अवास्तविक कला में सप्ताह - हम ऐसा क्यों करते हैं?
हाल ही में हमने दो कहानियाँ देखीं जिनमें कंप्यूटर प्रोग्राम्स द्वारा अमूर्त कला बनाने की बात थी। एक कहानी एक पिनबॉल आधारित वीडियो गेम के बारे में थी जिसमें गेंद डिजिटल रंग के धब्बों को तोड़ती है और फिर स्क्रीन पर रंग के निशान छोड़ती है, जिससे एक "अमूर्त चित्र" बनता है। दूसरी कहानी एक "पूर्व चित्रकार" (जिसका मतलब स्पष्ट नहीं है) के बारे में थी जिसने कंप्यूटर को हजारों अमूर्त कला की छवियाँ दीं और फिर कंप्यूटर ने जो सीखा उसके आधार पर अपनी खुद की छवियाँ बनाईं। दोनों कहानियों में कहा गया कि कंप्यूटर "कला" बना रहे हैं। लेकिन क्या वही कला है? परिणाम? सच्चे कलाकारों के उद्देश्य होते हैं। यह केवल इस बात पर निर्भर नहीं करता कि वे क्या करते हैं; बल्कि यह भी महत्वपूर्ण है कि वे क्यों करते हैं। यहाँ कुछ कहानियाँ हैं सच्चे कलाकारों की जिनका काम केवल क्या है इस पर नहीं, बल्कि क्यों है इस पर भी है। क्योंकि निश्चित रूप से, कंप्यूटर मानवों के काम की नकल कर सकते हैं। फर्क यह है कि जब हम करते हैं तो उसका कोई मकसद होता है।
इसका विश्लेषण करें
1970 के दशक में, एक समूह इतालवी कलाकारों ने चित्रकला को बचाने के लिए एक अभियान शुरू किया। यह व्यापक रूप से माना जाता था कि विभिन्न अमूर्त और आधुनिक कला आंदोलनों के कारण चित्रकला ने अपनी सीमा पार कर ली है। तब पित्तुरा एनालिटिका आंदोलन, या विश्लेषणात्मक चित्रकला, सामने आया, जिसने चित्रकला को उसके मूल तत्वों में फिर से तोड़ने का प्रयास किया, उसके घटकों और सामग्री को समझने के लिए, और चित्रों के उनके स्रष्टाओं के साथ संबंध को संदर्भित करने के लिए। इस आंदोलन ने चित्रकला को नई जान दी। यदि आपने इन कलाकारों के कार्य कभी नहीं देखे हैं, तो लंदन की माज़ोलिनी आर्ट में 14 पित्तुरा एनालिटिका चित्रकारों के कार्य 23 जुलाई तक प्रदर्शित हैं।
पैट्रिक हेरॉन - सिक्स इन वर्मिलियन विद ग्रीन इन येलो, 1970
रचनात्मकता और उद्देश्य
बुद्धि और रचनात्मकता समान नहीं हैं। दूसरों द्वारा बनाई गई कला की नकल करना कलाकार होने के बराबर नहीं है। कला बनाने के लिए रचनात्मकता और उद्देश्य दोनों चाहिए। ब्रिटिश चित्रकार पैट्रिक हेरॉन ने सही तरीके से अन्य कलाकारों से प्रेरणा लेने का उदाहरण दिया। 1953 में, उन्होंने एक निबंध लिखा जिसमें बताया कि उस समय के गैर-आकृतिक पेरिस के कलाकार क्यूबिज़्म के बाद सबसे महत्वपूर्ण कार्य कर रहे थे। पियरे सोलाजेस, निकोलस डी स्टेल और हंस हार्टुंग ने उन्हें सिखाया कि चित्रकला की सतह की भौतिकता में एक स्थान की भ्रांति होती है, जिसे पहले के अमूर्त कलाकारों ने नजरअंदाज किया था जो केवल सपाटपन पर ध्यान देते थे। उन्होंने कहा कि चित्रों की सतह की भौतिकता "स्थान की कम्पन" प्रदर्शित करती है। हेरॉन की अमूर्त चित्रों की एक वर्तमान प्रदर्शनी इस वाक्यांश का उपयोग करती है। वाइब्रेशन ऑफ स्पेस: हेरॉन, डी स्टेल, हार्टुंग, सोलाजेस अब लंदन के वाडिंगटन कस्टोट गैलरियों में 9 जुलाई तक प्रदर्शित है।
रॉबर्ट राइमन - बिना शीर्षक, 1958
काला और सफेद में बिलकुल स्पष्ट
कई लोग मोनोक्रोम को नीरस, आसान या बोरिंग मानते हैं, जो यह साबित करता है कि कंप्यूटर ही नहीं, मनुष्य भी कला को कम आंकते हैं। (अगर हम कंप्यूटर को हजारों मोनोक्रोम दिखाएं, तो क्या वह अपनी खुद की एक बना सकता है?) इस गर्मी में न्यूयॉर्क की दो प्रदर्शनी हमें उन कलाकारों के बारे में गहराई से सोचने के लिए चुनौती देती हैं जो अपनी रंग सीमा को सीमित करते हैं। 31 जुलाई तक, डिया: चेल्सी में रॉबर्ट राइमन की पांच दशकों की रंगहीन सतहों की व्यापक प्रदर्शनी है (जिसे गूगल सफेद चित्रकला कहता है)। और 23 जून को डिया से तीन ब्लॉक उत्तर में पीस गैलरी में खुलने वाली प्रदर्शनी ब्लैकनेस इन एब्स्ट्रैक्शन एक "अंतरराष्ट्रीय और अंतरपीढ़ी" कलाकारों के समूह से चुनी गई मोनोक्रोम काले रंग की कृतियों की खोज करती है।
क्या कंप्यूटर अगला रॉबर्ट राइमन या पैट्रिक हेरॉन हो सकता है? क्या वीडियो गेम खेलना कला बनाने के बराबर है? अंततः हमें मनुष्यों और मशीनों के बीच अंतर स्पष्ट करना होगा। कला इस प्रश्न की खोज के लिए एक उपयुक्त क्षेत्र है। यदि हजारों कलाकार हजारों सफेद मोनोक्रोम बनाएं, तो शायद गूगल उनके बीच का अंतर समझा न सके। लेकिन हम जानते हैं कि भले ही चित्र समान दिखें, फर्क उनके उद्देश्य में होता है। कलाकार ने ऐसा क्यों किया? यह हमेशा रुचिकर होता है। क्योंकि उद्देश्य ही हमें मानव बनाता है।
मुख्य छवि: जियोर्जियो ग्रिफा - लाइन ओरिज़ोंटाली, 1975, कैनवास पर ऐक्रेलिक, 116 x 183 सेमी
