अवास्तविक कला में सप्ताह - अवधारणाएँ और यांत्रिकी
हम समकालीन कलाकारों से एक प्रश्न पूछना चाहते हैं: "एक अवधारणा और एक चाल में क्या अंतर है?" ब्रिटेन की BBC4 ने अवधारणात्मक कलाकारों का उत्सव मनाने के लिए एक नई शरद ऋतु की कार्यक्रम श्रृंखला की घोषणा की है। BBC4 अवधारणात्मक बनता है में अवधारणात्मक कला आंदोलन के प्रमुख कलाकारों और घटनाओं को कवर करने वाले मूल कार्यक्रम शामिल होंगे, जिनमें इसके आलोचकों की आवाज़ें भी होंगी। अवधारणात्मक कला के कट्टर प्रशंसक होने के नाते, हमें लगता है कि इसकी साहसिकता और प्रतिभा इस बात में है कि यह विचारों पर आधारित है: क्षणभंगुर, अमूर्त विचारों पर। लेकिन हम कभी-कभी सोचते हैं, कब एक विचार उत्पाद बन जाता है, या उससे भी बुरा, एक चालाकी? इस सप्ताह हमने एक कहानी पढ़ी (https://1ric.com/work/oas/) जिसमें एक कलाकार अपने मस्तिष्क तरंगों को स्कैनर के माध्यम से अनुवादित करके अमूर्त रंग क्षेत्र चित्र बनाता है, जिन्हें फिर कंप्यूटर द्वारा मुद्रित किया जाता है। एक और कहानी हमने पढ़ी जिसमें एक कलाकार खुद को एक विशाल, पूर्व-प्रोग्राम्ड रोबोटिक भुजा से जोड़ता है, जो फिर उसे विभिन्न सतहों पर मानव रंग ब्रश की तरह खींचता है। दोनों कलाकार तकनीक का उपयोग करते हैं, जो अवधारणात्मक वादे से भरा क्षेत्र है। तो क्या वे जोसेफ ब्यूयस और इव क्लेन के वंशज हैं, जो सबसे ऊपर विचारों की पवित्रता में विश्वास करते थे? क्या वे तकनीक का उपयोग यह पता लगाने के लिए कर रहे हैं कि कलाकार होने का क्या अर्थ है? या क्या वे ब्यूयस के विश्वास का मज़ाक उड़ा रहे हैं कि "हर मानव एक कलाकार है" मशीनों को कला निर्माण की प्रक्रिया पर अधिकार करने की अनुमति देकर? इससे भी बुरा, क्या वे केवल तकनीक के प्रति जुनूनी संस्कृति से लाभ उठा रहे हैं? हम इस प्रश्न का उत्तर कलाकारों पर छोड़ते हैं। इस बीच, यहाँ तीन वर्तमान अमूर्त प्रदर्शनियाँ हैं जो हमें अवधारणात्मक कला की विरासत और उद्देश्यों के प्रति न्यायसंगत लगती हैं।
बैड फेथ, जेम्स फुएंटेस गैलरी, न्यूयॉर्क, एनवाई
अब देखी जा सकती है 11 सितंबर 2016 तक
यह अवधारणात्मक समूह प्रदर्शनी न्यूयॉर्क के चार कलाकारों द्वारा 1982 से 1994 के बीच बनाए गए सात वस्तुओं पर केंद्रित है। नायलैंड ब्लेक, जेसिका डायमंड, Peter हैली और रॉबर्ट मॉरिस के कार्यों को प्रदर्शित करते हुए, बैड फेथ संस्कृति, राजनीति और पहचान से जुड़े विचारों को संबोधित करता है, जो सामाजिक विरोध में सौंदर्यात्मक घटनाओं के जुड़ाव के लिए एक मॉडल प्रस्तुत करता है।
जिउसेप्पे पेनोन: मैं था, मैं रहूँगा, मैं नहीं हूँ, मैरियन गुडमैन गैलरी, लंदन और पेरिस
8 सितंबर (लंदन) और 9 सितंबर (पेरिस) से 22 अक्टूबर 2016 तक देखी जा सकती है
इतालवी कलाकार जिउसेप्पे पेनोन ऐसे कार्य बनाते हैं जो मनुष्यों और प्रकृति के बीच संबंध की खोज करते हैं। वे विशेष रूप से उम्र बढ़ने और विकास जैसे विचारों में रुचि रखते हैं, जिन्हें वे अपनी प्रसिद्ध इन सिचु (स्थल-विशिष्ट) कृतियों की श्रृंखला के माध्यम से खोजते हैं, जिसमें वे अपनी खुद की भुजा को धातु में ढालते हैं और उसे एक युवा पेड़ से जोड़ते हैं, नियमित रूप से लौटकर प्रक्रिया का दस्तावेजीकरण करते हैं क्योंकि पेड़ मानव हाथ के रूप को घेरता और समेटता है जो बदले में उसे समेट रहा होता है। इस द्वैध प्रदर्शनी के लिए, मैरियन गुडमैन गैलरी लंदन और पेरिस दोनों गैलरियों में पेनोन के कार्यों की समकालीन प्रदर्शनियाँ प्रस्तुत करती है।
जिउसेप्पे पेनोन - नदी होना, जंगल को दोहराना, नैशर मूर्तिकला केंद्र, डलास में स्थापना दृश्य
रॉकअवे! गेटवे नेशनल मनोरंजन क्षेत्र, फोर्ट टिल्डेन, न्यूयॉर्क में इन सिचु
अब देखी जा सकती है 30 नवंबर 2016 तक
जर्मन कलाकार कथरीना ग्रोसे ऐसे कार्य बनाती हैं जो चित्रकला की प्रकृति और पारंपरिक तथा अनुमानित सीमाओं से परे जाने की उसकी क्षमता की खोज करते हैं। MoMA PS1 द्वारा प्रस्तुत इस परियोजना के लिए, ग्रोसे ने तूफान सैंडी द्वारा बेकार हो चुकी एक इमारत के क्षयशील खोल का उपयोग एक भव्य स्थल-विशिष्ट कार्य के केंद्र बिंदु के रूप में किया। रॉकअवे! भूमि कला, स्थापना और गीतात्मक अमूर्त चित्रकला के तकनीकी तत्वों को मिलाता है। इसका परिणाम आवास, वास्तु संरक्षण, पर्यावरणीय मुद्दों और प्राकृतिक स्थानों के सौंदर्य मूल्य से जुड़े विचारों पर प्रश्न उठाता है।
कथरीना ग्रोसे - रॉकअवे!
मुख्य छवि: जेम्स फुएंटेस गैलरी में बैड फेथ
