जॉन मोंटिथ के साथ एक साक्षात्कार
जॉन मोंटिथ का जन्म 1973 में न्यूमार्केट, ओंटारियो, कनाडा में हुआ और वह 2008 में पार्सन्स द न्यू स्कूल फॉर डिज़ाइन के MFA कार्यक्रम के स्नातक हैं। उन्होंने दुनिया भर में व्यापक यात्रा की है और वहां रहे हैं, जिसने वर्षों में उनके उत्पादन अभ्यास को प्रभावित और बदल दिया है। उनकी जटिल और रंगीन मोम और रंगों के टुकड़े परतदार ड्राफ्टिंग फिल्म पर, साथ ही उनकी मेहनत से परतदार फोटो दस्तावेज़ीकरण ने उन्हें एक मांग वाले और प्रसिद्ध अमूर्त कलाकार बना दिया है।
जॉन मोंटिथ का अंतरराष्ट्रीय स्तर पर प्रतिनिधित्व किया गया है और वह कई एकल और समूह प्रदर्शनों का केंद्र रहे हैं, जैसे: “रात में सभी बिल्लियाँ ग्रे होती हैं”, ओ'बॉर्न समकालीन, टोरंटो, ओएन; “अभी तक शीर्षक नहीं”, गैलरी वेंगर, ज्यूरिख, स्विट्ज़रलैंड; और “वेक्टर इश्यू 5”, शौ फेनस्टर, Raum für Kunst, बर्लिन, जर्मनी। उनके काम न्यू स्कूल, मैनहट्टन, न्यू यॉर्क; बीएनवाई मेलॉन, न्यू यॉर्क; और मॉरिस एंड एसोसिएट्स, लंदन, इंग्लैंड में स्थायी संग्रह का हिस्सा हैं। IdeelArt को कलाकार का साक्षात्कार लेने का सौभाग्य मिला ताकि उनके कार्य प्रक्रिया और आगामी परियोजनाओं पर चर्चा की जा सके।
आप अपने कार्य प्रक्रिया में कौन से सामग्री और तकनीकें उपयोग करते हैं? समय के साथ आपकी प्रथा कैसे बदली है?
मेरी पहले की चित्रकला प्रथा में, मैं कैनवास पर तेल का उपयोग कर रहा था और प्रतिनिधित्वात्मक रूप से काम कर रहा था, बड़े पैमाने पर आकृतियों की पेंटिंग बनाते हुए। 2005 से, मैंने माध्यम और विषय वस्तु के मामले में एक महत्वपूर्ण बदलाव किया है। मेरे काम की दिशा स्वाभाविक रूप से मेरे विचारों के साथ विकसित हुई, न केवल शहरी स्थानों के बारे में बल्कि व्यक्तिगत संबंधों और संबंधों की कई परतों के बारे में भी। मुझे हमेशा इस बात में रुचि रही है कि क्या दिखता है और क्या छिपा होता है।
2006 में, मैंने ड्राफ्टिंग फिल्म के साथ काम करना शुरू किया, इसके पारदर्शी गुणों का उपयोग करके छवियों को एक साथ परत करने के लिए। जबकि मैं अभी भी प्रतिनिधित्वात्मक रूप से काम कर रहा था, मैंने तेल पेंट का उपयोग किया, जिसे इसकी पारदर्शी प्रकृति का लाभ उठाने के लिए पतला किया गया था। मैं वास्तुकला और शहरी केंद्रों को चित्रित कर रहा था, उन स्थानों को जो मैंने देखे थे और जिनका ऐतिहासिक महत्व था, और यहां तक कि एक पुराने कार दुर्घटना के अवशेषों को भी, जिसे मैंने जापान के क्योटो में एक जंगल में देखा था, जिसमें कुछ कारें लगभग पंद्रह साल पहले एक खड़ी सड़क से उतर गई थीं। इन दृश्यों में से प्रत्येक कभी न कभी या वर्तमान में टूटने के स्थान थे। इस श्रृंखला से चित्र बनाने के लिए, मैंने प्रत्येक छवि को दो अलग-अलग ड्राफ्टिंग फिल्म की शीट्स पर दो बार चित्रित किया और फिर शीट्स को एक के ऊपर एक रखा, और रजिस्ट्रेशन को थोड़ा स्थानांतरित किया ताकि शीर्ष चित्र नीचे के चित्र से थोड़ा ऑफसेट हो, जिन्हें फिर एक छवि बनाने के लिए परत किया गया। इन दो "भागों" को एक चित्र में मिलाने से एक ऐसा काम बना जो एक रहस्यमय परिवर्तन के क्षेत्र में बना रहा, एक अर्थ में, समय में कैद गति। इन चित्रों को एक पाठ आधारित कार्यों के सूट के साथ प्रदर्शित करने के बाद, मैं अपने कला निर्माण में अधिक संक्षिप्त हो गया, अपने चित्रों और चित्रणों को बनाने के लिए एक ठोस दृष्टिकोण अपनाया, जिसने शहरी क्षेत्र के भीतर अस्थायी का संदर्भ बनाए रखा, और एक स्मृति/इतिहास संवाद जो लेखकों जैसे एंड्रियास ह्यूसेन द्वारा आगे बढ़ाया गया।
2011 में, मैंने (de) Construction/(re) Construction श्रृंखला शुरू की, जो शॉपिंग मॉल, एयरपोर्ट टर्मिनल और अन्य सार्वजनिक स्थानों जैसे दरवाजों और हॉलवे के बीच के स्थानों की फोटो दस्तावेज़ीकरण से बनाई गई थीं। मैंने इन "जंक स्पेस" में मौजूद प्रकाश और छायाओं के आकारों का उपयोग करके ये पेंटिंग बनाई, यह एक शब्द है जिसे रेम कूलहास ने गढ़ा और इसके बारे में लिखा। ये "कोई स्थान" स्थान हैं जहाँ हम अपना अधिकांश समय एक स्थान से दूसरे स्थान पर जाने में बिताते हैं। मेरी पिछली पेंटिंग्स के समूह के समान, मैंने दो समान परतें पेंट करने की वही रणनीति का उपयोग किया, लेकिन इस बार जब मैंने परतों को एक साथ रखा, तो मैंने उन्हें पेंटिंग को पूरा करने से पहले इच्छित स्थिति में स्थानांतरित कर दिया, कुछ तत्वों को बाहर खींचते और वापस धकेलते हुए।
इन पेंटिंग्स को पूरा करते समय, मैंने उन्हें अपारदर्शी सफेद प्लेक्सी-ग्लास पर माउंट किया, जिसे प्रत्येक पेंटिंग के आयामों के अनुसार हाथ से काटा गया। इससे मुझे पारंपरिक पेंटिंग की तरह दीवार पर टांगने की अनुमति मिली, लेकिन वैकल्पिक रूप से पेंटिंग्स को स्कल्प्चरल रूप में सोचने का भी मौका मिला, प्रत्येक टुकड़े को अपने स्वयं के स्टैंड पर लटकाकर। इस तरह से काम को स्थापित करने से कार्यों के बीच नए भौतिक संबंध बने, जबकि गैलरी की वास्तुकला का संदर्भ देते हुए और देखने के "एक से एक" दृष्टि रेखा को बदलते हुए, इस प्रकार पेंटिंग्स के अनुभव की प्रकृति को बदल दिया। इस तरह से मेरे काम अलग-अलग संघटन लेते हैं। मैं हमेशा परतों में रुचि रखता था, लेकिन मैं एक सामग्री का उपयोग करके दूसरी सामग्री का संदर्भ देने में भी रुचि रखता हूं, इस मामले में मेरी पेंटिंग्स को स्कल्प्चर्स के रूप में स्थापित किया गया। विभिन्न पेंटिंग्स ड्रॉइंग्स की तरह दिख सकती हैं, और फोटोग्राफ्स और ड्रॉइंग्स पेंटिंग्स की तरह दिख सकते हैं। मेरी रचनात्मक प्रक्रिया में प्रत्येक कदम अंतिम काम में दृश्य रूप से प्रकट होता है; निशान हमेशा पठनीय होते हैं। मेरे लिए, यहीं सामग्री निहित है। हमारे शहरों में, यह परिदृश्य तब सामने आता है जब हम अतीत के सबूत और निशान खोजते हैं, जो वर्तमान की परत के भीतर छिपे होते हैं।
मैंने पिछले दो साल बर्लिन में बिताए, ऐसे चित्र बनाते हुए जो जैविक रूप से विकसित हुए, इसके विपरीत मेरी पिछली फोटोग्राफिक संदर्भों के उपयोग के। मैं विशेष रूप से शहर के पुनर्निर्माण, इसकी स्थलाकृति और साथ ही शहर के "खाली स्थानों" पर ध्यान दे रहा था जो अतीत के निशान बनाए रखते हैं। इस शोध से, मैंने चित्रों के आपस में जुड़े समूह बनाए जो एक साथ देखने पर एक-दूसरे को सूचित करते हैं, साथ ही ऐसा काम जो शहर के केंद्र में हो रहे वास्तुशिल्प पुनर्निर्माण पर विचार करता है।
एक काम में आमतौर पर कितना समय लगता है?
यह वास्तव में निर्भर करता है। जब मैं बर्लिन में था, तो मैं आमतौर पर सप्ताह में छह दिन अपने स्टूडियो में होता था। यह कहना मुश्किल है कि किसी काम में कितना समय लगेगा, क्योंकि मैं एक साथ कई टुकड़ों पर काम करने की प्रवृत्ति रखता हूँ। मेरी प्रक्रिया में, मैं बहुत पतली पेंट से शुरू करता हूँ और फिर धीरे-धीरे इसे बढ़ाता हूँ या मेरे ड्रॉइंग के मामले में, मैं अक्सर अपने काम के लिए अपने दृष्टिकोण को अंतिम रूप देने से पहले कुछ हफ्ते परीक्षण करने में बिताता हूँ। मूल रूप से, मेरी प्रक्रिया एक धीमी श्रम-गहन प्रक्रिया है।
आपके काम के लिए क्या आवश्यक है?
मेरी प्रैक्टिस मुझे कई शहरों में ले गई है, न केवल रहने के लिए बल्कि शोध के लिए भी। हर बार जब मैं स्थानांतरित होता हूँ, यह मेरे काम को प्रभावित और बदलता है। ये स्थान उन तरीकों के लिए उत्प्रेरक हैं जिनसे मैं कला बनाने के बारे में सोचता हूँ और अपने प्रक्रिया को कैसे निष्पादित करता हूँ। नए सोचने और बनाने के तरीके उभरते हैं जैसे पुराने आदतें टूटती और हिलती हैं।
आपको कैसे पता चलता है कि कोई काम खत्म हो गया है?
मैं वास्तव में इस तरह से अस्पष्ट तरीके से काम नहीं करता; यह मेरे लिए स्पष्ट है। यह कभी भी सवाल नहीं रहा कि मुझे काम को हल करने के लिए अगला क्या करना है। मेरे लिए सबसे बड़ा सवाल यह है कि मैं शो में अन्य टुकड़ों के साथ प्रत्येक टुकड़े को संदर्भ में कैसे रखूं, और काम को कैसे स्थापित किया जाना है? ये हमेशा सबसे कठिन सवाल होते हैं क्योंकि मैं यह विचार करता हूं कि मेरा काम कैसे पढ़ा जाएगा और प्रदर्शनी स्थान इस पठनीयता को कैसे प्रभावित करेगा। अपने चुने हुए सामग्री के साथ काम करते समय, फ्रेमिंग भी एक विचार है। फ्रेमिंग मेरे काम को बना या बिगाड़ सकती है। मुझे उन फ्रेमर्स के साथ काम करना पसंद है जिन पर मैं भरोसा करता हूं जो अपनी अंतर्दृष्टि और विचार पेश कर सकते हैं।
कला बनाने के लिए एक भौतिक स्थान होना आपके प्रक्रिया के लिए क्या अर्थ रखता है, और आप अपने स्टूडियो स्थान को अपने लिए कैसे काम करते हैं?
मेरे स्टूडियो को एक एकांत और शांत स्थान होना चाहिए। मैं स्थान के मामले में लचीला हूं, लेकिन स्टूडियो की जगह कुछ मानदंडों को निर्धारित करती है, विशेष रूप से पैमाने के संदर्भ में और यह कि काम करने के लिए कितना बड़ा संभव है। यदि आपके पास एक छोटा स्थान है, तो आपका काम आपके स्टूडियो में दीवारों पर लटकने के बाद एक बड़े गैलरी में की तुलना में बहुत बड़ा दिखेगा।
क्या ऐसी कोई चीज़ है जिस पर आप वर्तमान में काम कर रहे हैं, या जिसे शुरू करने के लिए उत्सुक हैं, जिसके बारे में आप मुझे बता सकते हैं?
वर्तमान में, मैं हैलिफ़ैक्स, कनाडा में हूँ, नए लूम वॉवन कार्यों के लिए फाइबर-आधारित कला प्रथाओं पर कुछ शोध कर रहा हूँ। बर्लिन में रहते हुए, मैं अपनी पारंपरिक प्रथा को बढ़ाने और नए माध्यमों को शामिल करने में बढ़ती रुचि रखने लगा—मैं अभी भी पेंटिंग करूंगा, लेकिन बस एक अलग तरीके से।
आप कला की दुनिया में कैसे नेविगेट करते हैं?
मुझे लगता है कि दबावों से निपटने का सबसे अच्छा तरीका यह है कि आप अपने स्टूडियो में जितना संभव हो सके समय बिताएं और काम करते रहें। आगे बढ़ने की प्रक्रिया में एक निश्चित सांत्वना होती है जो आपके लिए चुनौतीपूर्ण होती है। मैं विभिन्न पाठों और कला प्रकाशनों को पढ़ता हूं जो सांस्कृतिक सिद्धांत और जांच की ओर केंद्रित होते हैं, न कि सीधे प्रदर्शनी समीक्षाओं या कला बाजार को समर्पित लेखों की ओर। यह भी मदद करता है कि मेरे चारों ओर मेरी समुदाय हो—मेरे पास बर्लिन, न्यूयॉर्क और टोरंटो में समूह हैं—जो कलाकारों, क्यूरेटरों, लेखकों, डिजाइनरों, संगीतकारों और डीजे से बने हैं जो मेरे काम का समर्थन करते हैं जैसे मैं उनके काम का समर्थन करता हूं। उनके साथ बातचीत में शामिल होना और बस उनके साथ उपस्थित रहना मुझे कलाकार होने के दबावों से निपटने में बहुत मदद करता है।
जब आप कला की दुनिया में कदम रखे थे, तब आपको जो सबसे अच्छा सलाह दी गई थी, वह क्या थी? युवा उभरते कलाकारों के लिए आपके पास क्या सलाह है?
"मुझे जो सबसे अच्छा सलाह मिली, वह मार्था रोस्लर से थी, जिन्होंने कहा, 'कभी भी किसी पर अपने करियर का भरोसा मत करो। आपको हमेशा यह देखना चाहिए कि आप कैसे प्रस्तुत किए जा रहे हैं, और जो लोग आपका प्रतिनिधित्व कर रहे हैं, वे आपके काम के चारों ओर बातचीत को कैसे ढाल रहे हैं।'"
क्या आप किसी आगामी शो या कार्यक्रम में शामिल हैं? कहाँ और कब?
मैं 24 अक्टूबर 2015 से 9 जनवरी तक स्विट्ज़रलैंड के ज़्यूरिख़ में गैलरी वेंगर में एक समूह प्रदर्शनी का हिस्सा बनूंगा। मेरे पास कुछ अन्य परियोजनाएँ भी हैं जो विकास के प्रारंभिक चरण में हैं।
विशेष छवि: मेमोरियल डे इंस्टॉलेशन O’बॉर्न कंटेम्पररी, टोरंटो 2012 - कलाकार की अनुमति से
