Un Nuovo Libro Celebra Alice Trumbull Mason, Pioniera dell'Astrattismo Americano

Alice Trumbull Mason era una rarità nel campo dell’arte: una praticante tenace motivata interamente dal desiderio di apprendere. Mason morì nel 1971, all’età di 67 anni, lasciando dietro di sé centinaia di dipinti e stampe che la collocano tra le artiste più lungimiranti e talentuose del suo tempo. Immune alle mode e incessantemente dedita alla sperimentazione, creò un corpus di opere che trascende il tempo. Un importante monografia che documenta più di 150 suoi dipinti, con saggi approfonditi su Mason scritti da critici d’arte contemporanei come Elisa Wouk Almino di Hyperallergic, sarà pubblicata dalla casa editrice Rizzoli Electa di New York (è già possibile prenotarla). La valutazione più completa della sua carriera fino ad oggi, sarà apprezzata per le sue splendide riproduzioni a tutta pagina di molte delle sue opere. Tuttavia, la ricezione che il libro sta già ottenendo è un po’ strana. La stranezza è incarnata dal titolo di una recente recensione scritta da Roberta Smith per il New York Times, che definisce Mason una “Modernista Dimenticata.” Questa affermazione, che Mason non sia stata apprezzata durante la sua epoca o che sia stata ignorata dopo la sua morte, è meno un fatto e più un’esagerazione per alimentare l’appetito del mercato dell’arte per opere e artisti che sarebbero stati “trascurati.” La rifiuto come teoria solo in questo caso perché conosco troppi artisti reali che esistono nel vero campo artistico. La maggior parte degli artisti vorrebbe avere la carriera che ha avuto Alice Trumbull Mason. In oltre quattro decenni, ha avuto sei mostre personali a New York, ha co-fondato gli American Abstract Artists, ha stretto amicizia e imparato da diversi degli artisti più stimati del suo tempo, e ha venduto opere ad alcune delle figure più influenti del mondo dell’arte, tra cui Hilla Rebay e Peggy Guggenheim. In una realtà in cui la stragrande maggioranza degli artisti non ha mai una singola mostra personale a New York, e non vende affatto dipinti, Mason è stata un successo clamoroso. Piuttosto che lasciare che il mercato dell’arte deformi la sua eredità per adattarla alla sua narrativa corrotta, dovremmo rendere omaggio a ciò che Mason ha realmente fatto.

Una Storia Personale dell’Arte

Una testimonianza del tipo di artista che Alice Trumbull Mason fosse si trova negli Archivi Smithsonian dell’Arte Americana, dove sono stati donati i suoi documenti personali. La collezione include un taccuino, sulla copertina del quale Mason scrisse a mano “Storia dell’Arte.” All’interno delle sue pagine (disponibili per la consultazione online) ci sono riflessioni personali sulle vite e le opere di una ventina di maestri classici. Invece di leggere e rigurgitare la storia dell’arte, Mason andò in Europa e visitò personalmente opere influenti, prendendosi il tempo anche per conoscere gli esseri umani che le avevano create. Il suo libro personale di storia dell’arte include sia osservazioni plastiche sia intuizioni sulla vita interiore degli artisti. Entrambe sono ugualmente rivelatrici. Per esempio, nota che Michelangelo non voleva dipingere la Cappella Sistina, e che nutriva risentimento verso molti dei suoi altri committenti. Il fatto che sia diventato uno degli artisti più famosi di sempre era irrilevante per Mason—lei era più interessata al fatto che fosse infelice perché non aveva la libertà di dipingere ciò che voleva.

Alice Trumbull Mason - #1 Verso un Paradosso, 1969. Olio su tela. 48,3 x 55,9 cm. Galleria Washburn, New York.

Sul tema della plasticità dell’arte, Mason prende nota di una citazione dello scultore rinascimentale Donatello, che disse: “Perdi la sostanza per l’ombra.” Nel suo caso, Donatello parlava degli effetti di forti contrasti di luce e ombra, noti come chiaroscuro. Sebbene i dettagli di una figura possano perdersi quando la luce colpisce le pieghe di un tessuto scolpito o le creste di muscoli scolpiti, il dramma e il realismo emergono dalla percezione della profondità che l’ombra crea. Mason lesse qualcosa di ancora più profondo nelle sue parole. Vide in questa citazione un riferimento alla potenzialità dell’astrazione. L’ombra divenne una metafora per l’ignoto. Proprio come l’ignoto faceva sembrare reale una scultura a Donatello, l’ignoto rappresentava ciò che era più reale per Mason. Considerava l’arte astratta come il tipo di arte più rappresentativo—era l’ignoto, invece del noto, che cercava di rappresentare.

Alice Trumbull Mason - Senza titolo, ca. 1939. Olio su tela. 76,2 x 101,6 cm. Galleria Washburn, New York.

Una Vera Pioniera

Il titolo della prossima monografia su Mason—Alice Trumbull Mason: Pioniera dell’Astrazione Americana—non potrebbe essere più appropriato. Per me richiama il vecchio detto americano dei primi giorni dell’espansione verso ovest: “I pionieri vengono massacrati; i coloni diventano ricchi.” L’arte forse non ha mai fatto una fortuna a Mason, ma ciò che si trova nelle pagine di questa monografia è la prova di un’artista che non si è mai accontentata. Già nel 1929, quando aveva 25 anni, Mason era devota alle possibilità spirituali laiche contenute nell’arte astratta. Studiava volentieri teorie contrastanti, oscillando tra il biomorfismo lirico di artisti come Wassily Kandinsky, Joan Miró e uno dei suoi mentori personali, Arshile Gorky, e la purezza geometrica e plastica di artisti come Piet Mondrian. Oscillò tra queste due posizioni per tutta la vita. Nel 1945, quando Hilla Rebay organizzò la Mostra Memoriale di Kandinsky, che presentava 227 dipinti, Mason scrisse una lettera personale a Rebay ringraziandola per averle dato la possibilità di “studiare così a fondo” gran parte delle sue opere di persona. Eppure, solo un anno dopo, Mason stava già aggiungendo rettangoli e quella che chiamava struttura “architettonica” alle sue composizioni nello spirito Neo-Plastico di Mondrian.

Alice Trumbull Mason - Disegno per "Astrazione Colorstruttiva", 1947. Olio su masonite. 67,3 x 58,4 cm. Galleria Washburn, New York.

In definitiva, Mason mantenne fedeli due principi guida nel suo lavoro che sovrastavano qualsiasi preoccupazione superficiale sul contenuto. Il primo era la sua convinzione—che stesse realizzando dipinti o stampe, composizioni biomorfiche o geometriche—nell’importanza della libertà personale riguardo a quale arte creare e come crearla. E il secondo era la sua consapevolezza che il mezzo stesso fosse l’elemento più importante ed espressivo dell’arte astratta. Come tutti i grandi artisti, la magia del suo lavoro non sta nel suo curriculum espositivo, né nei suoi prezzi d’asta, né in quanti collezionisti contemporanei ora conoscono il suo nome—sta nella plasticità ekphrasica della pittura stessa.

Immagine in evidenza: Alice Trumbull Mason - Bastone, Fuso e Verga, 1952. Olio su tela. 87,3 x 106,7 cm. Galleria Washburn, New York.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio