जॉन मोंटिथ के साथ एक साक्षात्कार
जॉन मोंटीथ का जन्म 1973 में न्यूमार्केट, ओंटारियो, कनाडा में हुआ था और उन्होंने 2008 में पार्सन्स द न्यू स्कूल फॉर डिज़ाइन के एमएफए कार्यक्रम से स्नातक किया है। उन्होंने दुनिया भर में व्यापक यात्रा की है और विभिन्न स्थानों में निवास किया है, जिसने वर्षों में उनके निर्माण कार्य को प्रभावित और परिवर्तित किया है। उनकी जटिल और रंगीन मोम और रंगों की परतदार ड्राफ्टिंग फिल्म पर बनी कृतियाँ, साथ ही उनकी सावधानीपूर्वक परतदार फोटो दस्तावेज़ीकरण, उन्हें एक मांग वाले और प्रसिद्ध अमूर्त कलाकार बनाते हैं।
जॉन मोंटीथ का अंतरराष्ट्रीय स्तर पर प्रतिनिधित्व किया गया है और वे कई एकल और समूह प्रदर्शनों के केंद्र रहे हैं, जैसे: “रात में सभी बिल्लियाँ धूसर होती हैं”, ओ’बॉर्न कंटेम्परेरी, टोरंटो, ओएन; “अभी तक शीर्षकित नहीं”, गैलरी वेनजर, ज्यूरिख, स्विट्ज़रलैंड; और “वेक्टर अंक 5”, शाउ फेनस्टर, राउम फ्यूर कुन्स्ट, बर्लिन, जर्मनी। उनके कार्य न्यू स्कूल, मैनहट्टन, न्यूयॉर्क; बीएनवाई मेलोन, न्यूयॉर्क; और मॉरिस एंड एसोसिएट्स, लंदन, इंग्लैंड के स्थायी संग्रहों का हिस्सा हैं। IdeelArt को कलाकार का साक्षात्कार करने का सौभाग्य प्राप्त हुआ ताकि उनके कार्य प्रक्रिया और आगामी परियोजनाओं पर चर्चा की जा सके।
आप अपनी कार्य प्रक्रिया में कौन-कौन से सामग्री और तकनीकें उपयोग करते हैं? आपका अभ्यास समय के साथ कैसे बदला है?
मेरे प्रारंभिक चित्रकला अभ्यास में, मैं कैनवास पर तेल रंग का उपयोग करता था और प्रतिनिधित्वात्मक रूप से काम करता था, बड़े पैमाने पर आकृतिपूर्ण चित्र बनाता था। 2005 से, मैंने माध्यम और विषय वस्तु दोनों में महत्वपूर्ण बदलाव किया है। मेरे कार्य की दिशा स्वाभाविक रूप से मेरे विचारों के साथ विकसित हुई, न केवल शहरी स्थानों के बारे में बल्कि व्यक्तिगत संबंधों और संबंधों की कई परतों के बारे में भी। मैं हमेशा इस बात से मोहित रहा हूँ कि क्या दिखता है और क्या छिपा होता है।
2006 में, मैंने ड्राफ्टिंग फिल्म के साथ काम करना शुरू किया, इसकी पारदर्शी विशेषताओं का उपयोग करके छवियों को परतों में जोड़ने के लिए। अभी भी प्रतिनिधित्वात्मक रूप से काम करते हुए, मैं तेल रंग का उपयोग करता था, जिसे पतला किया जाता था ताकि इसकी पारदर्शिता का लाभ उठाया जा सके। मैं वास्तुकला और शहरी केंद्रों की पेंटिंग करता था, उन स्थानों की जो मैंने यात्रा किए थे और जिनका ऐतिहासिक महत्व था, और यहां तक कि क्योटो, जापान के जंगल में एक पुराने कार दुर्घटना के अवशेष भी, जिसमें लगभग पंद्रह साल पहले कुछ कारें एक खड़ी सड़क से नीचे गिर गई थीं। ये सभी दृश्य कभी या वर्तमान में टूटने के स्थान थे। इस श्रृंखला की पेंटिंग बनाते समय, मैं प्रत्येक छवि को दो अलग-अलग ड्राफ्टिंग फिल्म की शीटों पर दो बार पेंट करता था और फिर उन शीटों को एक के ऊपर एक रखता था, और रजिस्ट्रेशन को इस तरह से स्थानांतरित करता था कि ऊपर की पेंटिंग नीचे की पेंटिंग से थोड़ा हटकर हो, जिससे एक छवि बनती थी। इन दो “भागों” को एक पेंटिंग में मिलाने से एक ऐसा कार्य बनता था जो एक रहस्यमय परिवर्तनशील क्षेत्र में टिका रहता था, एक तरह से समय में फंसी गति। इन पेंटिंग्स को एक पाठ आधारित कार्यों के समूह के साथ प्रदर्शित करने के बाद, मैं अपने कला निर्माण में अधिक संक्षिप्त हो गया, एक ठोस दृष्टिकोण अपनाया, जो शहरी क्षेत्र के भीतर अस्थायी संदर्भ और एंड्रियास ह्यूसन जैसे लेखकों द्वारा प्रस्तुत स्मृति/इतिहास की चर्चा को बनाए रखता था।
2011 में, मैंने (डि) कंस्ट्रक्शन/(री) कंस्ट्रक्शन श्रृंखला शुरू की, जो शॉपिंग मॉल, हवाई अड्डे के टर्मिनल और अन्य सार्वजनिक स्थानों के द्वारों और गलियारों जैसे अंतराल स्थानों की फोटो दस्तावेज़ीकरण से बनाई गई थी। मैंने इन पेंटिंग्स को उन “कचरा स्थानों” में मौजूद प्रकाश और छाया के आकारों का उपयोग करके बनाया, एक शब्द जिसे रेम कूलहास ने गढ़ा और लिखा है। ये “कोई स्थान नहीं” वाले स्थान हैं जहाँ हम अपना अधिकांश समय यात्रा करते हुए बिताते हैं, बिंदु ए से बिंदु बी तक। मेरी पिछली पेंटिंग्स की तरह, मैंने दो समान परतों की पेंटिंग की रणनीति का उपयोग किया, लेकिन इस बार जब मैंने परतों को एक साथ रखा, तो मैं उन्हें इच्छित स्थिति में स्थानांतरित करता था, कुछ तत्वों को बाहर निकालता और पीछे धकेलता था।
इन पेंटिंग्स को पूरा करते समय, मैंने उन्हें अपारदर्शी सफेद प्लेक्सी-ग्लास पर माउंट किया, जो प्रत्येक पेंटिंग के आयामों के अनुसार हाथ से काटा गया था। इससे मुझे इन कृतियों को दीवार पर पारंपरिक पेंटिंग की तरह लटकाने की अनुमति मिली, लेकिन वैकल्पिक रूप से पेंटिंग्स को मूर्तिकला के रूप में सोचने के लिए, प्रत्येक कृति को उसके अपने स्टैंड पर लटकाने की अनुमति मिली। इस तरह से कार्य को स्थापित करने से कृतियों के बीच नए भौतिक संबंध बने, जबकि गैलरी की वास्तुकला का संदर्भ देते हुए और देखने की “एक से एक” दृष्टि रेखा को बदलते हुए, जिससे पेंटिंग्स के अनुभव की प्रकृति बदल गई। मेरे कार्य इस तरह विभिन्न संबद्धताएँ ग्रहण करते हैं। मैं हमेशा परतों में रुचि रखता हूँ, लेकिन मैं एक सामग्री का उपयोग दूसरी सामग्री के संदर्भ के लिए भी करता हूँ, इस मामले में मेरी पेंटिंग्स को मूर्तिकला के रूप में स्थापित करना। विभिन्न पेंटिंग्स ड्राइंग्स की तरह दिख सकती हैं, और फ़ोटोग्राफ़ और ड्राइंग्स पेंटिंग्स की तरह दिख सकते हैं। मेरी रचनात्मक प्रक्रिया का प्रत्येक चरण अंतिम कार्य में दृश्य रूप से प्रकट होता है; निशान हमेशा पठनीय होते हैं। मेरे लिए, यही सामग्री का स्थान है। हमारे शहरों में, यह स्थिति तब सामने आती है जब हम वर्तमान की परत के भीतर छिपे अतीत के प्रमाण और निशान खोजते हैं।
मैंने पिछले दो वर्ष बर्लिन में बिताए, जहाँ मैंने ड्राइंग्स बनाए जो जैविक रूप से विकसित हुए, न कि मेरी पिछली फ़ोटोग्राफ़िक संदर्भों के उपयोग की तरह। मैं विशेष रूप से शहर के पुनर्निर्माण, उसकी स्थलाकृति और शहर के “रिक्त स्थानों” पर ध्यान दे रहा था जो अतीत के निशान बनाए रखते हैं। इस शोध से, मैंने आपस में जुड़े ड्राइंग समूह बनाए जो एक साथ देखने पर एक-दूसरे को सूचित करते हैं, साथ ही ऐसा कार्य जो शहर के केंद्र में हो रहे वास्तुशिल्प पुनर्निर्माण पर विचार करता है।
एक कार्य पूरा होने में आमतौर पर कितना समय लगता है?
यह वास्तव में निर्भर करता है। जब मैं बर्लिन में था, तो मैं आमतौर पर सप्ताह में छह दिन अपने स्टूडियो में होता था। यह कहना मुश्किल है कि एक कार्य में कितना समय लगेगा, क्योंकि मैं एक साथ कई कृतियों पर काम करता हूँ। मेरी प्रक्रिया में, मैं बहुत पतले रंग से शुरू करता हूँ और फिर धीरे-धीरे उसे बढ़ाता हूँ या मेरी ड्राइंग्स के मामले में, मैं अक्सर कुछ सप्ताह परीक्षण करने में बिताता हूँ इससे पहले कि मैं कार्य के लिए अपनी विधि को अंतिम रूप दूं। मूल रूप से मेरी प्रक्रिया धीमी और श्रमसाध्य है।
आपके कार्य के लिए क्या आवश्यक है?
मेरा अभ्यास मुझे कई शहरों में ले गया है, जहाँ मैं रहता हूँ और शोध करता हूँ। हर बार जब मैं स्थानांतरित होता हूँ, तो यह मेरे कार्य को प्रभावित और बदल देता है। ये स्थान मेरे कला निर्माण के तरीकों और मेरी प्रक्रिया को लागू करने के तरीकों के उत्प्रेरक हैं। नए सोचने और बनाने के तरीके उभरते हैं जब पुराने आदतें टूटती और हिलती हैं।
आप कैसे जानते हैं कि कोई कार्य पूरा हो गया है?
मैं वास्तव में इतनी अस्पष्ट तरीके से काम नहीं करता; मेरे लिए यह स्पष्ट होता है। कभी यह सवाल नहीं होता कि कार्य को पूरा करने के लिए मुझे अगला क्या करना है। मेरे लिए सबसे बड़ा सवाल यह होता है कि मैं प्रत्येक कृति को प्रदर्शनी में अन्य कृतियों के साथ संदर्भित कैसे रखूं, और कार्य को कैसे स्थापित किया जाए? ये हमेशा सबसे कठिन सवाल होते हैं क्योंकि मैं सोचता हूँ कि मेरा कार्य कैसे पढ़ा जाएगा और प्रदर्शनी स्थान इस पठनीयता को कैसे प्रभावित करेगा। अपने चुने हुए सामग्री के साथ काम करते हुए, फ्रेमिंग भी एक विचार है। फ्रेमिंग मेरे कार्य को बना या बिगाड़ सकती है। मैं उन फ्रेमरों के साथ काम करना पसंद करता हूँ जिन पर मुझे भरोसा है और जो अपनी अंतर्दृष्टि और विचार प्रदान कर सकते हैं।
कला बनाने के लिए एक भौतिक स्थान का होना आपके प्रक्रिया के लिए क्या मायने रखता है, और आप अपने स्टूडियो स्थान को अपने लिए कैसे काम करते हैं?
मेरा स्टूडियो एकांत और शांत स्थान होना चाहिए। मैं स्थान के प्रति लचीला हूँ, लेकिन स्टूडियो स्थान कुछ सीमाएँ निर्धारित करता है, विशेष रूप से पैमाने के संदर्भ में और यह कि कितना बड़ा काम संभव है। यदि आपके पास छोटा स्थान है, तो एक कार्य आपके स्टूडियो में बहुत बड़ा दिखेगा जितना कि वह बड़े गैलरी की दीवारों पर लटकने पर दिखेगा।
क्या आप वर्तमान में किसी परियोजना पर काम कर रहे हैं, या कोई ऐसी शुरुआत के लिए उत्साहित हैं जिसके बारे में आप मुझे बता सकते हैं?
वर्तमान में, मैं हैलिफ़ैक्स, कनाडा में हूँ, जहाँ मैं नए ताने-बाने वाले कार्यों के लिए रेशे आधारित कला अभ्यास पर शोध कर रहा हूँ। बर्लिन में रहते हुए, मैं अपनी पारंपरिक प्रक्रिया को बढ़ाने और नए माध्यमों को शामिल करने में अधिक रुचि लेने लगा था—मैं अभी भी पेंटिंग करूँगा, लेकिन बस एक अलग तरीके से।
आप कला जगत में कैसे नेविगेट करते हैं?
मुझे लगता है कि दबावों से निपटने का सबसे अच्छा तरीका है कि आप अपने स्टूडियो में जितना संभव हो उतना समय बिताएं और काम बनाते रहें। ऐसी प्रक्रिया में आगे बढ़ने में एक प्रकार की शांति होती है जो आपके लिए चुनौतीपूर्ण हो। मैं विभिन्न ग्रंथ और कला प्रकाशन पढ़ता हूँ जो सांस्कृतिक सिद्धांत और जांच पर केंद्रित होते हैं, सीधे प्रदर्शनी समीक्षाओं या कला बाजार को समर्पित लेखों के बजाय। मेरे समुदाय का होना भी मदद करता है—मेरे पास बर्लिन, न्यूयॉर्क और टोरंटो में समूह हैं—जो कलाकारों, क्यूरेटरों, लेखकों, डिजाइनरों, संगीतकारों और डीजे से बने हैं जो मेरे कार्य का समर्थन करते हैं जैसे मैं उनका करता हूँ। उनके साथ बातचीत में शामिल होना और उनके साथ उपस्थित रहना मुझे कलाकार होने के दबावों से निपटने में बहुत मदद करता है।
जब आप कला जगत में उभरे थे तो आपको सबसे अच्छा क्या सलाह मिली? युवा उभरते कलाकारों के लिए आपकी क्या सलाह है?
मुझे सबसे अच्छी सलाह मार्था रॉसलर से मिली, जिन्होंने कहा, “अपने करियर के साथ किसी पर भी कभी भरोसा मत करो। आपको हमेशा यह ध्यान रखना होगा कि आपकी प्रतिनिधित्व कैसे हो रही है, और जो लोग आपकी ओर से बात कर रहे हैं वे आपके कार्य के बारे में बातचीत को कैसे ढाल रहे हैं।”
क्या आप किसी आगामी प्रदर्शनी या कार्यक्रम में शामिल हैं? कहाँ और कब?
मैं स्विट्ज़रलैंड के ज्यूरिख में गैलरी वेनजर में एक समूह प्रदर्शनी का हिस्सा रहूँगा, जो 24 अक्टूबर 2015 से 9 जनवरी तक चलेगी। मेरे पास कुछ अन्य परियोजनाएँ भी हैं जो विकास के प्रारंभिक चरण में हैं।
प्रदर्शित छवि: मेमोरियल डे इंस्टॉलेशन ओ’Born Contemporary, Toronto 2012 - कलाकार की अनुमति से
