अमेरिकी अमूर्त चित्रकार Dana Gordon के साथ साक्षात्कार

Dana Gordon की नई चित्रकृतियाँ ब्रुकलिन के साइडशो गैलरी में 4 जून 2017 तक प्रदर्शित हैं। हाल ही में हमें Gordon से मिलने और उनके इस रोमांचक नए कार्य के बारे में बातचीत करने का अवसर मिला।

IdealArt: ब्रुकलिन के साइडशो गैलरी में आपकी वर्तमान प्रदर्शनी के लिए आपके कैटलॉग निबंध में, जेम्स पनेरो आपके नए कार्य को "कुछ अलग" बताते हैं और यह मानते हैं कि यह आपके लिए एक महत्वपूर्ण दिशा परिवर्तन है। आप इस मूल्यांकन पर क्या प्रतिक्रिया देते हैं?
Dana Gordon: मैं सहमत हूँ, लेकिन मैं इसे दिशा परिवर्तन नहीं मानता। मैं इसे उसी दिशा में अगली प्रगति के रूप में देखता हूँ; महत्वपूर्ण नई प्रगति।

IA: कृपया उन संबंधों के बारे में अपने विचार साझा करें जो आपने इन चित्रों को बनाते समय सहजता के साथ बनाए।
DG: मैं चित्रकारी की पूरी प्रक्रिया को सहजता के रूप में देखता हूँ। मैं कुछ करने का सोचता हूँ, उसे आजमाता हूँ, और वह काम करता है या नहीं। फिर मैं फिर से जो है उस पर प्रतिक्रिया करता हूँ। मैं तब तक सहजता जारी रखता हूँ जब तक यह पूरा न लगे। जो मैं चुनता हूँ वह मेरे हाल के कार्य, पुराने कार्य, अन्य कला, किसी भी प्रकार की चीजें जो मैंने देखी, सोची, महसूस की या अनुभव की हैं, और इन सब का मिश्रण हो सकता है — और अक्सर यह कुछ ऐसा होता है जो अचानक मेरे मन में आता है और मैं उसे आजमाता हूँ। ज़ाहिर है, जो चीजें अचानक मन में आती हैं उनके पीछे हमेशा अवचेतन कारण होते हैं। मैं अपने अवचेतन को अपने कार्य का मार्गदर्शन करने देता हूँ, क्योंकि अवचेतन में चेतना से कहीं अधिक होता है। यह अवचेतन प्रेरणा के प्रति दृश्य प्रतिक्रिया के माध्यम से होता है, न कि मनोवैज्ञानिक या साहित्यिक विश्लेषण के द्वारा। मुझे लगता है कि इस प्रकार की प्रतिक्रिया का अभ्यास करना पड़ता है ताकि यह स्वाभाविक और पूर्ण रूप से प्राप्त हो सके, क्योंकि सामान्य शिक्षा इसे आपकी क्षमताओं से मिटा देती है, जबकि यह प्राथमिक और मौलिक है। यह दृश्य कला का एक व्यापक अनुभव है जिसे बहुत से शैक्षणिक आलोचक नकारते हैं। ऐसा इसलिए है क्योंकि ये लेखक दृश्य को समझते या देखते नहीं हैं, और कला की व्याख्या साहित्यिक, राजनीतिक या शाब्दिक दृष्टिकोण से करते हैं। ज़ाहिर है, कुछ लेखक दृश्य को समझते हैं। इसके बारे में लिखना कठिन है।

IA: इस प्रदर्शनी के कार्य मुझे ऐसा लगते हैं जैसे वे किसी प्रकार के समझौते से उत्पन्न हुए हों। इनके निर्माण की प्रक्रिया में आपने किस प्रकार के संघर्ष और/या सहयोग के अनुभव किए?
DG: संघर्ष या सहयोग मेरे जागरूक अनुभव में नहीं आया। मुझे लगता है कि हमेशा एक प्रकार का समझौता होता है – जैसे: अगर मैं इसे यहाँ रखूँ और उसे वहाँ, तो क्या यह बेहतर होगा, या अगर मैं इसे अलग तरीके से रखूँ। मैं हमेशा यह तौलता हूँ कि विभिन्न चीजें कितनी अच्छी तरह काम करती हैं। एक अंतिम समझौता भी होता है, जब आपको यह तय करना होता है कि चित्र के एक सुंदर, अद्भुत हिस्से को रखना है या उसे त्याग कर पूरे चित्र को बेहतर बनाना है। यह अक्सर होता है। शायद आपका प्रश्न इस तथ्य से उत्पन्न होता है कि ये सभी चित्र लंबवत आधे में विभाजित हैं। और ये कई अलग-अलग प्रकार की अमूर्त तकनीकों का उपयोग करते हैं। मुझे यह दिलचस्प लगा कि एक चित्र में दो चित्र हो सकते हैं। और मैंने इन्हें एक में बनाया है। और वास्तव में, तीन। प्रत्येक पक्ष और पूरा चित्र। शायद वास्तव में चार हैं: प्रत्येक पक्ष, दोनों पक्षों का पूरा, और दोनों पक्षों और एक का पूरा। अपने करियर के शुरूआती दिनों में मैंने फिल्में बनाई थीं जिनके हिस्से एक-दूसरे से बात करते थे, शाब्दिक, रूपक और वैचारिक रूप से। कैटलॉग में इसका एक फिल्म स्टिल है। जेम्स पनेरो ने कैटलॉग में "मुक्त रूपरेखा डिज़ाइन पर ग्रिड के साथ समान तनाव" और "कठोर किनारों वाले त्रिकोणों को जंगली रेखाओं के साथ संतुलित" के रूप में उल्लेख किया। विभिन्न अमूर्त तकनीकों के उपयोग के बारे में, मैं इन्हें अपने कलाकार के विरासत का हिस्सा मानता हूँ। मैं जो चाहूँ कर सकता हूँ। द्वितीय विश्व युद्ध के बाद विशेष रूप से अमूर्त कला में एक प्रवृत्ति रही है कि अपने कार्य को दृश्य के एक सरल पहलू तक सीमित कर दिया जाए, जितना संभव हो उतना कम। क्यों न एक से अधिक दृश्य तकनीकों का उपयोग किया जाए? विभिन्न तकनीकों और जटिल स्थान का उपयोग पुराने मास्टरों की विशेषता है, हालांकि यह चित्रित दृश्य की सहजता से छिपा रहता है, कहानी से।

Dana Gordon - Unruly Subjects, 2015-2017, 72 x 120 इंच, कैनवास पर तेल और ऐक्रेलिक, © कलाकार

IA: क्या संघर्ष और सहयोग में कोई अंतर है?
DG: मैं कहूँगा कि वे विपरीत हैं। ज़ाहिर है, संघर्ष समाधान सहयोग में परिणत हो सकता है। मुझे नहीं लगता कि मेरी नई चित्रों के क्षेत्र और तकनीकें संघर्ष करती हैं। मुझे लगता है कि प्रत्येक चित्र में सब कुछ अच्छी तरह से साथ काम करता है। इसका मतलब यह नहीं कि चित्र के सभी भाग समान हैं।

IA: कृपया इस कार्य के लिए आपके रंग चयन के बारे में अपने विचार साझा करें।
DG: आम तौर पर, लगभग पूरी तरह से, मैं पृथ्वी के रंग या काला उपयोग नहीं करता। केवल वे रंग जो मैं "स्पेक्ट्रल" मानता हूँ। प्राथमिक, द्वितीयक; हल्के और गहरे। और विभिन्न रंग निर्माता कंपनियों से उपलब्ध उनके विभिन्न संस्करण। वास्तव में इन विशिष्ट रंगों की अनंत विविधता नहीं है – दर्शक किसी भी रंग के अपेक्षाकृत कुछ ही विभिन्न शेड देख सकते हैं (जब तक वे एक-दूसरे के बिल्कुल पास न हों, और तब भी, बहुत अधिक नहीं)। सौभाग्य से, विभिन्न निर्माण विधियाँ और सामग्री स्रोत विविधताएँ प्रदान करते हैं। मैं प्राथमिक और द्वितीयक रंगों का मुख्य रूप से इसलिए उपयोग करता हूँ क्योंकि उनकी शुद्धता अधिक तीव्र रंग प्रदान करती है, अर्थात्, अधिक रंग। एक अधिक लाल लाल, एक अधिक नीला नीला, आदि। ये गुण भी बदलते हैं कि आप रंग को चित्र में कहाँ रखते हैं, उसका आकार क्या है और वह कितना बड़ा है। मेरा रंग ज्ञान कई स्रोतों से आता है। सबसे पहले, मुझे यकीन है कि प्रत्येक व्यक्ति में एक स्वदेशी रंग ज्ञान होता है जो अलग होता है। फिर, मैंने जो कुछ भी देखा है, प्रकृति में और कला में। इसके अलावा, मैंने अल्बर्स रंग प्रणाली का अध्ययन किया। चयन एक अवचेतन अंतःक्रिया से होता है जो मुझे बताती है कि कौन सा रंग उपयोग करना है। सभी रंग शक्तिशाली भावना और अर्थ लेकर चलते हैं, या ले सकते हैं।

IA: क्या आपको लगता है कि आपने इन चित्रों में व्यक्त किए गए रंग संबंध पिछले कार्यों से अलग हैं?
DG: नहीं। मेरे लिए नहीं। हालांकि अधिक चित्रकारी तकनीकें हैं, इसलिए वही रंग अलग दिख सकते हैं।

IA: इन चित्रों को बनाने की प्रक्रिया ने आपके हावभाव के साथ संबंध को किस प्रकार प्रभावित किया?
DG: स्पष्ट रूप से, इन चित्रों में पिछले दस वर्षों की तुलना में हावभाव का अधिक उपयोग है। सामान्य अर्थ में हावभाव – रंग के आंदोलन की भावना या रंग लगाने के तरीके से, और सुलेख रेखा। हावभाव (और चित्रांकन के रूप में) सभी प्रकार के अर्थ लेकर चलता है। मैं इन चित्रों में इसका अधिक उपयोग करना चाहता था। मेरे पिछले दशकों के कार्यों में भी व्यापक हावभाव था। अपने मध्य बीसवें वर्ष में मैंने चीनी परिदृश्य और ज़ेन चित्रकला का काफी अध्ययन किया, क्योंकि मुझे लगा कि ये चित्रकला का ऐसा हिस्सा हैं जिन्हें एक चित्रकार को समझना चाहिए। और 1970 के दशक के मध्य में, आकार वाले और त्रि-आयामी कैनवास के साथ एक दशक के काम के बाद, और अन्य संबंधित प्रयोगों के बाद, मैंने "शुरुआत पर वापस गया," काले कागज पर एक चाक का निशान लगाया और वहां से अपने कार्य को पुनः विकसित किया, यह खोजते हुए कि निशान कैसे रेखाएँ बनते हैं और आकार बनाते हैं। वर्षों में सभी प्रकार की रेखाएँ और निशान बनाना खोजा गया। सबसे महीन रेखा रंगीन आकारों की रूपरेखा बन जाती है।

Dana Gordon - Coming To, 2015-16, कैनवास पर तेल और ऐक्रेलिक, 72 x 60 इंच (बायाँ) और Jacobs Ladder, 2015-2016, कैनवास पर तेल और ऐक्रेलिक, 72 x 60 इंच (दायाँ), © कलाकार

IA: कृपया साझा करें कि आप इस कार्य को सौंदर्यात्मक अभिव्यक्ति के रूप में कैसे देखते हैं, और इसे दर्शकों के साथ संवाद की शुरुआत के रूप में कैसे देखते हैं।
DG: कोई भी कला एक सौंदर्यात्मक अभिव्यक्ति है। मुझे लगता है कि यही इसका सार है। इसके अलावा कुछ भी – राजनीति, साहित्यिक विचार आदि – भावना है और कला को कम करता है या अस्पष्ट करता है। उदाहरण के लिए, जियोटो में भावना कलाकार की सौंदर्यात्मक कौशल से आती है, न कि उनके धार्मिक विश्वासों से। उनकी सौंदर्यात्मक कौशल उन्हें अपनी आध्यात्मिकता को दृश्य में व्यक्त करने की अनुमति देती है।

IA: क्या आपको लगता है कि ये चित्र दर्शकों द्वारा पूरा किए जाने की आवश्यकता रखते हैं?
DG: मैं चित्र बनाते समय दर्शक के रूप में चित्र के साथ संवाद करता हूँ। मुझे नहीं लगता कि चित्र को दर्शकों द्वारा पूरा करने की आवश्यकता है। यह तब पूरा होता है जब मैं इसे समाप्त करता हूँ। मैं आशा करता हूँ कि दर्शकों का चित्रों के साथ एक दृश्य संवाद होगा। मैं खुश हूँ यदि चित्र दर्शक के मन में जीवन प्राप्त करते हैं। मैं आशा करता हूँ कि यह जीवन मेरे मन और भावनाओं के करीब होगा जब मैंने चित्र बनाया था। मुझे पता है कि यह कुछ हद तक, या काफी हद तक, अलग होगा।

IA: आपने पहले कहा है कि आप "ऐसे अमूर्त चित्र बनाना चाहते हैं जो पुराने महान मास्टर चित्रों जितने पूर्ण, समृद्ध, संपूर्ण और अर्थपूर्ण हों।" इस कथन के संदर्भ में, आप "महान" शब्द को कैसे परिभाषित करते हैं?
DG: मेरा मतलब इस कथन में यह था कि मुझे लगता है कि ऐतिहासिक रूप से अमूर्त चित्रकला ने उस आत्मा की पूर्णता, अभिव्यक्ति की व्यापकता, और स्थान की खुलापन और जटिलता को प्राप्त नहीं किया है जो पुराने मास्टर चित्रों में था। मुझे लगता है कि सेज़ान ने इस समस्या को जल्दी ही महसूस किया, जैसा कि उनके प्रसिद्ध कथन से पता चलता है, "लेकिन मैं छापवाद से कुछ ठोस और स्थायी बनाना चाहता था जैसे संग्रहालयों की कला।" मुझे नहीं लगता कि उन्होंने वह हासिल किया जो उन्होंने कहा, उन्होंने कुछ और हासिल किया। इसका मतलब यह नहीं कि कई महान आधुनिक अमूर्त मास्टरों ने गहरी और प्रभावशाली कला नहीं बनाई। ज़ाहिर है, उन्होंने बनाई। लेकिन यह केवल एक चीज़ करने की प्रतिबद्धता तक सीमित है, और उस विशेषता की आवश्यकता तक जो दर्शक की ओर धकेलती है। हाँ, इन चित्रों में कुछ स्थान है, लेकिन वह सीमित है। मैं यह कहता हूँ जबकि मैं रोथको, पोलक, आदि को महान कलाकार मानता हूँ। मिरो ने कभी-कभी इसे समझा। युद्धोत्तर, मुझे लगता है कि अर्शिले गोरकी ने 1944 और उसके बाद के अपने कई कार्यों में मेरे मन में जो है उसके सबसे करीब पहुँचा (और मैंने अक्सर सोचा कि वे अपने समकालीनों – पोलक, डी कूनिंग, आदि – में सबसे महान थे)। हंस हॉफमैन और हेलेन फ्रैंकेंथलर कभी-कभी इसके करीब पहुँचते हैं। (मैं यहाँ अमूर्त की बात कर रहा हूँ, न कि अमूर्त शैली में आकृतिपूर्ण।)

IA: क्या आप पुराने महान मास्टर चित्रों के कुछ विशिष्ट उदाहरण दे सकते हैं?
DG: जियोटो, सबसे महत्वपूर्ण। कई पुनर्जागरण और बारोक मास्टर: मासाच्चियो, लिम्बोर्ग्स, टिशियन, जॉर्जियोने, बॉश, वेलास्केज़, एल ग्रेको, आदि, आदि, यहाँ तक कि देर के (लेकिन प्रारंभिक नहीं) गोया तक।

IA: क्या आपने इस प्रदर्शनी में प्रदर्शित कार्य के बारे में निर्णय चरण तक पहुँच गए हैं?
DG: मैं अक्सर निर्णय चरण में रहता हूँ। अपने सभी कार्यों के बारे में, चित्र बनाना शुरू करने से पहले से लेकर अभी तक। कई बार ऐसा होता है कि मैं निर्णय को अपने मन से निकाल देता हूँ और बिना निर्णय के काम करता हूँ। (कुछ ऐसा जैसे "अपने सिर में सभी आवाज़ों को निकाल देना," एक चित्रकार मित्र ने कहा था।) ये समय बहुत महत्वपूर्ण होते हैं। लेकिन क्या वे वास्तव में निर्णय से मुक्त होते हैं, मैं इतना निश्चित नहीं हूँ।

विशेष चित्र: कलाकार का चित्र, © IdeelArt
Phillip Barcio द्वारा