प्रसिद्ध पोलिश कलाकार वोज्चiech फांगोर के रंग क्षेत्र और ओप आर्ट की पुनरावृत्ति

वोज़िएक फांगोर अपनी कला में सरलता और गहराई दोनों को व्यक्त करने में माहिर थे। मूल रूप से 1930 के दशक में अपने देश पोलैंड में यथार्थवादी कलाकार के रूप में प्रशिक्षित, उन्होंने अपने करियर के शुरुआती वर्षों में एक कुशल आकृतिक चित्रकार, ग्राफिक डिजाइनर और वास्तुकार के रूप में विकास किया। द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, अपने कई पोलिश समकालीनों की तरह, उन्होंने समाजवादी यथार्थवाद को बढ़ावा देने वाली छवियाँ बनाने में अपना प्रयास लगाया। फिर भी समय के साथ उन्होंने आकृतिक चित्रकला से परे अपनी रुचि बढ़ाई, और अंततः उनकी अमूर्त कृतियों ने उन्हें 20वीं सदी के सबसे प्रभावशाली पोलिश कलाकारों में से एक के रूप में स्थापित किया। उनकी अमूर्तन की यात्रा 1950 के दशक में शुरू हुई, जब उन्होंने चित्रित रचनाओं के माध्यम से दर्शकों की भौतिक स्थान की धारणा को प्रभावित करने के तरीकों का अन्वेषण करना शुरू किया। इस जांच से उत्पन्न अमूर्त कृतियाँ उनकी सबसे प्रतिष्ठित उपलब्धियाँ हैं। इनमें से कई को 1965 के म्यूजियम ऑफ मॉडर्न आर्ट (MoMA) के ऐतिहासिक प्रदर्शनी The Responsive Eye में शामिल किया गया था, जिसने ऑप आर्ट को सार्वजनिक कल्पना में प्रस्तुत किया। (फांगोर उस प्रदर्शनी में शामिल एकमात्र पोलिश जन्मे चित्रकार थे।) वृत्तों, तिरछी रेखाओं और तरंगाकार रूपों पर केंद्रित ये चित्र आँख को गति का अनुभव कराते हैं। जहाँ रूप घुल जाते हैं, वहाँ किनारों पर सूक्ष्मताएँ उभरती हैं। मद्धम रंग संबंधों की सूक्ष्मताएँ आसपास के शून्य की चिंतनशीलता को प्रेरित करती हैं। इन कृतियों के साथ, फांगोर ने ऑप आर्ट से जुड़ी आँख के छल को रंग क्षेत्र चित्रकला से जुड़ी अंतर्मुखी मानसिकता के साथ जोड़ा। फांगोर द्वारा The Responsive Eye में प्रदर्शित कृतियों का एक चयन जल्द ही फिर से प्रदर्शित होगा, जो 19 अप्रैल 2018 से न्यूयॉर्क के हीदर जेम्स फाइन आर्ट में उद्घाटन प्रदर्शनी में शुरू होगा। Wojciech Fangor: The Early 1960s समकालीन दर्शकों को फांगोर द्वारा आधे से अधिक शताब्दी पहले शुरू की गई रंग, रूप और चित्रात्मक स्थान के अमूर्त रहस्यों पर बातचीत से पुनः जोड़ने का वादा करता है।

स्थान की व्यवस्था

फांगोर ने अमूर्तन के प्रति अपनी समझ एक बहुत ही व्यावहारिक मार्ग से प्राप्त की। एक रेलवे स्टेशन ने उन्हें रास्ता दिखाया। वह दो वास्तुकारों के साथ सहयोग में वारसॉ रेलवे प्रणाली के भूमिगत क्षेत्रों को पुनः डिज़ाइन करने में लगे थे। उनका लक्ष्य था कि स्थान को अधिक मानवीय और कम संकुचित बनाया जाए। फांगोर ने पत्थर की दीवारों में अमूर्त मोज़ेक कृतियाँ लगाने का विचार दिया, जिसमें रंग योजना धीरे-धीरे बदलती रहेगी जैसे यात्री स्टेशन से गुजरते हैं। गुजरने वालों की गतिशीलता ने दीवारों पर छवियों को सक्रिय किया, जिससे एक गतिशील सौंदर्य अनुभव उत्पन्न हुआ जो लोगों को अपने परिवेश से अधिक जुड़ा हुआ महसूस कराता था। सबवे स्टेशन के डिज़ाइन का उनका यह कार्य फांगोर को कला प्रदर्शनी में दर्शकों के अनुभव की पुनः कल्पना करने के लिए प्रेरित किया। उन्होंने सोचा कि प्रदर्शनी को केवल लोगों के एकल कला कृति के सामने स्थिर खड़े होने के अवसर के रूप में न सोचकर, वह प्रदर्शनी स्थान को उसी तरह सक्रिय कैसे कर सकते हैं जैसे उन्होंने सबवे स्टेशन को सक्रिय किया।

Wojciech Fangor - #6, 1963, 61 1/4 x 51 1/4 इंच, कैनवास पर तेल, © वोज़िएक फांगोर, हीदर जेम्स फाइन आर्ट न्यूयॉर्क की अनुमति से

उनका समाधान 1958 की प्रदर्शनी Spatial Study में प्रकट हुआ, जो वारसॉ के “Nowa Kultura” सैलून में पहली बार प्रदर्शित हुई। यह प्रदर्शनी पर्यावरण स्थापना के सबसे प्रारंभिक उदाहरणों में से एक मानी जाती है। इस कार्य को बनाने के लिए, फांगोर ने सबवे परियोजना के एक वास्तुकार स्टानिस्लाव ज़ामेचनिक के साथ सहयोग किया। साथ में, उन्होंने एक ऐसा परिदृश्य सोचा जिसमें कला के दर्शक स्वतंत्र रूप से एक स्थान में घूम सकें, और अपनी यात्रा के दौरान सौंदर्य तत्वों का अनुभव कर सकें। उनकी गति उनके अनुभव के लिए उतनी ही महत्वपूर्ण होगी जितनी कला। फांगोर ने स्थापना के लिए 20 अमूर्त चित्र बनाए। उन्होंने चार चित्र दीवार पर लटकाए, और बाकी 16 चित्र कमरे में ईज़ल पर रखे। ये छवियाँ दर्शक के दृष्टिकोण के अनुसार एक-दूसरे के साथ दृष्टि संबंधी छल करती थीं। हर दर्शक जो अंदर आता था, वह स्थापना के माध्यम से अपनी खुद की राह चुनता था। जैसे-जैसे वे स्थान में घूमते, दृष्टि संबंधी छल विकसित होते। उनका अनुभव उनकी गतियों पर निर्भर करता था।

Wojciech Fangor - ब्लैक एंड पिंक, 1960, 38 x 31 इंच, कैनवास पर तेल, © वोज़िएक फांगोर, हीदर जेम्स फाइन आर्ट न्यूयॉर्क की अनुमति से

सतह का उन्मूलन

फांगोर ने Spatial Study स्थापना के लिए अमूर्त कृतियाँ बनाते समय कई अनुभव प्राप्त किए। एक मुख्य खोज यह थी कि जब उन्होंने एक दृष्टिगत अमूर्त रचना बनाई, तो उन्हें ऐसा लगा कि छवि सतह से बाहर निकलकर स्थान में प्रक्षिप्त हो रही है। उन्होंने इस घटना को “सकारात्मक भ्रांतिपूर्ण स्थान” कहा। उन्होंने सकारात्मक भ्रांतिपूर्ण स्थान बनाने की प्रक्रिया को सतह के क्रमिक उन्मूलन के रूप में माना। दूसरे शब्दों में, जितना अधिक भ्रांतिपूर्ण स्थान वे छवि के साथ बना सकते थे, दर्शक को उतना ही कम लगेगा कि कोई सतह छवि का समर्थन कर रही है—रूप कैनवास और दर्शक की आँखों के बीच के शून्य में तैरते हुए प्रतीत होंगे। यह विचार अधिकांश छवियों के मूल में है जो फांगोर ने The Responsive Eye में प्रदर्शित की थीं, और जो हीदर जेम्स फाइन आर्ट न्यूयॉर्क में प्रदर्शित होने जा रही हैं।

Wojciech Fangor - पिंक एंड ब्लैक स्पिंडल, 1960, 39 x 29 1/2 इंच, कैनवास पर तेल, © वोज़िएक फांगोर, हीदर जेम्स फाइन आर्ट न्यूयॉर्क की अनुमति से

इन कृतियों में स्थान की भ्रांति को फांगोर ने अपने रूपों के किनारों को धुंधला करके बढ़ाया। रंगीन आभाएँ फीकी पड़ती हैं जैसे रूप पृष्ठभूमि से अलग होते हैं। केंद्रित वलय धड़कते प्रतीत होते हैं; रंग की लहर कैनवास पर फैलती है, जो आँख के सामने झिलमिलाती है; अर्धचंद्राकारों का एक लंबवत स्तंभ आकाश से धीमी गति से गिरता हुआ प्रतीत होता है। ये चित्र सूक्ष्म गतिशील संवेदनशीलता रखते हैं। जितना करीब से कोई रूपों को देखता है और जितना अधिक देर तक देखता है, वे उतने ही अधिक स्थान में तैरते हुए प्रतीत होते हैं। जैसे-जैसे रूप अधिक त्रि-आयामी होते हैं, रंग अधिक क्षणभंगुर हो जाते हैं, और सतह दूर चली जाती है। ब्रिजेट राइली और विक्टर वासरेली जैसे अन्य ऑप आर्ट के अग्रदूतों के काम की तुलना में, फांगोर की चित्रकला सूक्ष्म है। फिर भी उनके संपूर्ण कार्यों की विशालता को देखते हुए, यह स्पष्ट है कि उन्होंने उनके विकास में और उनके पीढ़ी द्वारा रूप और स्थान के रहस्यों के बारे में की गई खोजों में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। Wojciech Fangor: The Early 1960s 19 अप्रैल से 30 जून 2018 तक हीदर जेम्स फाइन आर्ट न्यू यॉर्क में प्रदर्शित है।

मुख्य छवि: Wojciech Fangor - स्क्वायर 21, 1962, 35 1/2 x 35 1/2 इंच, कैनवास पर तेल, © वोज़िएक फांगोर, हीदर जेम्स फाइन आर्ट न्यूयॉर्क की अनुमति से

फिलिप बार्सियो द्वारा