जब रोमारे बीर्डन अमूर्त हुए
यदि, जैसे कि बहुत से लोगों ने, आप इस सर्दी में COVID-19 के कारण Abstract Romare Bearden को DC Moore Gallery में देखने से चूक गए, तो चिंता न करें: एक और बड़ा प्रदर्शनी, जिसका शीर्षक Romare Bearden: Abstraction है, इस गिरावट में संयुक्त राज्य अमेरिका का दौरा शुरू करेगा (मानते हुए कि तब तक वायरस अपने पाठ्यक्रम को पूरा कर चुका होगा)। इन दोनों प्रदर्शनों की प्रशंसा की जानी चाहिए क्योंकि वे बीर्डन के लिए ज्ञात व्यापक रूप से जाने जाने वाले चित्रात्मक कार्यों से परे जाते हैं, और 20वीं सदी के सबसे प्रभावशाली और आत्मनिरीक्षण करने वाले कलाकारों में से एक के करियर के एक कम सराहे गए पहलू में गहराई से गोताखोरी करते हैं—उनकी बड़े पैमाने पर, अभिव्यक्तिपूर्ण अमूर्तताएँ। बीर्डन ने सदी के प्रारंभ में एक सामाजिक यथार्थवादी कलाकार के रूप में प्रमुखता प्राप्त की। उनके प्रारंभिक कार्यों ने उस संस्कृति में काले अमेरिकियों की दुर्दशा को विषय बनाया जो उन्हें उनकी त्वचा के रंग के कारण हाशिए पर डालने के लिए बंधी और दृढ़ थी। उनके चित्रात्मक कार्य का संस्कृति पर गहरा प्रभाव देखते हुए, आज कुछ लोगों को यह जानकर आश्चर्य होता है कि बीर्डन ने अमूर्तता के क्षेत्र में भी गहराई से प्रवेश किया। फिर भी, बीर्डन के लिए, यह वास्तव में कोई प्रस्थान नहीं था। उन्होंने सभी प्रकार की कला—चित्रात्मक, अमूर्त, वैचारिक, जो भी—को एक एकीकृत प्रयास का हिस्सा माना जो मानवता ने हमेशा अपने आप को और अपने अस्तित्व को बेहतर समझने के लिए किया है। उन्होंने कला को कुछ ऐसा माना जो बहता है, लेकिन वास्तविक अनुभव से भिन्न है, और इस प्रकार उन नियमों से बंधा नहीं है जो कहते हैं कि इसे वास्तव में जो हम देखते हैं उसे प्रतिबिंबित करना चाहिए। "कला," बीर्डन ने एक बार कहा, "कला का निर्माण है, या एक रचनात्मक undertaking, जिसका प्राथमिक कार्य हमारे मौजूदा वास्तविकता की धारणा में जोड़ना है।" उनके अमूर्त कार्य इस अवधारणा को अद्भुत रूप से स्पष्ट करते हैं, और हमें नए तरीकों से अपने आप को और अपनी दुनिया को देखने में मदद करने की अमूर्तता की संभावनाओं पर एक नई अंतर्दृष्टि प्रदान करते हैं।
रूपक और मिथक
रोमारे बीर्डन - रिवर मिस्ट, 1962। बिना प्राइम किए लिनन पर तेल, और कैसिन, और रंगीन पेंसिल कैनवास पर, काटा, फटा, और पेंटेड बोर्ड पर माउंट किया गया। 54 1/4 x 40 7/8 इंच। DC मूर गैलरी
हालाँकि उनकी प्रारंभिक शैली कुछ हद तक आधुनिक थी, और तब भी यह अवstraction की संवादात्मक क्षमता के प्रति जागरूकता का संकेत देती थी, यह उस समय अमेरिका में उत्पादित कई क्षेत्रीयतावादी चित्रकारों की शैली के समान भी थी। बीर्डन चाहते थे कि उनके काम को क्षेत्रीय या यहां तक कि आकृतिवादी के रूप में सीमित न किया जाए। वह अपने चित्रों को रूपक से संपन्न करना चाहते थे, व्यक्तिगत अनुभव को सामूहिक समझ के साथ जोड़ना चाहते थे। द्वितीय विश्व युद्ध में अपनी सेना की सेवा समाप्त करने के बाद, वह यूरोप लौटे ताकि यूरोपीय आधुनिकतावादियों के स्टूडियो का दौरा कर सकें। जब वह न्यूयॉर्क लौटे, तो उन्होंने उनसे सीखी गई तकनीकों का अन्वेषण किया, और साथ ही अवstract एक्सप्रेशनिज़्म और विभिन्न अन्य समकालीन दृष्टिकोणों के साथ भी छेड़खानी की, अपनी प्रामाणिक आवाज़ की खोज में। उनके विकास के लिए सामाजिक सक्रियता में उनका विश्वास आवश्यक था, और नागरिक अधिकारों के संघर्ष में उनकी दैनिक भागीदारी। कभी-कभी, उनकी कलात्मक खोज उनके राजनीतिक विश्वासों के साथ संघर्ष में भी प्रतीत होती थी। एक ऐसे समय पर, बीर्डन ने प्रसिद्ध रूप से कहा, "काले कलाकार को खुद को मुख्य रूप से एक काले कलाकार के रूप में नहीं, बल्कि एक कलाकार के रूप में सोचने आना चाहिए।" उन्होंने बाद में उस बयान को चुनौती दी, यह महसूस करते हुए कि किसी भी रचनात्मक व्यक्ति के लिए अपने व्यक्तिगत परिस्थितियों और अनुभवों को अपने काम से हटा देना व्यर्थ है।
रोमारे बर्डन - पुराना और नया, 1961। कैनवास पर तेल। 50 x 60 1/16 इंच। DC मूर गैलरी
सामाजिक क्रिया के रूप में कोलाज
बीर्डन ने 1950 के दशक के अंत में जिसे शुद्ध अमूर्तता कहा जा सकता है, में प्रवेश किया। हेलेन फ्रैंकेंथालर द्वारा "सोख-धब्बा" तकनीक का उपयोग शुरू करने के लगभग चार साल बाद, बीर्डन ने स्वतंत्र रूप से एक समान विधि विकसित की। एक चीनी कलीग्राफर के साथ किए गए काम से प्रेरित होकर, उन्होंने अपने तेल रंगों को पतला करना शुरू किया और उन्हें कच्चे कैनवास पर डाल दिया, जिससे वे एक साथ मिलकर रंगीन, ब्रह्मांडीय रचनाएँ बनाने लगे। अपने चित्रात्मक कार्यों की तरह, बीर्डन ने इन अमूर्तताओं को मानव स्थिति के बारे में कुछ आवश्यक का अभिव्यक्ति माना। उनके कुछ माध्यम नहीं मिले, जिससे एक पेंटिंग की सतह पर जीवंत विभाजन उत्पन्न हुए; अन्य माध्यम एक साथ घूमकर कुछ अधिक जटिल और परतदार बनाने के लिए मिल गए जो कि अकेले में से कोई भी हासिल नहीं कर सकता था; उनके अमूर्त कैनवास के कुछ क्षेत्रों को कच्चा छोड़ दिया गया, जो प्रकट होने के क्षणों के रूप में कार्य करते हैं; कुछ क्षेत्र स्वतंत्र और तरल लगते हैं, जबकि अन्य तंग नियंत्रित और मानचित्रित दिखते हैं। इन अभिव्यक्तिपूर्ण वास्तविकताओं के भीतर, बीर्डन ने अपने रोजमर्रा के मानव अस्तित्व के विचारों, भावनाओं और संघों को व्यक्त किया।
Romare Bearden - White Mountain, c. 196. Oil and casein on canvas, cut and mounted on painted board with graphite. 50 x 34 3/4 inches. DC Moore Gallery
उनकी कुछ सबसे विशिष्ट अमूर्त रचनाएँ कोलाज तकनीक का उपयोग करती हैं, जिसे बीर्डन ने लगभग 1963 में उपयोग करना शुरू किया। कनाडाई लेखक मार्शल मैक्लुहान द्वारा "माध्यम ही संदेश है" वाक्यांश गढ़ने से एक साल से अधिक समय पहले, बीर्डन ने इस विचार की गहरी समझ का प्रदर्शन किया कि कोलाज का माध्यम सामूहिक क्रिया का संदेश कैसे व्यक्त करता है। उनके अमूर्त कोलाज केवल रंगों, आकारों और बनावटों की एकीकृत रचना को नहीं दर्शाते—वे यह भी दिखाते हैं कि कैसे विविध तत्वों को मिलाकर कुछ एकीकृत, शक्तिशाली और स्पष्ट बनाया जा सकता है। उनकी जोड़ी हुई उपस्थिति और स्पष्ट कृत्रिमता वास्तव में, "हमारी मौजूदा वास्तविकता की धारणा में जोड़ती है" एक गहन और सुंदर तरीके से।
रोमारे बीर्डन: अमूर्तता, बीर्डन द्वारा बनाए गए अमूर्त कोलाज और पेंटिंग्स का एक बड़ा चयन प्रदर्शित करते हुए, 10 अक्टूबर 2020 को मिशिगन के एन आर्बर में मिशिगन विश्वविद्यालय कला संग्रहालय में खोला जाएगा; 13 फरवरी 2021 को वाशिंगटन के सिएटल में फ्राई आर्ट म्यूजियम में; और 15 अक्टूबर 2021 को दक्षिण कैरोलिना के चार्ल्सटन में गिब्स म्यूजियम ऑफ आर्ट में।
विशेष छवि: रोमारे बर्डन - फीस्ट, 1969। लकड़ी के पैनल पर विभिन्न कागजों का कोलाज। 21 x 25 इंच। DC मूर गैलरी।
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा
