अवधारणाओं के तत्व - Elizabeth Gourlay का एक साक्षात्कार

Elizabeth Gourlay अपने कार्य को आकृतियों और रंगों पर एक ध्यान साधना मानती हैं, कभी-कभी अपने स्टूडियो अभ्यास की तुलना संगीत रचना की प्रक्रिया से करती हैं। तेल रंगों से लेकर ग्रेफाइट और कोलाज तक विभिन्न माध्यमों के मिश्रण का उपयोग करते हुए, Gourlay अमूर्त रचनाएँ बनाती हैं जो प्रकृति और ज्यामिति के बीच एक सुंदर संतुलित सौंदर्यशास्त्र की भाषा का संदर्भ देती हैं। चेस्टर, कनेक्टिकट की निवासी Gourlay के इस महीने न्यूयॉर्क, कनेक्टिकट और मैसाचुसेट्स में चार समूह प्रदर्शनों में काम शामिल है। IdeelArt को उनके अभ्यास, उनके प्रदर्शनी कैलेंडर और उनके नए कार्यों के बारे में उनसे बातचीत करने का अवसर मिला।

Elizabeth Gourlay साक्षात्कार - हाल की प्रदर्शनियाँ और गतिविधियाँ

IdeelArt: आपका महीना व्यस्त है! इस महीने आप चार अलग-अलग शहरों में चार समूह प्रदर्शनों में हैं। जब आप ऐसे समय में होते हैं, जब कई अलग-अलग दर्शकों को आपके कार्य से मिलने का अवसर मिलता है, तो क्या आप फिर भी स्टूडियो में सक्रिय रहने का समय निकालती हैं या आप गैलरियों में जाकर उन दर्शकों के साथ बातचीत करना और उनके प्रतिक्रिया को समझना पसंद करती हैं?

Elizabeth Gourlay: यह पहली बार है जब मेरे पास एक साथ इतनी सारी गतिविधियाँ हैं। यह रोमांचक है लेकिन मैं इतनी आदत हो गई हूँ कि व्यक्तिगत प्रदर्शनों को पूरी तरह ध्यान देती हूँ, अब मुझे एक उद्घाटन छोड़कर दूसरे में जाना पड़ा। लेकिन एक बार जब कला कृति पहुंचा दी जाती है, तो समय मेरा अपना हो जाता है। भले ही मैं थोड़े समय के बाद स्टूडियो में जाने के लिए बहुत उत्सुक होती हूँ, मैं गैलरी में होने वाली बातचीत का भी आनंद लेती हूँ, उद्घाटनों और अन्य गैलरी कार्यक्रमों के दौरान साथी कलाकारों और मित्रों से बात करना। अमूर्त कला एक भाषा है, और दर्शकों, विशेष रूप से कलाकारों और मित्रों के साथ बातचीत, उन नए अभिव्यक्तियों में दृढ़ता की भावना बनाती है जिन्हें हम खोज रहे हैं।

IA: इस महीने आपकी प्रदर्शनियाँ शांत, ग्रामीण स्थानों जैसे कि लेकविल, कनेक्टिकट में The Tremaine Gallery में हैं, साथ ही घनी आबादी वाले शहरी केंद्रों जैसे मिडटाउन मैनहट्टन में 1285 Avenue of the Americas Gallery में भी। इतने भिन्न वातावरणों में दर्शकों ने आपके कार्य पर अलग-अलग किस प्रकार प्रतिक्रिया दी?

E.G. दोनों ही मामलों में, दर्शक दृष्टि से परिपक्व थे और लगे हुए तथा सकारात्मक प्रतीत हुए। न्यूयॉर्क शहर में, वे आमतौर पर अधिक मुखर थे, सवाल पूछते और अपनी राय अधिक सहजता से व्यक्त करते थे। मुझे लगता है कि न्यूयॉर्क के दर्शक आमतौर पर कृतियों के और करीब जाते थे!

IA: दर्शकों के साथ बातचीत या अन्य प्रकार की बातचीत ने आपके अभ्यास की दिशा को कैसे प्रभावित किया है?

E.G. मैं दर्शकों की प्रतिक्रियाओं से प्रभावित होने की कोशिश नहीं करती, हालांकि, अनिवार्य रूप से, यदि प्रतिक्रिया उस नए मार्ग के प्रति सकारात्मक होती है जिसके लिए मैं उत्साहित हूँ, तो वह मुझे उस मार्ग को आगे खोजने के लिए प्रेरित करती है। विभिन्न मतों का अनुभव करना और यह जानना कि लोग अलग-अलग कृतियों की ओर क्यों आकर्षित होते हैं, हमेशा रोचक होता है।

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013। कागज पर मोनोटाइप। 40.6 x 38.1 सेमी।

अतीत और वर्तमान

IA: आज आप जो कार्य बना रही हैं वह पिछले कार्यों से कैसे भिन्न है?

E.G. मेरा कार्य, लगभग 1994 से, अक्सर ग्रिड-आधारित और वर्गाकार प्रारूप में था। यह रंगों की परतों और खींची गई रेखाओं में बना था। लगभग 2005 के आसपास, मैंने अधिक साहसिक ज्यामितीय आकृतियों और गहरे रंगों के साथ प्रयोग करना शुरू किया। तब से, मैं साहसिक, मजबूत आकृति और रंग तथा अधिक नाजुक और मद्धम कार्य के बीच आगे-पीछे जाती रही हूँ, कभी-कभी दोनों को मिलाकर। कृतियाँ अक्सर समान प्रारंभ से शुरू होती हैं लेकिन अंत में बहुत भिन्न हो सकती हैं। शायद सबसे बड़ा बदलाव वह स्वतंत्रता है जो मैं निर्माण प्रक्रिया में खुद को देती हूँ।

IA: आप कभी-कभी अपने कार्य के बारे में ध्यान का उल्लेख करती हैं। क्या आप विस्तार से बता सकती हैं कि यह शब्द आपके कला से संबंधित क्या अर्थ रखता है? उदाहरण के लिए, क्या आप कार्य बनाने की प्रक्रिया को ध्यानमय मानती हैं? क्या आप तैयार कृति को दर्शकों के लिए एक संभावित ध्यानमय माध्यम मानती हैं?

E.G. मैं प्रक्रिया को ध्यानमय मानती हूँ। मैं कोशिश करती हूँ कि स्टूडियो में बहुत सारे विचार न लाऊं, शायद एक रंग या आकृति का विचार। जैसे ही मैं काम शुरू करती हूँ, मैं अपने अंदर की दृष्टि, अवचेतन मन को काम पर प्रतिक्रिया देने और उस मायावी मानसिक तत्व को पकड़ने देती हूँ जो दूर हो सकता है और फिर भी इतना उपस्थित होता है। आमतौर पर, मेरा सबसे अच्छा कार्य तब होता है जब मेरा सोच साफ होता है, जब मैं कार्य के साथ तालमेल में होती हूँ। चाहे सीधे चित्रण कर रही हूँ या रंग की परतें लगा रही हूँ, मुझे यह अनुभव पसंद है कि कृति उभरती है। मैं इसे पॉल क्ले से बेहतर नहीं कह सकती जिन्होंने कहा था: “मेरा हाथ पूरी तरह से एक दूरस्थ क्षेत्र का उपकरण है।” मैं किसी और के अनुभव के लिए कुछ बनाने का इरादा नहीं रखती, फिर भी मैं उनकी प्रतिक्रिया और व्याख्या के लिए खुली हूँ। मैंने ऐसे लोगों से सुना है जो कृति के साथ रहते हैं कि कृति को देखकर उन्हें शांति, शांत आनंद मिलता है, या कि कृति उन्हें स्थिरता प्रदान करती है। इसलिए मुझे यकीन है कि तैयार कृतियों को ध्यानमय माध्यम मानना बहुत सही है, लेकिन मैं इसे उन लोगों पर छोड़ती हूँ जो कृतियों के साथ रहते हैं और जो मन और ध्यान के विशेषज्ञ हैं, वे इसका सर्वोत्तम मूल्यांकन करेंगे। यदि कोई प्रतीक, या ध्यानमय माध्यम, वह वस्तु है जो शांत आनंद या स्थिरता प्रदान करती है, तो हाँ, मुझे अक्सर बताया जाता है कि मेरी कृतियों में ये प्रभाव होते हैं।

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014। कागज पर मोनोटाइप। 38.1 x 40.6 सेमी।

प्रक्रिया के बारे में

IA: वासिली कैंडिंस्की ने संगीत और उसकी भावना संप्रेषित करने की क्षमता के बारे में लिखा था। आप भी संगीत और अपने कार्य के बीच संबंध बनाती हैं। एक संबंध यह है कि आपकी रेखाओं और रंगों की दृश्य भाषा को संगीत के स्वरूपों के संदर्भ में समझा जा सकता है। आपके प्रक्रिया या कृतियाँ संगीत रचना के साथ और किन तरीकों से समानताएँ साझा करती हैं?

EG: मैं सचेत रूप से संगीत या संगीत रचना के बारे में नहीं सोचती। फिर भी इतने सारे लोग जो संगीत से यह संबंध बनाते हैं, इसका कोई न कोई कारण होगा। मैं अक्सर काम करते समय संगीत सुनती हूँ और बचपन में पियानो बजाना सीखा था, इसलिए यह कार्य को प्रभावित कर सकता है। मैं एक तरह से “रचना” कर रही हूँ जो संगीत रचना के समान लग सकती है, खासकर बार, रेखाओं और रंग के ब्लॉकों के साथ खेलने की प्रक्रिया में। इन्हें चित्रपट पर इधर-उधर करना नोट्स और कॉर्ड्स को स्कोर के विभिन्न स्थानों पर रखने जैसा है।

IA: अपने प्रक्रिया के बारे में थोड़ा बताएं, विशेष रूप से कोलाज के साथ आपके संबंध के बारे में। उदाहरण के लिए, आपके कार्य में कागज की परतें लगाने की प्रक्रिया आपको चित्रकारी की प्रक्रिया से कैसे अलग प्रभावित करती है?

EG: अधिकतर, मेरी चित्रकारी प्रक्रिया, चाहे कागज पर हो या लिनन पर, बहुत सीधे होती है। आमतौर पर, मैं रेखाएँ खींचने से शुरू करती हूँ, फिर रंग की परतें लगाती हूँ, उसके बाद आकृतियों के तत्व। मैं खुद को एक मजबूत अप्रत्याशित आकृति या अपने सामान्य रंगपटल से अलग रंग से आश्चर्यचकित करने की कोशिश करती हूँ। मैं इन्हें इधर-उधर करती हूँ, रंग और रूप के बीच संतुलन पाने की कोशिश करती हूँ। यह चरण एक नृत्य जैसा लगता है जो चलता रहता है, जहाँ औपचारिकता थोड़ी देर के लिए आती है और मैं उसके खिलाफ धकेलती हूँ। यह निर्णय कि इन साहसिक हस्तक्षेपों को शामिल करना है या नहीं, एक ऐसी गतिशीलता है जो मुझे हफ्तों तक किसी कृति के साथ जुड़ा रख सकती है। कोलाज कृतियाँ रंग के साथ खेलने से शुरू होती हैं, जापानी कागज पर स्याही से किनारों को रंगना और रेखाएँ खींचना, फिर इन्हें पट्टियों में काटना। मैं इन्हें सावधानी से लेकिन बिना किसी पूर्वनिर्धारित रचना या संरचना के कैनवास या लिनन पर चिपकाती हूँ। जैसे-जैसे कृति विकसित होती है, मैं विश्लेषण करना शुरू करती हूँ ताकि संपादक को फिर से कमरे में आने दूँ, रंग या आकृति को समायोजित करूँ जब तक कि कृति सही न लगे।