जब रोमारे बीर्डन अमूर्त हुए
यदि आप भी कई लोगों की तरह, इस सर्दी में न्यूयॉर्क के DC Moore Gallery में अमूर्त रोमारे बीयार्डन को देखने से चूक गए क्योंकि COVID-19 के कारण, तो चिंता न करें: एक और भी बड़ा प्रदर्शनी, जिसका शीर्षक है Romare Bearden: Abstraction, शरद ऋतु में संयुक्त राज्य अमेरिका में भ्रमण शुरू करेगा (यदि तब तक वायरस का प्रभाव समाप्त हो चुका होगा)। ये दोनों प्रदर्शनी बीयार्डन के व्यापक रूप से प्रसिद्ध आकृतिपूर्ण कार्यों से परे जाकर उनकी करियर के एक कम सराहे पहलू—उनकी बड़े पैमाने की, अभिव्यक्तिपूर्ण अमूर्त कृतियों—में गहराई से उतरने के लिए प्रशंसा के पात्र हैं। बीयार्डन ने सदी की शुरुआत में एक सामाजिक यथार्थवादी कलाकार के रूप में प्रसिद्धि पाई। उनके प्रारंभिक कार्यों का विषय काले अमेरिकियों की स्थिति थी, जो एक ऐसी संस्कृति में थे जो उनकी त्वचा के रंग के कारण उन्हें हाशिए पर रखने के लिए प्रतिबद्ध थी। उनके आकृतिपूर्ण कार्यों का संस्कृति पर गहरा प्रभाव होने के कारण, आज कुछ लोगों के लिए यह जानना आश्चर्यजनक है कि बीयार्डन ने अमूर्त कला के क्षेत्र में भी गहराई से काम किया। फिर भी, बीयार्डन के लिए, यह वास्तव में कोई अलगाव नहीं था। उन्होंने कला के सभी प्रकार—आकृतिपूर्ण, अमूर्त, वैचारिक, जो भी हो—को मानवता के उस एकीकृत प्रयास के हिस्से के रूप में देखा, जो हमेशा स्वयं और अपने अस्तित्व को बेहतर समझने के लिए किया गया है। उन्होंने कला को ऐसा कुछ माना जो बहता है, लेकिन वास्तविक अनुभव से अलग है, और इसलिए उन नियमों से बंधा नहीं है जो कहते हैं कि इसे हमें जो वास्तव में दिखता है उसका प्रतिबिंब होना चाहिए। “कला,” बीयार्डन ने एक बार कहा था, “कला-कौशल या एक रचनात्मक प्रयास है, जिसका मुख्य कार्य हमारी वास्तविकता की मौजूदा समझ में वृद्धि करना है।” उनकी अमूर्त कृतियाँ इस विचार को सुंदरता से स्पष्ट करती हैं, और अमूर्तता की संभावनाओं को दिखाती हैं कि यह हमें स्वयं और हमारी दुनिया को नए दृष्टिकोण से देखने में कैसे मदद कर सकती है।
रूपकों और मिथकों
रोमारे बीयार्डन - रिवर मिस्ट, 1962। बिना प्राइम किए लिनन पर तेल, और कैनवास पर तेल, केसिन, और रंगीन पेंसिल, काटा, फटा, और रंगीन बोर्ड पर चिपकाया गया। 54 1/4 x 40 7/8 इंच। DC Moore Gallery
हालांकि उनकी प्रारंभिक शैली कुछ हद तक आधुनिक थी, और तब भी अमूर्तता की संप्रेषणीय क्षमता की समझ का संकेत देती थी, यह उस समय अमेरिका में बनने वाले कई क्षेत्रीय चित्रकारों की शैली के समान भी थी। बीयार्डन चाहते थे कि उनके कार्य को केवल क्षेत्रीय या आकृतिपूर्ण के रूप में सीमित न किया जाए। वे अपनी चित्रकारी में रूपक देना चाहते थे, व्यक्तिगत अनुभव को सामूहिक समझ से जोड़ना चाहते थे। द्वितीय विश्व युद्ध में अपनी सेना सेवा पूरी करने के बाद, वे यूरोप लौटे और यूरोपीय आधुनिकतावादियों के स्टूडियो का दौरा किया। न्यूयॉर्क लौटने पर, उन्होंने उनसे सीखी तकनीकों का अन्वेषण किया, और साथ ही अमूर्त अभिव्यक्तिवाद और अन्य समकालीन दृष्टिकोणों के साथ प्रयोग किया, अपनी असली आवाज़ खोजने के लिए। उनके विकास में सामाजिक सक्रियता में विश्वास और नागरिक अधिकारों के लिए दैनिक संघर्ष में भागीदारी महत्वपूर्ण थी। कभी-कभी, उनकी कलात्मक खोज उनके राजनीतिक विश्वासों के साथ टकराव में भी लगती थी। एक बार, बीयार्डन ने प्रसिद्ध रूप से कहा, “काला कलाकार को स्वयं को मुख्य रूप से काला कलाकार नहीं, बल्कि एक कलाकार के रूप में सोचना चाहिए।” बाद में उन्होंने इस कथन को चुनौती दी, यह समझते हुए कि किसी भी रचनात्मक व्यक्ति के लिए अपने व्यक्तिगत हालात और अनुभवों को अपने कार्य से अलग करना व्यर्थ है।
रोमारे बीयार्डन - पुराना और नया, 1961। कैनवास पर तेल। 50 x 60 1/16 इंच। DC Moore Gallery
सामाजिक क्रिया के रूप में कोलाज
बीयार्डन ने लगभग 1950 के दशक के अंत में शुद्ध अमूर्तता की ओर कदम बढ़ाया। हेलन फ्रैंकेंथलर के “सोख-धब्बा” तकनीक शुरू करने के लगभग चार साल बाद, बीयार्डन ने स्वतंत्र रूप से इसी तरह की विधि अपनाई। एक चीनी सुलेखकार के साथ काम से प्रेरित होकर, उन्होंने अपने तेल रंगों को पतला करना शुरू किया और उन्हें कच्चे कैनवास पर डाल दिया, जिससे रंगीन, ब्रह्मांडीय रचनाएँ बनती थीं। अपनी आकृतिपूर्ण कृतियों की तरह, बीयार्डन ने इन अमूर्त कृतियों को मानव स्थिति के कुछ मौलिक पहलू के अभिव्यक्ति के रूप में देखा। उनके कुछ माध्यम एक-दूसरे में नहीं मिलते थे, जिससे चित्र की सतह पर स्पष्ट विभाजन होते थे; अन्य माध्यम मिलकर कुछ अधिक जटिल और परतदार बनाते थे; उनके अमूर्त कैनवास के कुछ हिस्से कच्चे छोड़ दिए जाते थे, जो प्रकट होने के क्षण के रूप में कार्य करते थे; कुछ क्षेत्र स्वतंत्र और प्रवाही लगते थे, जबकि अन्य सख्ती से नियंत्रित और नक्शाबद्ध दिखते थे। इन अभिव्यक्तिपूर्ण वास्तविकताओं के भीतर, बीयार्डन ने अपने रोज़मर्रा के मानव अस्तित्व के विचारों, भावनाओं और संबंधों को व्यक्त किया।
रोमारे बीयार्डन - व्हाइट माउंटेन, लगभग 196। कैनवास पर तेल और केसिन, काटा और ग्रेफाइट के साथ रंगीन बोर्ड पर चिपकाया गया। 50 x 34 3/4 इंच। DC Moore Gallery
उनकी कुछ सबसे विशिष्ट अमूर्त रचनाएँ कोलाज तकनीक का उपयोग करती हैं, जिसे बीयार्डन ने लगभग 1963 में अपनाया। कनाडाई लेखक मार्शल मैक्लुहान के “माध्यम ही संदेश है” वाक्यांश के एक साल से भी पहले, बीयार्डन ने इस विचार को गहराई से समझते हुए दिखाया कि कोलाज का माध्यम सामूहिक क्रिया के संदेश को कैसे व्यक्त करता है। उनके अमूर्त कोलाज केवल रंगों, आकारों और बनावटों की एक एकीकृत रचना ही नहीं दिखाते—वे यह भी दिखाते हैं कि विविध तत्वों को मिलाकर कुछ एकीकृत, शक्तिशाली और स्पष्ट बनाया जा सकता है। उनकी टुकड़ों में जुड़ी हुई उपस्थिति और स्पष्ट कला-कौशल वास्तव में “हमारी वास्तविकता की मौजूदा समझ में वृद्धि” करती है, एक गहरे और सुंदर तरीके से।
Romare Bearden: Abstraction, जिसमें बीयार्डन के अमूर्त कोलाज और चित्रों का बड़ा संग्रह है, 10 अक्टूबर 2020 को मिशिगन के एन आर्बर में यूनिवर्सिटी ऑफ मिशिगन म्यूजियम ऑफ आर्ट में, 13 फरवरी 2021 को वाशिंगटन के सिएटल में फ्राय आर्ट म्यूजियम में, और 15 अक्टूबर 2021 को साउथ कैरोलिना के चार्ल्सटन में गिब्स म्यूजियम ऑफ आर्ट में खुलेगा।
मुख्य छवि: रोमारे बीयार्डन - भोजन, 1969। लकड़ी के पैनल पर विभिन्न कागजों का कोलाज। 21 x 25 इंच। DC Moore Gallery।
सभी चित्र केवल उदाहरण के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा
