Un Nuovo Libro Celebra Alice Trumbull Mason, Pioniera dell'Astrattismo Americano

Alice Trumbull Mason era una rarità nel campo dell'arte: una praticante incrollabile motivata interamente dal desiderio di imparare. Mason morì nel 1971, all'età di 67 anni, lasciando dietro di sé centinaia di dipinti e stampe che la collocano tra le artiste più perspicaci e talentuose del suo tempo. Immuni alle tendenze e incessantemente devote alla sperimentazione, creò un corpus di opere che trascende il tempo. Un importante monografia che documenta più di 150 dei suoi dipinti, e presenta saggi perspicaci su Mason da parte di scrittori d'arte contemporanei come Elisa Wouk Almino di Hyperallergic, è in arrivo dagli editori Rizzoli Electa a New York (può essere preordinato ora). La valutazione più completa della sua carriera fino ad oggi, sarà apprezzata per le sue bellissime riproduzioni a pagina intera di molte delle sue opere. Eppure, la ricezione che il libro sta già ricevendo è un po' strana. La stranezza è incarnata dal titolo di una recente recensione scritta da Roberta Smith per il New York Times, che definisce Mason una “Modernista Dimenticata.” Quella affermazione, che Mason non fosse apprezzata durante il suo tempo, o sia stata ignorata dalla sua morte, è meno un fatto e più un'iperbole per soddisfare l'appetito del mercato dell'arte per opere e artisti che sono stati suppostamente “trascurati.” La rifiuto come teoria in questo caso solo perché conosco troppi artisti reali che esistono nel vero campo dell'arte. La maggior parte degli artisti vorrebbe avere la carriera che ha avuto Alice Trumbull Mason. In oltre quattro decenni, ha avuto sei mostre personali a New York City, ha co-fondato American Abstract Artists, ha fatto amicizia e ha imparato da diversi dei più rispettati artisti del suo tempo, e ha venduto opere ad alcune delle figure più influenti del mondo dell'arte, tra cui Hilla Rebay e Peggy Guggenheim. In una realtà in cui la stragrande maggioranza degli artisti non ha mai una sola mostra personale a New York, e non vende mai dipinti, Mason è stata un successo straordinario. Piuttosto che lasciare che il mercato dell'arte deformi la sua eredità per adattarsi alla sua narrativa corrotta, dovremmo rispettare ciò che Mason ha effettivamente fatto.

Una Storia Personale dell'Arte

Una testimonianza del tipo di artista Alice Trumbull Mason che era si può trovare negli Archivi Smithsonian dell'Arte Americana, dove sono stati donati i suoi documenti personali. La collezione include un quaderno, sulla cui copertina Mason ha scritto a mano "Storia dell'Arte". All'interno delle sue pagine (che sono disponibili per la consultazione online) ci sono riflessioni personali sulla vita e le opere di una dozzina di maestri classici. Invece di leggere e ripetere la storia dell'arte, Mason è andata in Europa e ha visitato personalmente opere influenti, prendendo tempo anche per conoscere gli esseri umani che le hanno create. Il suo libro di storia dell'arte personale include sia osservazioni plastiche che intuizioni sulla vita interiore degli artisti. Entrambi sono ugualmente rivelatori. Ad esempio, nota che Michelangelo non voleva dipingere la Cappella Sistina e che risentiva molti dei suoi altri mecenati. Il fatto che sia diventato uno degli artisti più famosi di sempre era irrilevante per Mason: era più interessata al fatto che fosse infelice perché non aveva la libertà di dipingere ciò che voleva.

Alice Trumbull Mason - #1 Verso un Paradosso, 1969. Olio su tela. 19 x 22 in (48.3 x 55.9 cm). Washburn Gallery, New York.

Sull'argomento della plasticità dell'arte, Mason nota una citazione dello scultore rinascimentale Donatello, che disse: “Perdi la sostanza per l'ombra.” Nel suo caso, Donatello parlava degli effetti dei cambiamenti audaci di luminosità e oscurità, noti come chiaroscuro. Anche se i dettagli di una figura possono andare persi quando la luce colpisce le pieghe di un tessuto scolpito, o le creste di muscoli scolpiti, il dramma e il realismo emergono dal senso di profondità percepito che l'ombra crea. Mason lesse qualcosa di ancora più profondo nelle sue parole. Vide in questa citazione un riferimento alla potenzialità dell'astrazione. L'ombra divenne una metafora per l'ignoto. Proprio come l'ignoto rendeva una scultura reale per Donatello, l'ignoto rappresentava ciò che era più reale per Mason. Considerava l'arte astratta come il tipo di arte più rappresentativo: era l'ignoto, invece del noto, che stava cercando di rappresentare.

Alice Trumbull Mason - Senza titolo, ca. 1939. Olio su tela. 30 x 40 in (76.2 x 101.6 cm). Washburn Gallery, New York.

Un pioniere totale

Il titolo della prossima monografia su Mason—Alice Trumbull Mason: Pioniera dell'Astrattismo Americano—non potrebbe essere più appropriato. Per me, richiama il vecchio adagio americano dei primi giorni dell'espansione verso ovest: “I pionieri vengono massacrati; i coloni diventano ricchi.” L'arte potrebbe non aver mai reso Mason una fortuna, ma ciò che trovi all'interno delle pagine di questa monografia è la prova di un'artista che non si è mai accontentata. Già nel 1929, quando aveva 25 anni, Mason era devota alle possibilità spirituali secolari contenute nell'arte astratta. Studiava felicemente teorie contrastanti, oscillando tra il biomorfismo di artisti come Wassily Kandinsky, Joan Miro e uno dei suoi mentori personali, Arshile Gorky, e la purezza geometrica e plastica di artisti come Piet Mondrian. Oscillò tra queste due posizioni per tutta la vita. Nel 1945, quando Hilla Rebay organizzò la The Kandinsky Memorial Exhibition, che presentava 227 dipinti, Mason scrisse una lettera personale a Rebay ringraziandola per averle dato la possibilità “di studiare così a fondo” gran parte del suo lavoro di persona. Eppure, solo un anno dopo, Mason stava già aggiungendo rettangoli e quella che chiamava struttura “architettonica” alle sue composizioni nello spirito Neo-Plastico di Mondrian.

Alice Trumbull Mason - Disegno per "Colorstructive Abstraction", 1947. Olio su masonite. 26 1/2 x 23 in (67.3 x 58.4 cm). Washburn Gallery, New York.

In definitiva, Mason ha mantenuto fede a due principi guida nel suo lavoro che sovrastavano qualsiasi preoccupazione superficiale riguardo al contenuto. Il primo era la sua convinzione—che si trattasse di dipinti o stampe, composizioni biomorfiche o geometriche—nell'importanza della libertà personale quando si tratta di quale arte creare e come crearla. E il secondo era la sua consapevolezza che il medium stesso è l'elemento più importante ed espressivo dell'arte astratta. Come tutti i grandi artisti, la magia del suo lavoro non risiede nel suo CV espositivo, né nei suoi prezzi d'asta, né in quanti collezionisti contemporanei ora conoscono il suo nome—è nella plasticità ekphrastica della vernice stessa.

Immagine in evidenza: Alice Trumbull Mason - Staff, Distaff e Rod, 1952. Olio su tela. 34 3/8 x 42 in (87,3 x 106,7 cm). Washburn Gallery, New York.
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park