ज्यामितीय अमूर्तन: Malevich और Mondrian की एक और नायकवादी कहानी नहीं

क्यों सीधे रेखाएँ अभी भी महत्वपूर्ण हैं

ज्यामितीय अमूर्तता उन कला इतिहासों में से एक है जिसे हर कोई जानता समझता है। Malevich के कुछ वर्ग, प्राथमिक रंगों में एक Mondrian, कुछ Op Art जो आपकी आँखों को दर्द देता है, और फिर कहानी कथित तौर पर समाप्त हो जाती है। अधिकांश संग्रहालय लेबलों और सामान्य पुस्तकों में, यह एक रैखिक, नायकात्मक, और कुछ हद तक कठोर कथा के रूप में प्रकट होता है: एक छोटे समूह के अग्रदूतों ने एक श्रृंखला में सफलताएँ हासिल कीं, प्रत्येक एक के बाद एक, जब तक कि अध्याय समाप्त न हो जाए।

फिर भी समकालीन चित्रकला, मूर्तिकला, और डिजिटल कार्यों में सीधे रेखाओं, ग्रिडों, और कोडित संरचनाओं की स्थिरता कुछ और संकेत करती है। ज्यामिति एक बंद अध्याय नहीं है; यह एक जीवित भाषा है जिसे कलाकार बार-बार सीखते, चुनौती देते, और नए उद्देश्यों के लिए मोड़ते रहते हैं। उस रैखिक नायक कथा को दोहराने के बजाय, यह लेख 20वीं सदी की शुरुआत से आज तक ज्यामितीय अमूर्तता में चलने वाले तनावों के सेट का अनुसरण करता है: आध्यात्मिक बनाम तर्कसंगत, यूटोपियन बनाम विडंबनापूर्ण, हाथ बनाम कोड।

(और उन लोगों के लिए जो केवल ज्यामितीय अमूर्तता की मूल, और ईमानदारी से कहें तो, कुछ हद तक उबाऊ कहानी के लिए यहाँ हैं, आप इस पृष्ठ के नीचे FAQ पर सीधे स्क्रॉल कर सकते हैं: यह पाठ्यपुस्तक संस्करण को पूरी तरह से कवर करता है!)

आध्यात्मिक वर्ग और गैर-उद्देश्यवादी विश्वास

20वीं सदी की शुरुआत में, ज्यामिति वह साफ़-सुथरा, धर्मनिरपेक्ष डिज़ाइन उपकरण नहीं था जैसा हम आज सोचते हैं। यह गहराई से अजीब था। Wassily Kandinsky और Kazimir Malevich जैसे कलाकारों के लिए, ज्यामिति एक गुप्त साधन था। Theosophy और इस विचार से गहरा प्रभावित होकर कि "thought forms" दिखाई दे सकते हैं, उन्होंने त्रिभुज और वृत्त को आकृतियाँ नहीं, बल्कि शक्तियों के संक्षिप्त नाटकों के रूप में देखा।

जब Malevich ने अपना Black Square चित्रित किया, तो यह कोई औपचारिक अभ्यास नहीं था; उन्होंने इसे एक "नग्न, फ्रेमलेस आइकन" कहा था एक नए धर्म के लिए। प्रतिबद्धता पूरी थी: जब वे 1935 में मरे, तो उनके ताबूत को ले जाने वाले ट्रक की हुड पर एक Black Square लगाया गया था, जैसे एक रेजिमेंटल ध्वज। यह वंशावली, जहाँ कठोर किनारा कोमल आत्मा की सेवा करता है, जारी है। यह गणित के बारे में नहीं है; यह सांस के बारे में है।

C63 by Elizabeth Gourlay (2022)

हमें यह विरासत दिवंगत Elizabeth Gourlay (1961–2024) के कार्य में दिखाई देती है। उनका अभ्यास कभी रेखा की कठोरता के बारे में नहीं था बल्कि उसकी गूंज के बारे में था। ठीक वैसे ही जैसे शुरुआती अग्रदूत जिन्होंने एक दृश्य संगीत की खोज की, Gourlay की रचनाएँ स्कोर के रूप में कार्य करती थीं। हालांकि, जहाँ Malevich ने एक क्रांतिकारी शून्य-बिंदु खोजा, Gourlay ने एक ध्यानात्मक संचय पाया, रंग और टोन में सूक्ष्म बदलावों का उपयोग करके एक ज्यामिति बनाई जो बनी हुई महसूस होती थी, न कि निर्मित, एक "मनोस्थिति का ग्राफ" न कि एक ब्लूप्रिंट।

प्राथमिक रंगों और Concrete Art में यूटोपियाएँ

De Stijl और Constructivism के साथ, और बाद में Concrete Art के साथ, एक अलग विश्वास उभरा। यहाँ, ग्रिड आत्मा की खिड़की नहीं था, बल्कि एक बेहतर समाज के लिए एक मॉडल था। निर्णायक क्षण तब आया जब Theo van Doesburg ने 1930 में अपने Manifesto of Concrete Art को प्रकाशित किया, जिसमें उन्होंने घोषणा की कि "एक रेखा, एक रंग, एक सतह से अधिक वास्तविक कुछ नहीं है।" विचार क्रांतिकारी था: एक अमूर्त चित्र वास्तविकता से अमूर्त करता है (जैसे एक सरलित पेड़), लेकिन एक Concrete चित्र अपनी खुद की वास्तविकता है। यह झूठ नहीं बोलता।

भावनाओं की उलझन से मुक्त, पूर्ण स्पष्टता की कला की इस खोज ने एक विशिष्ट प्रकार की शांत तीव्रता पैदा की। यह माहौल Musée d’Art Concret, Mouans-Sartoux में महसूस किया जा सकता है, एक ऐसा स्थान जहाँ हम, IdeelArt में, अक्सर जाते हैं। यह हमें याद दिलाता है कि इस विशिष्ट रूप की अमूर्तता शांति का एक भौतिक अनुभव प्रदान करती है, एक अराजक दुनिया में तर्क का एक अभयारण्य।

XXIV 33 212 (Diptych) by Pierre Muckenstürm (2024)

उस "concrete" स्थिरता की भावना Pierre Muckensturm के लिए केंद्रीय है। वह एक क्षणिक भावना व्यक्त करने की कोशिश नहीं कर रहे हैं; वह एक वस्तु का निर्माण कर रहे हैं। अपने कैनवास को सावधानीपूर्वक कैलिब्रेटेड अंतराल और भार के चारों ओर व्यवस्थित करके, वह एक स्थिरता बनाते हैं जो अनिवार्य लगती है। यह Concrete वादे की समकालीन निरंतरता है: कि एक पूरी तरह से संतुलित छवि शायद एक संतुलित मन को प्रेरित कर सकती है।

ग्रिड, शहर, और संकेत

जैसे-जैसे शताब्दी आगे बढ़ी, ग्रिड एक यूटोपियन ब्लूप्रिंट से कुछ अधिक द्विविधात्मक में बदल गया। यह जेल की सलाखों या स्प्रेडशीट के लेआउट जैसा दिखने लगा। 1980 के दशक में, नियो-जियो आंदोलन, Peter Halley जैसे कलाकारों के नेतृत्व में, वर्ग को आध्यात्मिक शून्य के रूप में नहीं बल्कि एक "सेल" के रूप में पुनः व्याख्यायित किया—जो जैविक कोशिकाओं और जेल कोशिकाओं दोनों का संदर्भ देता है, जो आधुनिक अवसंरचना के "conduits" द्वारा जुड़े होते हैं।

Large Test Pattern 3 by Tom McGlynn (2002)

आज का ज्यामितीय कलाकार अक्सर इस शहरी परिदृश्य का डिकोडर होता है। हम निर्देशात्मक ग्राफिक्स, सबवे मानचित्र, और चेतावनी संकेतों से घिरे हैं। Tom McGlynn इस बोलचाल की भाषा में काम करते हैं। वह शहर के दृश्य शोर - स्टोरफ्रंट, साइनज, लोगो - को कच्चे डेटा के रूप में लेते हैं, व्यावसायिक संदेश को हटा कर केवल शहरी वातावरण की कंकाल संरचना छोड़ देते हैं।

Enchantment Hurdu  by Philippe Halaburda (2020)

इसी तरह, Philippe Halaburda एक अलग प्रकार के क्षेत्र का मानचित्रण करते हैं। उनके "psychogeographies" उन्मत्त ट्रांजिट मानचित्र या विस्फोटित सर्किट बोर्ड की तरह दिखते हैं, जो डेटा और गति के अदृश्य प्रवाह को पकड़ते हैं जो हमारे जीवन को परिभाषित करते हैं। जहां मोंड्रियन ने न्यूयॉर्क ग्रिड की बूगी-वूगी पेंट की, वहीं आधुनिक कलाकार सर्वर फार्म के ओवरलोड को चित्रित करते हैं।

धारणा: जब आंख गड़बड़ाती है

यदि प्रारंभिक अमूर्तता गंभीर थी, तो मध्य शताब्दी ने मानव ऑपरेटिंग सिस्टम में एक "हैक" लाया: ऑप आर्ट। जब MoMA ने 1965 में "The Responsive Eye" प्रदर्शनी खोली, तो प्रतिक्रिया तीव्र थी: कुछ आगंतुक वास्तव में बेहोश हो गए या मतली की शिकायत की! कला केवल वहीं नहीं बैठी थी; यह आपके साथ कुछ कर रही थी। ब्रिजेट राइली जैसे कलाकारों ने साबित किया कि एक स्थिर सतह जादू के बिना, बल्कि दृष्टि की भौतिकी के माध्यम से, गति उत्पन्न कर सकती है।

Mareas by Cristina Ghetti (2024)

आधुनिक कलाकारों ने रेटिना पर आक्रामक "हमले" से हटकर अधिक सूक्ष्म कंपन की ओर रुख किया है। Cristina Ghetti मोइरे प्रभाव का उपयोग करती हैं, जो ओवरलैपिंग ग्रिड्स द्वारा बनाए गए हस्तक्षेप पैटर्न होते हैं, लेकिन इसे धीमा कर देती हैं। 60 के दशक के चक्करदार वर्टिगो के बजाय, उनका काम एक स्पर्शनीय गुनगुनाहट प्रदान करता है, एक दृश्य आवृत्ति जो दर्शक को अपनी फोकस समायोजित करने के लिए आमंत्रित करती है। यह आंख को धोखा देने के बजाय उसकी सीमाओं को परखने के बारे में है, एक ऐसा स्थान बनाना जहां डिजिटल गड़बड़ी पेंटेड कैनवास से मिलती है।

ज्यामितीय हार्मोनियाँ: कंप्यूटर से पहले का एल्गोरिदम

जनरेटिव AI से बहुत पहले, ज्यामितीय कलाकार एल्गोरिदम का उपयोग कर रहे थे। Sol LeWitt ने प्रसिद्ध रूप से लिखा, "विचार एक मशीन बन जाता है जो कला बनाती है।" कलाकार का काम कोड (नियम) लिखना था; निष्पादन गौण था। यह साहित्य में Oulipo समूह से जुड़ता है: लेखक जो मानते थे कि सख्त प्रतिबंध (जैसे बिना 'e' अक्षर के उपन्यास लिखना) अधिक रचनात्मकता को मजबूर करते हैं।

Dawn Light Skew 2  by Debra Ramsay (2023)

आज, यह "एल्गोरिदमिक" दृष्टिकोण मानक है, चाहे कंप्यूटर शामिल हो या न हो। Debra Ramsay एक मानव डेटा-लॉगर के रूप में कार्य करती हैं। वह प्राकृतिक पर्यावरण में बदलावों को ट्रैक करती हैं - एक विशिष्ट पेड़ के रंगों में एक वर्ष के दौरान होने वाले परिवर्तन - और उस डेटा को सख्त रेखाओं की प्रणालियों में अनुवादित करती हैं। परिणाम एक पेंटिंग है जो सार दिखती है लेकिन वास्तव में समय और प्रकाश का एक विशिष्ट डेटा सेट है।

Untitled 2023 (Black-Purple) (Left) & Untitled 2023 (Red-White) by Jasper van der Graaf (2023)

हम Jasper van der Graaf में समान कठोरता देखते हैं, जिनका काम पैटर्न की अवधारणा को ही विघटित करता है। ज्यामितीय मॉड्यूल को स्थानांतरित और पुनः संयोजित करके, वे एक दृश्य लय बनाते हैं जो एक भाषा की तरह महसूस होती है जिसे हम लगभग समझते हैं। यह प्रणाली की सुंदरता है: गणित के काम करने की संतुष्टि, भले ही समीकरण छिपा हुआ रहे।

कठोरता और शरारत: ग्रिड को तोड़ना

यह एक गलतफहमी है कि ज्यामितीय कला में हास्य नहीं होता। लेकिन "अजीब सारवाद" की एक लंबी परंपरा है। François Morellet को सोचिए, जिन्होंने अपनी पेंटिंग्स के वक्रों को पाई के अंकों से निर्धारित किया, या Heimo Zobernig को, जो ग्रिड का उपयोग जानबूझकर, विडंबनापूर्ण लापरवाही के साथ करते हैं। ज्यामिति एक खेल हो सकती है, एक नियम स्थापित करने का तरीका केवल उसे तोड़ने के आनंद के लिए।

12 Shapes by Dana Gordon (2024)

Dana Gordon Dana Gordon इस संगठित उत्साह के क्षेत्र में काम करते हैं। उनकी पेंटिंग्स घने, लयबद्ध आकृतियों के समूहों से बनी होती हैं जो एक ग्रिड का सुझाव देती हैं लेकिन उससे बंधी नहीं होतीं। यह ज्यामितीय सुधार का एक रूप है—जैसे जैज़—जहाँ संरचना एक ताल प्रदान करती है, लेकिन रंग और निशान बनाने की स्वतंत्रता होती है कि वे स्वतंत्र रूप से विचरण करें। परिणामस्वरूप एक "ढीली ज्यामिति" होती है जो जीवंत और लगातार खेलपूर्ण महसूस होती है, न कि गणना की गई।

Red Frames  द्वारा Daniel Göttin (2019, Amsterdam, स्थायी स्थापना)

त्रि-आयामी क्षेत्र में, Daniel Göttin इस खेल को वास्तविक दुनिया में ले जाते हैं। वे औद्योगिक सामग्री, टेप, लकड़ी, धातु का उपयोग करते हैं, वास्तुशिल्प स्थानों में हस्तक्षेप करने के लिए। वे सख्त नियमों का पालन करते हैं, लेकिन परिणाम कमरे की अनियमितताओं द्वारा निर्धारित होता है: एक वेंट, एक कोना, एक खिड़की। यह वर्ग के प्लेटोनिक आदर्श और प्रदर्शनी दीवार की अव्यवस्थित वास्तविकता के बीच संवाद है।

सपाट सतह से परे: हिंसक ज्यामिति

"जो आप देखते हैं वही आप देखते हैं," Frank Stella ने कहा, यह जोर देते हुए कि एक चित्र केवल एक वस्तु है, कोई खिड़की नहीं। इससे कलाकारों ने पूरी तरह से आयत को तोड़ दिया। समकालीन कलाकार Angela de la Cruz प्रसिद्ध रूप से ज्यामितीय मोनोक्रोम को लेती हैं और स्ट्रेचर बार्स को तोड़ती हैं, चित्रकला को एक मूर्तिकला के रूप में मरोड़ देती हैं।

Bulge  द्वारा Holly Miller (2007)

कम हिंसक होते हुए भी, आज कई कलाकार इस विचार के प्रति समान रूप से प्रतिबद्ध हैं कि ज्यामिति को सपाट तल से बाहर निकलना चाहिए। Holly Miller चित्रित रेखा को भौतिक धागे से बदलती हैं, सीधे कैनवास में सिलाई करती हैं। "रेखा" अब प्रतिनिधित्व नहीं है; यह एक भौतिक तनाव है जो एक वास्तविक छाया डालता है।

Brand New Day द्वारा Tom Henderson (2018)

इसी तरह, Tom Henderson औद्योगिक फिनिश के क्षेत्र में प्रवेश करते हैं, Plexiglas और तेल का उपयोग करके दीवार की मूर्तियाँ बनाते हैं जो प्रकाश और प्रतिबिंब को फँसाती हैं, दर्शक के हिलने के साथ बदलती हैं। और Louise Blyton अपने आकार वाले कैनवास और कच्चे लिनन के साथ चित्रकला के मानक चार कोनों को चुनौती देती हैं, प्राकृतिक सामग्री की बनावट के माध्यम से कठोर किनारे को नरम करती हैं। वे हमें याद दिलाते हैं कि ज्यामिति केवल एक मानसिक अवधारणा नहीं है; यह दुनिया में एक वस्तु है, जिसका वजन, बनावट और परिणाम होता है।

Inside and Outside  द्वारा Louise Blyton (2020)

निष्कर्ष: प्रणालियों के साथ जीवन

हम उन ज्यामितियों से घिरे हुए रहते हैं जिन्हें हमने चुना नहीं है: शहरी योजनाएँ, इंटरफेस, लॉजिस्टिक नेटवर्क। ज्यामितीय अमूर्तता केवल इन प्रणालियों का प्रतिबिंब नहीं है; यह उन्हें जांचने, धीमा करने, या विकल्पों की कल्पना करने के लिए एक स्थान प्रदान करती है।

चाहे Elizabeth Gourlay के ध्यानमग्न स्कोर के माध्यम से हो या Tom McGlynn के शहरी डिकोडिंग के द्वारा, ये कलाकार साबित करते हैं कि ज्यामिति कोई पिंजरा नहीं है। यह एक भाषा है। और अब चुनौती यह नहीं है कि कैनन को दोहराया जाए, बल्कि यह देखना है कि ये रूप कैसे अभी भी उस दुनिया में बोल सकते हैं जहाँ ज्यामिति हमारा आवास और हमारी सीमा दोनों बन गई है।

लेखक: Francis Berthomier
सभी छवियाँ © कलाकारों की हैं, जिन्हें IdeelArt द्वारा प्रतिनिधित्व किया गया है
विशेष छवि: Message  द्वारा Dana Gordon (2023, विवरण)

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