सबसे प्रभावशाली जीवित अफ्रीकी अमेरिकी अमूर्त कलाकार

अफ्रीकी अमेरिकी अमूर्त कलाकार - विशेष रूप से वे जो दासों के वंशज हैं - निरंतर दबाव का सामना करते हैं, अंदर और बाहर दोनों तरफ से, कि वे अपनी पहचान को अपने कार्य का मुख्य हिस्सा बनाएं। यह दबाव समझ में आता है क्योंकि अफ्रीकी अमेरिकी कलाकारों को व्यापक, प्रणालीगत पूर्वाग्रहों का सामना करना पड़ता है, लेकिन इसका मतलब यह भी है कि काले अमूर्त कलाकार जो अपने क्षेत्र को आगे बढ़ाने के इरादे से काम करते हैं, उन्हें न केवल हर अन्य अमूर्त कलाकार की तरह सभी सौंदर्यशास्त्र, बौद्धिक और कला इतिहास संबंधी प्रश्नों का सामना करना पड़ता है, बल्कि उन्हें विषय वस्तु के संबंध में अप्रत्यक्ष पूर्वाग्रहों से भी लड़ना पड़ता है। 2017 में, टेट मॉडर्न में Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power प्रदर्शनी के उद्घाटन के बाद, उस प्रदर्शनी में शामिल एक कलाकार ने मुझसे निजी तौर पर विलियम टी. विलियम्स की पेंटिंग “Trane” (1969) के बारे में कहा, जो उस शो में भी थी। “उस पेंटिंग का,” उस व्यक्ति ने कहा, “काले होने से कोई लेना-देना नहीं है।” मेरी श्वेत विशेषाधिकार ने मुझे किसी भी तरह का निर्णय लेने की स्थिति में नहीं रखा। मैं केवल सुन सकता था, और फिर अपनी सच्चाई व्यक्त कर सकता था, जो यह थी कि “Trane” अब तक की सबसे गतिशील और रोमांचक पेंटिंगों में से एक है जो मैंने देखी है। यह जॉन कॉलट्रेन के संगीत की तरह एक समान विद्युत, बहुरैखिक संवेदनशीलता को समाहित करता है, जिसके नाम पर यह पेंटिंग है। भले ही यह अप्रासंगिक हो, मेरी राय है कि आप जो भी हों, राजनीतिक मुद्दों को सीधे संबोधित न करने वाला कला बनाना स्वयं एक राजनीतिक कार्य है। अफ्रीकी अमेरिकी कलाकार चाहे जो भी काम करें, वे हाशिए पर हैं। काले अमूर्त कलाकारों पर अतिरिक्त हाशिए को डालना क्रूरता पर क्रूरता जैसा लगता है। कलाकारों को विषय वस्तु के बारे में दबाव की जरूरत नहीं है। उन्हें ईमानदारी से खुद को व्यक्त करने के लिए प्रोत्साहन चाहिए। मैं किसी भी कलाकार को मनमाने आलोचना के सामने लगातार प्रयास करते देखना वीरता मानता हूँ। इसे ध्यान में रखते हुए, हालांकि और भी कई हैं जो ध्यान के पात्र हैं, यहाँ नौ जीवित अफ्रीकी अमेरिकी अमूर्त कलाकार हैं जो आत्मविश्वास से इस क्षेत्र को आगे बढ़ा रहे हैं, जिनका काम मेरे लिए प्रभावशाली रहा है।

शिनिक स्मिथ

शिनिक स्मिथ का काम खेलपूर्ण है, फिर भी भयावह; शारीरिक है, फिर भी आत्मा का; कालातीत है, फिर भी निर्विवाद रूप से समकालीन। उनकी प्रत्येक रचना—चाहे वह पेंटिंग हो, मूर्ति हो या स्थापना—इतनी जटिल और स्वायत्त लगती है जैसे एक विलो का पेड़ या मधुमक्खियों का झुंड। यह काम स्पष्ट रूप से अभिव्यक्ति और रेखा से प्रेरित है, लेकिन इसके हावभाव तल से परे जाकर इसे कुछ बहुआयामी और जैविक अभिव्यक्ति में बदल देते हैं। मेरे लिए, यह काम प्रकृति और शहर के साझा तत्वों को पूरी तरह समेटे हुए है।

शिनिक स्मिथ - कोडेक्स, 2019। © शिनिक स्मिथ

मैरी लवलेस ओ’नील

सरल शब्दों में, हर मैरी लवलेस ओ’नील की पेंटिंग मुझे आश्चर्यचकित करती है। ओ’नील लगातार यह चुनौती देती हैं कि एक चित्रकारी रचना क्या हो सकती है। उनके चित्रों को देखते समय जो शब्द मन में आता है वह है भार: वह भार जो वे प्रकाश को दे पाती हैं; या वह भार जो वे प्रतीत होने वाले खाली स्थान में सांस देती हैं। उनके न्यूनतम, रेखीय कार्यों से लेकर उनके गोलाकार, मुक्त-हावभाव रंग विस्फोटों तक, बार-बार ओ’नील संतुलन और सामंजस्य की सीमाओं को परखने की अपनी इच्छा दिखाती हैं।

मैरी लवलेस ओ’नील - Beware of Chief Stewards Bearing Gifts of Fruit and Showers, 1982। कैनवास पर मिश्रित माध्यम। 81 x 138 इंच। © मैरी लवलेस ओ’नील। फोटोग्राफी: किजा लुकास, कलाकार की अनुमति से।

ओडिली डोनाल्ड ओडिता

जब भी मैं ओडिली डोनाल्ड ओडिता की कोई पेंटिंग देखता हूँ तो टूटे हुए स्थान का ख्याल आता है। यह नाइजीरियाई मूल के अमूर्त चित्रकार, जो बचपन में अपने परिवार के साथ कोलंबस, ओहायो चले गए, रंगों और आकृतियों को एक समतल तल पर एक-दूसरे के विरोध में रखने की अद्भुत क्षमता रखते हैं। इसके परिणामस्वरूप कंपन और गति की अस्थिर दृश्य दुनियाएँ खुलती हैं। अराजक और दिव्य के बीच पल्स करते हुए, उनकी पेंटिंगें गतिशीलता की उस लंबे समय से खोजी गई विरासत को आगे बढ़ाती हैं जो कम से कम पॉइंटिलिज़्म के दिनों से अमूर्त कलाकारों के लिए चिंता का विषय रही है।

ओडिली डोनाल्ड ओडिता - Phantom’s Shadow, 2018। कैनवास पर ऐक्रेलिक। 50 x 50 1/5 इंच (127 x 127.5 सेमी)। स्टीवेन्सन। © ओडिली डोनाल्ड ओडिता

सैम गिलियम

सैम गिलियम 1960 के दशक से वाशिंगटन डी.सी. के अमूर्त कला क्षेत्र में एक प्रतीकात्मक व्यक्ति रहे हैं, जब उन्होंने पहली बार अपनी विशिष्ट पद्धति विकसित की जिसमें वे सीधे बिना खींचे कैनवास पर रंग डालते थे, फिर उन्हें मोड़कर दीवार या छत से लटका देते थे। उनकी पेंटिंगें रंग और रूप को समाहित करती हैं, और विकल्प और संयोग के बीच कालातीत सहयोग को व्यक्त करती हैं। आकाशीय और तालबद्ध, उनका पारलौकिक चरित्र एक साथ सांसारिक भौतिकवाद और क्षणभंगुर आध्यात्मिकता पर निर्भर करता है।

सैम गिलियम - 10/27/69, 1969। कैनवास पर ऐक्रेलिक, स्थापना के आयाम परिवर्तनीय, अनुमानित स्थापना आयाम: 140 x 185 x 16 इंच (355.6 x 469.9 x 40.6 सेमी), न्यूयॉर्क के म्यूजियम ऑफ मॉडर्न आर्ट का संग्रह, डेविड कॉर्डान्स्की गैलरी, लॉस एंजिल्स की अनुमति से, फोटोग्राफी: फ्रेडरिक निल्सन स्टूडियो।

जैनी सी. जोन्स

मैंने जैनी सी. जोन्स को मिनिमलिस्ट कहा सुना है, शायद इसलिए क्योंकि उनकी दृश्य भाषा में बहुत सारे ज्यामितीय आकार और ठोस रंग क्षेत्र होते हैं। हालांकि, मैं उनके काम को न्यूनतम नहीं मानता। इसके विपरीत: मैं इसे परतदार और बहुआयामी मानता हूँ। जितना अधिक मैं उनकी पेंटिंगों को देखता हूँ, वे उतना ही अधिक प्रकट होती हैं। आंशिक रूप से, यह घटना इस तथ्य को दिया जा सकता है कि जोन्स अपने वस्तुओं के किसी भी हिस्से को व्यर्थ नहीं जाने देतीं—चाहे वह किनारे हों जो तराशे या रंगे गए हों, या सावधानी से छायाओं के पड़ने का विचार। वह सौंदर्यशास्त्र के अवशेषों की कुशल सृष्टिकर्ता हैं जो सूक्ष्म और गहरे अनुभव की दुनियाओं को खोलते हैं।

जैनी सी. जोन्स - Constant Structure, द आर्ट्स क्लब ऑफ़ शिकागो में, 19 मार्च - अगस्त, 2020। छवि: पियरे ले हॉर्स। © जैनी सी. जोन्स

मैकआर्थर बिनियन

जब मैंने पहली बार मैकआर्थर बिनियन की पेंटिंग देखी, तो मुझे लगा कि मैं एक सरल, आधुनिकतावादी ग्रिड देख रहा हूँ। फिर भी मुझे वह मंत्रमुग्ध और गहरा लगा। जब मैं करीब गया, तो मैंने देखा कि ग्रिड में जर्नल के पन्नों के अंश लगे हुए थे। एक अन्य पास की ग्रिड पेंटिंग, करीब से देखने पर, चेहरे की सैकड़ों छोटी-छोटी प्रतियों से बनी थी। वह चेहरा कलाकार का था; पन्ने उसके पता पुस्तिका के थे। सबसे शुद्ध और व्यक्तिगत तरीके से, बिनियन खुद को अमूर्त कला के इतिहास में डालते हैं, और ऐसा करते हुए इसकी विरासत को एक ताजा और हार्दिक स्थान में विस्तारित करते हैं।

मैकआर्थर बिनियन - Hand:Work, 2018। बोर्ड पर तेल स्टिक और कागज। 72 x 48 x 2 इंच। © मैकआर्थर बिनियन

स्टेनली व्हिटनी

स्टेनली व्हिटनी मुझे याद दिलाते हैं कि अमूर्त कला में मानवता कितनी आवश्यक है। जो कुछ भी मानवतावाद ने आधुनिकतावाद के तहत नवीनता और/या पूर्णता की सेवा में अमूर्तता से मिटा दिया, व्हिटनी उसे वापस भर देते हैं। उनके अपूर्ण, चित्रकारी ग्रिड रंग की परिचितता और रंग के स्वयं के मोहक सौंदर्य को अपनाते हैं।

स्टेनली व्हिटनी - Untitled, 2013। © स्टेनली व्हिटनी। लिसन गैलरी की अनुमति से।

फ्रैंक बोलिंग

फ्रैंक बोलिंग ऐसी पेंटिंग बनाते हैं जो रंग और बनावट के बीच छिपे अर्थों की दुनिया की ओर संकेत करती हैं। उनकी रचनाओं में अक्सर नक्शों के संदर्भ होते हैं, जो अक्सर अफ्रीका महाद्वीप के केंद्रित होते हैं। औपचारिक, अमूर्त तत्व फिर भी खुद को सामने लाने की कोशिश करते हैं—एक सूक्ष्म अभिव्यक्ति, और हर अफ्रीकी अमेरिकी अमूर्त कलाकार के सामने आने वाले मौलिक संघर्ष का अस्वीकार।

फ्रैंक बोलिंग - Elder Sun Benjamin, 2018। कैनवास पर ऐक्रेलिक और मिश्रित माध्यम। 119 5/16 x 203 9/16 इंच (303.1 x 517 सेमी)। सैन फ्रांसिस्को म्यूजियम ऑफ मॉडर्न आर्ट (SFMOMA)। © आर्टिस्ट राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क / DACS, लंदन

जेम्स लिटिल

जेम्स लिटिल ऐसी पेंटिंग बनाने में निपुण हैं जो आँख को एक साथ सब कुछ देखने नहीं देतीं। वे हमारी सरलता की इच्छा को पराजित करने में माहिर हैं। उनके कार्यों में, रंगीन प्रभाव इतने बढ़ जाते हैं कि हमें अंततः स्वीकार करना पड़ता है कि अनुभूति को स्वीकार करने की सरल खुशी अधिक महत्वपूर्ण और अधिक संतोषजनक है, जितना हम आमतौर पर खुद को विश्वास करने देते हैं।

जेम्स लिटिल - Exculpatory Evidence, 2019। लिनन पर तेल। 40 x 51 इंच (101.6 x 129.5 सेमी)। लुईस स्टर्न फाइन आर्ट्स। © जेम्स लिटिल

मुख्य छवि: ओडिली डोनाल्ड ओडिता - Heat Wave, 2018। कैनवास पर ऐक्रेलिक। 80 3/10 x 103 9/10 इंच (204 x 264 सेमी)। स्टीवेन्सन। © ओडिली डोनाल्ड ओडिता
सभी छवियाँ केवल उदाहरण के लिए उपयोग की गई हैं
फिलिप Barcio द्वारा