Meno è di più! Colleziona la tua arte astratta minimale qui

Meno è di più, un aforisma popolare di Ludwig Mies van der Rohe, non solo ha catturato sinteticamente l’essenza del minimalismo emergente, ma ha ispirato il movimento che continua a evolversi in numerose diramazioni estetico-filosofiche impegnate in un’intransigente semplificazione delle forme. Ritornando a un’astrazione riduttiva del Costruttivismo russo e del De Stijl olandese (o persino a Monet secondo Clement Greenberg), la sua svolta contemporanea avvenne nel 1959 con la mostra Black Paintings di Frank Stella. Dipingendo forme e linee geometriche esclusivamente nere (su una base bianca neutra), ampliò i confini dell’arte stessa, consacrando l’arte astratta minimalista come la più sublime espressione della radicale autocritica modernista. I minimalisti degli anni Sessanta risposero con una dura ostilità verso l’arte abbondantemente affettiva e ostentata degli Espressionisti Astratti, che enfatizzavano la ricchezza dell’esperienza umana. Trovando l’essenza stessa dell’opera negli oggetti, i minimalisti rivendicarono l’autonomia e l’autoriferimento dell’opera. Sostenevano la presenza letterale di un’opera d’arte - senza riferimenti confusi a concetti complessi, programmi o ideologie dietro di essa - e sottolineavano la risposta immediata dello spettatore alle qualità di colore, forma, spazio e materiale. Ripreso da Ad Reinhardt, le cui opere completamente nere anticiparono il minimalismo degli anni Sessanta, meno è di più iniziò a significare un’arte che si liberava della natura e negava l’espressione artistica (e le idee dietro l’espressione) ma che accentuava l’apprezzamento supremo del mezzo e della forma. Ispirata da principi eterni di semplicità, equilibrio, simmetria, ordine, armonia e completezza, l’arte astratta minimalista rimane ampiamente popolare. Scorri in basso per la nostra selezione settimanale delle dieci opere di arte astratta minimalista più coinvolgenti.

Brent Hallard - Architectural Butterfly (Dandelion)

Hallard è affascinato dalle forme semplici e dai gruppi di forme che si evolvono in Architectural Butterfly (Dandelion), dove gioca con un’ambiguità che oscilla tra un interno architettonico e una forma proiettante. Quest’opera geometrica si basa su forma e colore per creare un’illusione ottica - manipolando le disposizioni tra oggetti e colori, Hallard sfida la percezione soggettiva dello spettatore. Hallard è un artista astratto australiano, curatore e scrittore le cui opere su carta e alluminio esplorano l’iconografia minimalista e le espressioni monocromatiche. Attualmente vive e lavora a Byron Bay, Australia.

 

Brent Hallard - Architectural Butterfly (Dandelion), 2016. Acrilico su alluminio alveolare. 61 x 61 cm.

Clay Johnson - What I heard

L’ultima opera di Johnson, What I heard, rivela la sua duratura adesione al processo mentre lascia che le sue opere emergano attraverso una serie di risposte libere. Trascina bande orizzontali di colore sulla superficie lasciando che la scelta iniziale del colore guidi la composizione. Man mano che si accumulano più strati di pittura, Johnson leviga questi strati suggerendo ciò che si trova sotto. Le sue reazioni viscerali danno luogo a una superficie luminosa e levigata con combinazioni di colori complesse. Johnson è un pittore astratto americano le cui composizioni riduttive esplorano le relazioni tra colore, forma e trama. Vive e lavora a Laramie, Wyoming.

 

Clay Johnson - What I heard, 2020. Acrilico su tela. 121,92 x 121,92 cm.

 

Elizabeth Gourlay - Subulo 1

Parte di una serie ispirata al suo soggiorno in Umbria, Italia, subulo è un antico nome etrusco per un flauto e rivela l’interesse di Gourlay per le sculture in pietra e altri reperti etruschi. Tuttavia, dietro il vivace gioco tra colore e forma emerge un racconto evocativo che lo indaga - svela come pensiamo al suono, e in particolare alla musica, e come essa venga tradotta in un mezzo visivo. Gourlay è un’artista astratta americana il cui lavoro nasce da un processo progressivo di stratificazione di colore, linee e forme informate sia da stati emotivi interiori sia dall’osservazione della natura e dell’architettura. Vive e lavora a Chester, Connecticut.

 

Elizabeth Gourlay - Subulo 1, 2013. Grafite e olio su pannello. 30,5 x 30,5 cm.

 

Arvid Boecker - #1198

Boecker esplora continuamente il colore, dipinto sulla sua tela rettangolare standard divisa da una linea longitudinale in due campi cromatici. #1198 esemplifica il suo meticoloso impegno nella costruzione di strati di colore, applicandone fino a 40 e rimuovendo quelli vecchi per permettere che gli echi dell’erosione restino visibili. Questo lungo processo creativo durante il quale i suoi dipinti maturano è intrinsecamente meditativo, mentre riflette contemporaneamente sul colore e i suoi effetti. Boecker è un pittore astratto tedesco il cui lavoro mobilita le tensioni e le armonie che esistono tra le relazioni cromatiche, le trame e i processi del tempo. Vive e lavora a Heidelberg, Germania.

 

Arvid Boecker - #1198, 2019. Olio su tela. 50 x 40 x 5,5 cm.

 

Macyn Bolt - skipstep (aa)

skipstep (aa) riflette splendidamente l’interesse di Bolt per il paradosso della comprensione spaziale così come esiste nella pittura astratta. Ispirato dalla tecnica dei passi di pugilato, Bolt trova che le qualità illusorie della composizione astratta comportano una pratica simile nella percezione e nell’aspettativa. Cerca di creare una tensione dinamica tra primo piano/sfondo, centro/bordo e dentro/fuori, prendendo in prestito dal vocabolario geometrico degli schemi architettonici. Bolt è un pittore astratto americano. Usando un linguaggio visivo informato dall’astrazione geometrica, crea opere che esaminano come colore e forma creano spostamenti nella percezione visiva. Vive e lavora a Brooklyn, NY, e nell’entroterra della Pennsylvania.

 

Macyn Bolt - skipstep (aa), 2014. Acrilico su tela. 51 x 46 cm.

 

Tilman - Untitled (257.11)

Ispirato dall’Arte Concreta e dal Minimalismo, le celebri opere su carta di Tilman sono un deposito personale delle sue idee derivate dalla sua mente visiva inquieta. Usando il pastello su carta velina, permette alla sua memoria visiva di tradursi sulla carta rivelando qualità pittoriche e struttura superficiale. Untitled (257.11) mette in evidenza una disposizione insolita dello spazio, creando una composizione di forma e colore che, interagendo con la luce, riordina l’ambiente visivo. Tilman è un artista astratto e curatore tedesco. Il suo lavoro include dipinti, ambienti costruiti e oggetti impilati e stratificati su pareti e pavimenti. Vive e lavora a New York City e Dolceacqua, Italia.

 

Tilman - Untitled (257.11), 2011. Pastello su velina. 65 x 50 cm.

 

Kim Uchiyama - Pulse

Pulse è un’opera ipnotica ad acquerello che trasmette fasce traboccanti di luce enigmatica. Uchiyama applica colore saturo per realizzare un coro complessivo con ogni fascia che delinea la propria voce unica. La loro precisa disposizione e i delicati strati comunicano i sentimenti più intimi di Uchiyama, spesso ispirati dalla luce o dall’atmosfera di un luogo particolare. Uchiyama è un’artista astratta americana le cui opere usano il colore per creare luce e forma che attivano il potenziale metafisico dello spazio pittorico. Vive e lavora a New York.

 

Kim Uchiyama - Pulse, 2018. Acquerello su carta Arches. 40,6 x 30,5 cm.

 

Xanda McCagg - Adjacent 5

Un’opera d’iniziazione che annuncia i corpi più ampi di lavoro di McCagg, Adjacent 5 è realizzata con bastoncini di pittura e matita su carta preparata con gesso che cattura la vivacità e il fervore della sua tecnica. Crea segni sottili e vasti campi di colore usando anche linee per enfatizzare idee diverse. In Adjacent 5 McCagg usa linee delicate e grezze per articolare la sottile evoluzione del suo vocabolario estetico sottostante che si basa sulla sfuggente distinzione tra percezione e immaginazione. McCagg è un’artista astratta americana che vive e lavora nel quartiere Chelsea di New York City.

 

Xanda McCagg - Adjacent 5, 2014. Matita e bastoncino di pittura su carta. 50,8 x 40,6 cm.

 

Tenesh Webber - Untitled 6

Usando la matita a carboncino su carta Stonehenge, Webber traduce le sue idee in disegni che evolveranno in oggetti bidimensionali e tridimensionali. Dal 2018, sviluppa ulteriormente questi disegni creando immagini astratte che sviluppano le idee di griglia, profondità e ombra, movimento e stasi. Untitled 6 è una composizione ritmica e intuitiva che irradia una tensione sfrenata tra l’organico e il lineare nel quadro della sua sensibilità minimalista. Webber è una fotografa astratta canadese il cui lavoro esplora e sfida le convenzioni della fotografia tradizionale in bianco e nero. Vive a Jersey City, New Jersey e lavora a Bushwick, Brooklyn.

 

Tenesh Webber -Untitled 6, 2019. Matita a carboncino su carta Stonehenge. 33 x 28 cm.

 

Tom McGlynn - Survey 5

Parte di una serie in corso intitolata Survey, Survey 5 si riferisce a test comportamentali ma anche al problema di come le immagini contemporanee vengano scandite. Questo enigma interpretativo sfugge a una denotazione rigorosa e attira lo spettatore nella ricerca contemplativa del significato diffuso. McGlynn esplora come segni, loghi, motivi architettonici e altri schemi e forme visive contemporanee possano scatenare un significato residuo nascosto nel nostro (in)conscio. Il suo approccio (post-)minimalista comporta una complessità implicita di significato. McGlynn è un artista astratto americano, curatore indipendente e scrittore il cui lavoro esplora il colore interattivo e la proporzione in tensione con il loro potenziale significato semiotico. Vive nell’area di New York City.

 

Tom McGlynn - Survey 5, 2013. Acrilico su carta Fabriano. 55,8 x 83,8 cm.

 

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Immagine in evidenza: Elizabeth Gourlay - Subulo 1, 2013, vista dell’installazione.
Di Jovana Vuković