तरह स्वतंत्र होते हैं—या होने चाहिए—कि वे अपने क्षेत्र को जितनी बार चाहें पुनः आविष्कार कर सकें। ओलित्सकी केवल एक ही बात से प्रेरित थे: उनकी अंतर्दृष्टि। उन्हें किसी छवि का दर्शन होता, या कोई अनुभूति जिसे वे पकड़ना चाहते थे, या कोई भौतिक उपस्थिति जिसे वे प्रकट करना चाहते थे, और वे उसे साकार करने की कोशिश करते थे। उनकी दृष्टि का रुझानों या रुचियों से मेल खाना महत्वपूर्ण नहीं था। अधिकांश लोग उनके काम को अमूर्त कहते हैं, लेकिन वे स्वयं इस भेद को नहीं मानते थे, शायद इसलिए कि उनके लिए किसी चित्र के लिए उनकी विशेष दृष्टि ही उसका विषय वस्तु थी। यदि कोई हवा में लटकी रंग की बौछार का चित्र बनाने का सपना देखता है, और फिर ऐसा चित्र बनाता है जो उस सपने को साकार करता है, तो वह चित्र ठीक वैसा ही है जैसा वह वर्णन करता है: हवा में लटकी रंग की बौछार का चित्र। इससे अधिक ठोस क्या हो सकता है? अन्य कलाकारों को सलाह देते हुए, ओलित्सकी ने कहा था, “कुछ उम्मीद मत रखो। अपना काम करो। जश्न मनाओ!” शायद उन्होंने अपने दर्शकों को भी यही कहा होगा: “कुछ उम्मीद मत रखो। काम को देखो। जश्न मनाओ!” फिर भी, कला की सराहना और कला की समीक्षा अलग-अलग सुख हैं। समीक्षक, इतिहासकार, और कला व्यापारी लंबे समय से यह समझने में कठिनाई में रहे हैं कि ओलित्सकी को कला इतिहास की रेखीय कथा में कहाँ रखा जाए, शायद इसलिए कि ओलित्सकी ने कभी खुद से यह नहीं पूछा कि वह कहाँ फिट बैठते हैं। वे इतनी बार शैली, माध्यम और विधि बदलते रहे कि उन्हें न केवल इतिहास में रखना कठिन है, बल्कि उन्हें वस्तु के रूप में बेचना भी कठिन है, क्योंकि कई संग्रहकर्ता उन कलाकारों के बारे में संक्षिप्त रूप में बात करना चाहते हैं जिन्हें वे संग्रह करते हैं: “यह ग्रिड चित्रकार है। यह मकड़ियों वाली महिला है। यह बॉक्स बनाने वाला है। आदि।” आप ओलित्सकी के साथ ऐसा नहीं कर सकते। उन्होंने बहुत कुछ किया है कि केवल एक चीज़ के लिए जाने नहीं जा सकते। इसलिए हमारे पास केवल एक विकल्प बचता है—सबसे अच्छा विकल्प: “कुछ उम्मीद मत रखो। चित्रों को देखो। जश्न मनाओ।”

किनारे पर चित्रकारी

स्नोवस्क, वर्तमान यूक्रेन में जन्मे, ओलित्सकी एक वर्ष के थे जब उनके पिता की स्थानीय सोवियत कमिश्नर द्वारा हत्या के बाद वे अपनी माँ के साथ संयुक्त राज्य अमेरिका चले गए। वे ब्रुकलिन, न्यूयॉर्क में बसे, और हाई स्कूल तक ओलित्सकी ने कला के प्रति अपनी उन्नत प्रवृत्ति दिखाई। उन्हें मैनहट्टन में कला अध्ययन के लिए पुरस्कार मिला, और अंततः प्रैट संस्थान में अध्ययन के लिए छात्रवृत्ति प्राप्त की। द्वितीय विश्व युद्ध में भर्ती होने के बाद, ओलित्सकी ने अपने जी.आई. बिल के अधिकारों का उपयोग पेरिस में अपनी कला शिक्षा जारी रखने के लिए किया। वहाँ, उन्होंने आधुनिकतावादी मास्टरों का निकट से अध्ययन किया, और अपने स्वयं के आंतरिक संघर्षों का सामना किया। सबसे उल्लेखनीय बात यह थी कि उन्होंने महसूस किया कि उनकी अपनी शिक्षा उन्हें नियंत्रित कर रही थी। एक अभ्यास जिसमें उन्होंने चित्र बनाते समय अपनी आँखों पर पट्टी बांधी थी, उनकी अपनी सोच के नियंत्रण को पार करने की इच्छा को दर्शाता है। यही रचनात्मक स्वतंत्रता के प्रति समर्पण उनके जीवन भर उनका मार्गदर्शन करता रहा।

जूल्स ओलित्सकी - प्रेम और उपेक्षा के साथ: आनंद आशीर्वाद, 2002। कैनवास पर ऐक्रेलिक। 60 x 84 इंच (152.4 x 213.4 सेमी)। अमेरिकर योहे फाइन आर्ट, न्यूयॉर्क। © जूल्स ओलित्सकी

उनकी पहली चित्र प्रदर्शनी, 1950 के दशक में, उदासीन, गहरे, मोटे रंगों वाले अमूर्त चित्रों से भरी थी, जैसे “शहीद डेमिकोव्स्की की स्मृति में” (1958), जो उनके पिता के नाम पर था। 1960 तक, ओलित्सकी ने पूरी तरह से अलग दृष्टिकोण अपनाया, नए प्रकार के ऐक्रेलिक रंगों का उपयोग करते हुए सपाट, जीवंत रंगीन रचनाएँ बनाई, जिनमें जैविक, अमीबा जैसे आकार चित्रात्मक पेट्री डिश में उभरते प्रतीत होते थे। पाँच साल बाद, उन्होंने फिर से दिशा बदली, इस बार एक औद्योगिक स्प्रे गन का उपयोग करते हुए अपने सपने को साकार करने की कोशिश की कि “रंग की एक बौछार जो बादल की तरह लटकी हो, लेकिन अपनी आकृति न खोए।” उनके स्प्रे गन चित्रों में वास्तव में दूर के निहारिका में गैसीय बादलों जैसी कई अलौकिक विशेषताएँ हैं, जो विस्फोटित सितारों की चमक से प्रकाशित होती हैं। इस कार्य ने ओलित्सकी को चित्र के “किनारे” के बारे में सोचने पर मजबूर किया। “एक चित्र अंदर से बाहर बनाया जाता है,” उन्होंने कहा। उनके अनुसार, काम का बाहरी किनारा कैनवास का किनारा नहीं था, बल्कि रंग का किनारा था। ओलित्सकी ने महसूस किया कि रंग पेंट की सीमाओं से परे फैलता है, प्रकाश और मानसिक अनुभूति द्वारा चित्र की सतह और हमारी आँखों के बीच के सीमांत स्थान में पहुँचता है।

जूल्स ओलित्सकी - ग्राफिक सूट #2 (नारंगी), 1970। सिल्कस्क्रीन। 35 x 26 इंच (काम); 36 x 27 इंच (फ्रेम सहित)। © जूल्स ओलित्सकी

संरचना और प्रवाह

1970 के दशक के मध्य में, ओलित्सकी ने फिर से विधियाँ बदलीं, अपनी पूर्व की मद्धम, मोटे रंगों वाली तकनीक को स्प्रे गन के उपयोग के साथ मिलाते हुए, “सीक्रेट फायर – 2” (1977) जैसे चित्र बनाए, जो अलौकिक रंगों के बावजूद एक निश्चित भौतिक उपस्थिति प्रकट करते हैं। उन्होंने इस मिश्रण को विकसित करना जारी रखा, 1980 के दशक में साहसी, धात्विक अमूर्त चित्र बनाए, जैसे “एटरनिटी डोमेन” (1989), और 1990 के दशक में प्राचीन, भयंकर चित्र बनाए, जैसे “अपॉन अ सी” (1996)। दृश्य रूप से विविध होने के बावजूद, ये सभी कार्य एक समान मार्गदर्शक सिद्धांत साझा करते हैं, जिसे ओलित्सकी ने इस प्रकार संक्षेपित किया: “मैं चित्र को एक संरचना से युक्त मानता हूँ, लेकिन वह संरचना रंग की भावना के प्रवाह से जन्मी है।” उनके जीवन के अंतिम वर्षों में बनाए गए चित्र, जैसे “प्रेम और उपेक्षा के साथ: आनंद” (2002), इस मार्गदर्शक सिद्धांत को नाटकीय रूप में व्यक्त करते हैं। उनकी भौतिक उपस्थिति की संरचना पत्थर की तरह अडिग है, फिर भी उनकी अस्तित्व की हल्कापन स्पष्ट रूप से “रंग की भावना के प्रवाह” में उनके रंगीन जन्मसिद्ध अधिकार का दावा करती है।

जूल्स ओलित्सकी - पाटुत्स्की पैशन, 1963। कैनवास पर मैग्ना। 88 x 71 1/2 इंच (223.5 x 181.6 सेमी)। यार्स आर्ट। © जूल्स ओलित्सकी

अपने जीवन भर के अमूर्त चित्रकारी अभ्यास के अलावा, ओलित्सकी ने निरंतर रूप से आकृतिपूर्ण चित्र और प्राकृतिक दृश्य बनाए। उनका मूर्तिकला करियर भी फलदायी था, जो उनकी चित्रकारी की तरह केवल उनकी कल्पना से बंधा था। बचपन में, ओलित्सकी को उनके सौतेले पिता से "प्रिंस पाटुत्स्की" उपनाम मिला था। यह नाम उनके कार्यों में बार-बार आता है: “पाटुत्स्की इन पैराडाइज” (1966); “पाटुत्स्की पैशन” (1963); “प्रिंस पाटुत्स्की कमांड” (1966)। यही बालसुलभ मासूमियत के प्रति समर्पण है जो मैं ओलित्सकी की हर उपलब्धि में देखता हूँ। कला इतिहास सामान्यतः केवल उन कलाकारों को किंवदंती का दर्जा देता है जो अपने करियर की शुरुआत में क्रांतिकारी होते हैं, फिर “परिपक्वता” और फिर पुनरावृत्ति करते हैं। ओलित्सकी उस चरित्र चित्र में फिट नहीं होते। जितना प्रयोगात्मक और स्वतंत्र हो सके, उन्होंने बस अपना काम किया, बिना किसी अपेक्षा के, और जश्न मनाया। यही उन्हें मेरे लिए एक किंवदंती बनाता है।

प्रदर्शित चित्र: जूल्स ओलित्सकी - बेसियम ब्लश, 1960। कैनवास पर मैग्ना। 79 x 109 इंच (200.7 x 276.9 सेमी)। कासमिन, न्यूयॉर्क। © जूल्स ओलित्सकी
सभी चित्र केवल उदाहरण के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप बार्सियो द्वारा