अमेरिकी अमूर्त चित्रकार Dana Gordon के साथ साक्षात्कार

Dana Gordon द्वारा नई पेंटिंग्स Gordon के साथ इस रोमांचक नए काम के बारे में बात करने का मौका मिला। यह पेंटिंग्स 4 जून 2017 तक ब्रुकलिन के साइडशो गैलरी में प्रदर्शित हैं।

IdealArt: आपके वर्तमान प्रदर्शनी के लिए Sideshow Gallery, Brooklyn में अपने कैटलॉग निबंध में, James Panero आपके नए कार्य को "कुछ अलग" के रूप में संदर्भित करते हैं, और यह तर्क करते हैं कि यह आपके लिए एक महत्वपूर्ण दिशा परिवर्तन का प्रतिनिधित्व करता है। आप उस आकलन पर कैसे प्रतिक्रिया देते हैं?
डाना गॉर्डन: मैं सहमत हूँ, सिवाय इसके कि मैं इसे दिशा में बदलाव के रूप में नहीं देखता। मैं इसे उसी दिशा के रूप में देखता हूँ, बस अगले विकास; महत्वपूर्ण नए विकास।

IA: कृपया इन चित्रों को बनाते समय आपके द्वारा की गई इम्प्रोवाइजेशन के साथ संबंध के बारे में अपने विचार साझा करें।
DG: मैं पेंटिंग की पूरी प्रक्रिया को इम्प्रोवाइजेशन के रूप में देखता हूँ। मैं कुछ करने के बारे में सोचता हूँ, इसे आजमाता हूँ, और यह काम करता है या नहीं। फिर मैं जो कुछ भी है, उस पर फिर से प्रतिक्रिया करता हूँ। मैं तब तक इम्प्रोवाइज करता रहता हूँ जब तक यह पूरा नहीं लगता। मैंने जो करने का चुनाव किया है, वह मेरे काम के हाल के अतीत, मेरे काम के पुराने अतीत, अन्य कला, या किसी भी प्रकार की अन्य चीजों पर अधिक या कम आधारित हो सकता है, जो मैंने देखा, सोचा, महसूस किया या अनुभव किया है, और उपरोक्त सभी -- और अक्सर यह कुछ ऐसा होता है जो अचानक मेरे मन में आता है और मैं इसे आजमाता हूँ। बेशक, "बस अचानक" आपके मन में आने वाली चीजों के लिए हमेशा अवचेतन कारण होते हैं। मैं अपने अवचेतन को अपने काम का मार्गदर्शन करने देने की कोशिश करता हूँ, क्योंकि अवचेतन में चेतना की तुलना में बहुत अधिक होता है। यह अवचेतन प्रेरणा के प्रति दृश्य प्रतिक्रिया के माध्यम से किया जाता है, न कि मनोवैज्ञानिक या साहित्यिक विश्लेषण के माध्यम से। मुझे लगता है कि इस प्रकार की प्रतिक्रिया का अभ्यास करना आवश्यक है ताकि इसे स्वाभाविक और पूर्ण रूप से प्राप्त किया जा सके, क्योंकि शिक्षा का सामान्य पाठ्यक्रम इसे आपकी क्षमताओं से मिटा देता है, हालाँकि यह प्राथमिक और मूलभूत है। यह दृश्य कला का भी एक व्यापक अनुभव है जिसे बहुत से अकादमिक आलोचना द्वारा नकारा गया है। इसका कारण यह है कि ये लेखक बस दृश्य को समझते नहीं हैं, या देखते नहीं हैं, और कला में सब कुछ को साहित्यिक, राजनीतिक, या शाब्दिक दृष्टिकोणों के माध्यम से समझाते हैं। बेशक, ऐसे लेखक हैं जो दृश्य को समझते हैं। इसके बारे में लिखना कठिन है।

IA: इस शो में काम मुझे इस बात का एहसास कराते हैं कि वे किसी प्रकार की बातचीत से उभरे हैं। उनके निर्माण की प्रक्रिया के दौरान आपने किस प्रकार के संघर्ष और/या सहयोग की भावनाएँ अनुभव कीं?
DG: संघर्ष या सहयोग का कोई स्थान नहीं था -- कम से कम मेरी सचेत अनुभव में नहीं। मुझे लगता है कि हमेशा एक प्रकार का बातचीत होती है - इस अर्थ में: अगर मैं इसे यहाँ रखता हूँ, और वह वहाँ, क्या यह बेहतर होगा, या अगर मैं इसे अलग तरीके से रखता हूँ। मैं हमेशा यह तौलता हूँ कि विभिन्न चीजें कितनी अच्छी तरह काम करती हैं। एक अंतिम बातचीत भी होती है, जिसे आप कह सकते हैं, जब आपको यह तय करना होता है कि एक सुंदर, अद्भुत भाग को बनाए रखना है, या इसे बलिदान देना है ताकि चित्र को समग्र रूप से बेहतर बनाया जा सके। यह एक सामान्य घटना है। शायद आपका प्रश्न इस तथ्य से उत्पन्न होता है कि ये सभी चित्र लंबवत रूप से आधे में विभाजित हैं। और वे स्पष्ट रूप से कई विभिन्न प्रकार की अमूर्त तकनीकों का उपयोग करते हैं। मुझे यह दिलचस्प लगा कि एक चित्र में दो चित्र हो सकते हैं। और मैंने इन दोनों को एक में बना दिया। और, वास्तव में, तीन। प्रत्येक पक्ष और समग्र। शायद वास्तव में चार हैं: प्रत्येक पक्ष, दोनों पक्षों का समग्र, और दोनों पक्षों और एक का समग्र। अपने करियर के प्रारंभ में मैंने ऐसे फिल्में बनाई थीं जिनमें भाग एक-दूसरे से बात करते थे, शाब्दिक रूप से और रूपक तथा वैचारिक रूप से। इस पर एक फिल्म स्टिल कैटलॉग में है। जेम्स पनेरो ने कैटलॉग में "समान तनावों, एक ग्रिड जो एक मुक्त रूप डिजाइन पर ओवरले करता है" और "कठोर किनारों वाले त्रिकोण जो जंगली रेखाओं के खिलाफ संतुलित होते हैं" का उल्लेख किया। विभिन्न अमूर्त तकनीकों का उपयोग करने के संबंध में, मैं उन्हें एक कलाकार के रूप में अपनी विरासत का हिस्सा मानता हूँ। मैं जो चाहूँ उसका उपयोग कर सकता हूँ या कर सकता हूँ। अमूर्त कला में, विशेष रूप से WWII के बाद, अपने काम को दृश्य के एक सरल पहलू तक सीमित करने की एक मजबूत प्रवृत्ति है, जितना संभव हो उतना कम। क्यों न केवल एक के बजाय कई दृश्य तकनीकों का उपयोग करें? विविध तकनीक और जटिल स्थान का उपयोग पुराने मास्टरों की विशेषता है, हालांकि यह चित्रित दृश्य की निरंतरता द्वारा छिपा होता है, कहानी।

Dana Gordon - Unruly Subjects, 2015-2017, 72 x 120 inches, oil and acrylic on canvas, © the artist

IA: क्या संघर्ष और सहयोग में कोई अंतर है?
DG: मैं कहूंगा कि वे विपरीत हैं। बेशक, संघर्ष समाधान सहयोग का परिणाम हो सकता है। मुझे नहीं लगता कि मेरी नई पेंटिंग में क्षेत्र और तकनीकें एक-दूसरे के साथ संघर्ष करती हैं। मुझे लगता है कि प्रत्येक पेंटिंग में सब कुछ एक साथ ठीक से काम करता है। इसका मतलब यह नहीं है कि पेंटिंग के सभी हिस्से एक जैसे हैं।

IA: कृपया इस कार्य के लिए अपने रंग चयन के बारे में अपने विचार साझा करें।
DG: आम तौर पर, लगभग पूरी तरह से, मैं पृथ्वी के रंगों या काले का उपयोग नहीं करता। केवल वही जो मैं "स्पेक्ट्रल" रंग मानता हूँ। प्राथमिक, द्वितीयक; हल्के और गहरे। और विभिन्न पेंट निर्माताओं से उपलब्ध उनके विभिन्न संस्करण। वास्तव में, इन विशिष्ट रंगों की अनंत विविधता नहीं है - दर्शक किसी भी रंग के केवल कुछ ही अलग शेड्स को देख सकते हैं (जब तक कि वे एक-दूसरे के ठीक बगल में न रखे जाएं, और तब भी, यह इतना नहीं है)। सौभाग्य से, विभिन्न निर्माण विधियाँ और विभिन्न सामग्री स्रोत विविधताएँ प्रदान करते हैं। मैं मुख्य रूप से प्राथमिक और द्वितीयक रंगों का उपयोग करता हूँ क्योंकि उनकी शुद्धता अधिक तीव्र रंग प्रदान करती है, यानी, अधिक रंग। एक लाल रंग, एक नीला रंग, आदि। ये गुण भी इस पर निर्भर करते हैं कि आप रंग को चित्र में कहाँ रखते हैं, यह किस आकार का है और यह कितना बड़ा है। मेरा रंग का अनुभव कई स्रोतों से आता है। पहले, मुझे यकीन है कि प्रत्येक व्यक्ति का एक स्वाभाविक रंग अनुभव होता है जो अलग होता है। फिर, जो कुछ मैंने देखा है, वह प्रकृति और कला दोनों में है। इसके अलावा, मैंने अल्बर्स रंग प्रणाली का अध्ययन किया। चुनाव एक अचेतन इंटरैक्शन से होता है जो मुझे बताता है कि कौन सा रंग उपयोग करना है। सभी रंग में, या ले जा सकते हैं, शक्तिशाली भावना और अर्थ होता है।

IA: क्या आपको लगता है कि इन चित्रों में आपने जो रंग संबंध व्यक्त किए हैं, वे आपके पिछले कार्यों में व्यक्त किए गए रंग संबंधों से अलग हैं?
DG: नहीं। मेरे लिए नहीं। हालांकि, और भी पेंटिंग तकनीकें हैं, इसलिए वही रंग अलग दिख सकते हैं।

IA: इन पेंटिंग्स को बनाने की प्रक्रिया ने आपके इशारे के साथ संबंध को किस प्रकार प्रभावित किया?
DG: स्पष्ट रूप से इन चित्रों में पिछले दस वर्षों की तुलना में इशारे का उपयोग अधिक मजबूत है। सामान्य अर्थ में इशारा - रंग के आंदोलन की भावना या रंग लगाने के तरीके से, और कैलीग्राफिक रेखा। इशारा (और चित्रण के रूप में) सभी प्रकार के अर्थ ले जाता है। मैं इन चित्रों में इसका अधिक उपयोग करना चाहता था। पिछले दशकों का मेरा काम भी व्यापक इशारे का उपयोग करता था। अपने मध्य-बीस में, मैंने चीनी परिदृश्य और ज़ेन चित्रकला का अध्ययन करने में काफी समय बिताया, क्योंकि मुझे लगा कि ये चित्रकला का एक हिस्सा हैं जिसे एक चित्रकार को आत्मसात करना चाहिए। और लगभग 1970 के मध्य में, आकार और तीन-आयामी कैनवस के साथ एक दशक काम करने के बाद, और अन्य संबंधित प्रयोगों के बाद, मैंने "शुरुआत की ओर वापस" जाने का निर्णय लिया, काले कागज पर चाक का निशान बनाया और वहां से अपने काम को फिर से विकसित किया, यह पता लगाते हुए कि कैसे निशान रेखाओं में बदलते हैं और आकार बनाते हैं। वर्षों में सभी प्रकार की रेखाओं और निशान बनाने की तकनीकों का अन्वेषण किया गया, सबसे बारीक रेखा रंगीन आकारों के लिए रूपरेखा बन जाती है।

Dana Gordon - Coming To, 2015-16, oil and acrylic on canvas, 72 x 60 inches (Left) and Jacobs Ladder, 2015-2016, oil and acrylic on canvas, 72 x 60 inches (Right), © the artist

IA: कृपया साझा करें कि आप इस कार्य के समूह को एक सौंदर्यात्मक बयान के रूप में कैसे देखते हैं, और आप इसे दर्शकों के साथ बातचीत की शुरुआत के रूप में कैसे देखते हैं।
DG: कोई भी कला एक सौंदर्यात्मक बयान है। मुझे लगता है कि यही इसका सार है। इसमें अन्य कुछ भी - राजनीति, साहित्यिक विचार, आदि - भावना है और यह कला को कम करता है या उसे अस्पष्ट करता है। उदाहरण के लिए, एक गियोटो में भावना, कलाकार की सौंदर्यात्मक कौशल से आती है, न कि उसकी धार्मिक विश्वासों से। उसकी सौंदर्यात्मक कौशल उसे अपनी आध्यात्मिकता को दृश्य में समाहित करने की अनुमति देती है।

IA: आप किस रूप में, यदि कोई हो, मानते हैं कि इन कार्यों को दर्शकों द्वारा पूरा करने की आवश्यकता है?
DG: जब मैं पेंटिंग बना रहा होता हूँ, तो मैं एक दर्शक के रूप में उसके साथ बातचीत करता हूँ। मुझे नहीं लगता कि पेंटिंग को दर्शकों के होने से पूरा होना चाहिए। यह तब पूरी होती है जब मैं इसके साथ खत्म हो जाता हूँ। मुझे उम्मीद है कि दर्शकों की पेंटिंग के साथ एक दृश्य बातचीत होगी, अगर आप चाहें तो। मुझे खुशी होती है अगर पेंटिंग दर्शक के मन में एक जीवन प्राप्त करती है। मुझे उम्मीद है कि यह जीवन उस चीज़ के करीब है जो मेरे मन और मेरे भावनाओं में थी जब मैंने पेंटिंग बनाई। मुझे पता है कि यह कुछ हद तक, या काफी हद तक, अलग होगा।

IA: आपने पहले कहा है कि आप प्रेरित हैं "ऐसे अमूर्त चित्र बनाने के लिए जो पिछले महान मास्टर चित्रों की तरह पूर्ण, समृद्ध, संपूर्ण और अर्थपूर्ण हों।" उस बयान के संदर्भ में, आप "महान" शब्द को कैसे परिभाषित करते हैं?
DG: उस बयान में मेरा मतलब यह था कि मुझे लगता है कि अमूर्त चित्रकला ने ऐतिहासिक रूप से आत्मा की पूर्णता, अभिव्यक्ति की व्यापकता, और स्थान की खुलापन और जटिलता को नहीं पाया है जो पुराने मास्टर चित्रों में था। मुझे लगता है कि सेज़ान ने इस समस्या को जल्दी ही महसूस किया, जैसा कि हम उनके प्रसिद्ध बयान में देख सकते हैं, "लेकिन मैं इम्प्रेशनिज़्म से कुछ ठोस और स्थायी बनाना चाहता था जैसे कि संग्रहालयों की कला।" मुझे नहीं लगता कि उन्होंने इस बात को पूरा किया, उन्होंने कुछ और हासिल किया। इसका यह मतलब नहीं है कि महान आधुनिक अमूर्त मास्टरों ने गहरी और प्रभावशाली कला नहीं बनाई। बेशक, उन्होंने बनाई। लेकिन यह केवल एक चीज़ करने के पालन में सीमित है, और उस समतलता की विशेष आवश्यकता में जो दर्शक की ओर धकेलती है। हाँ, इन चित्रों में कुछ स्थान है, लेकिन यह सीमित है। मैं यह कहता हूँ, भले ही मैं रोथको, पोलॉक, आदि को महान कलाकार मानता हूँ। मिरो ने कभी-कभी इसे समझा। युद्ध के बाद, मुझे लगता है कि अर्शिल गॉर्की ने 1944 और उसके बाद के अपने कई कामों में मेरे मन में जो है उसके सबसे करीब आए (और मैंने अक्सर सोचा है कि वह अपने समकालीनों में सबसे महान थे - पोलॉक, डे कूनिंग, आदि)। हंस हॉफमैन और हेलेन फ्रैंकेंथलर यहाँ और वहाँ इसके करीब पहुँचते हैं। (मैं यहाँ अमूर्त की बात कर रहा हूँ, अमूर्त-शैली में चित्रात्मक नहीं।)

IA: क्या आप अतीत के महान मास्टर पेंटिंग के कुछ विशिष्ट उदाहरण दे सकते हैं?
DG: मुख्य रूप से जियोटो। पुनर्जागरण और बैरोक के कई मास्टर: मासाचियो, लिंबर्ग, टिशियन, जॉर्जियोन, बॉश, वेलाज़्केज़, एल ग्रेको, आदि, आदि, देर से (लेकिन जल्दी नहीं) गोया तक।

IA: क्या आप इस प्रदर्शनी में प्रदर्शित काम के बारे में निर्णय चरण में पहुँच गए हैं?
DG: मैं अक्सर निर्णय के चरण में होता हूँ। मेरे द्वारा किए गए सभी कामों के बारे में, यहाँ तक कि जब मैं पेंटिंग शुरू करने से पहले भी, अभी तक के वर्तमान क्षण तक। कई बार ऐसा होता है जब मुझे लगता है कि मैंने निर्णय को अपने मन से निकाल दिया है और जब मैं काम कर रहा होता हूँ तो इसके बिना आगे बढ़ता हूँ। (कुछ ऐसा जैसे "अपने सिर में सभी आवाज़ों से छुटकारा पाना," एक पेंटर मित्र ने एक बार कहा था।) ये समय बहुत महत्वपूर्ण होते हैं। लेकिन क्या ये वास्तव में निर्णय से मुक्त होते हैं, मैं इतना निश्चित नहीं हूँ।

विशेष छवि: कलाकार का चित्र, © IdeelArt
फिलिप Barcio द्वारा