Meno è di più! Colleziona la tua arte astratta minimale qui

"Meno è più", un popolare aforisma di Ludwig Mies van der Rohe, non solo catturava in modo succinto l'essenza del minimalismo emergente, ma ispirava il movimento che continua a evolversi in una serie di diramazioni estetico-filosofiche impegnate nella semplificazione intransigente delle forme. Ritornando a un'astrazione riduttiva del Costruttivismo russo e del De Stijl olandese (o persino di Monet secondo Clement Greenberg), la sua rottura contemporanea avvenne nel 1959 con l'esposizione delle Black Paintings di Frank Stella. Dipingendo forme e linee geometriche esclusivamente nere (su una base bianca neutra), espanse i confini dell'arte stessa, incoronando l'arte astratta minimale come la più sublime espressione della radicale autocritica modernista. I minimalisti degli anni '60 risposero con una dura animosità nei confronti dell'arte abbondantemente affettiva e ostentata degli Espressionisti Astratti che enfatizzavano la ricchezza dell'esperienza umana. Trovando l'essenza stessa dell'opera d'arte negli oggetti, i minimalisti rivendicavano l'autonomia e l'auto-referenzialità dell'opera. Sostennero la presenza letterale di un'opera d'arte - senza riferimenti confusi a concetti complessi, agende o ideologie dietro di essa - e enfatizzarono la risposta immediata degli spettatori alle qualità di colore, forma, spazio e materiale. Riappropriato da Ad Reinhardt, le cui opere completamente nere anticipavano il minimalismo degli anni '60, meno è più cominciò a significare un'arte che si liberava dalla natura e negava l'espressione artistica (e le idee dietro l'espressione) ma che accentuava l'apprezzamento finale del medium e della forma. Ispirata da principi eterni di semplicità, equilibrio, simmetria, ordine, armonia e completezza, l'arte astratta minimale rimane ampiamente popolare. Si prega di scorrere qui sotto per la nostra selezione settimanale delle dieci opere di arte astratta minimale più coinvolgenti.

Brent Hallard - Farfalla Architettonica (Dente di Leone)

L'attrazione di Hallard per le forme semplici e i gruppi di forme si evolve in Architectural Butterfly (Dandelion), dove gioca con un'ambiguità che altera tra interno architettonico e forma proiettante. Questo pezzo d'arte geometrica si basa su forma e colore per creare un'illusione ottica - manipolando gli arrangiamenti tra oggetti e colori, Hallard sfida la percezione soggettiva dello spettatore. Hallard è un artista astratto, curatore e scrittore nato in Australia, le cui opere su carta e alluminio esplorano l'iconografia minimalista e le espressioni monocromatiche. Attualmente vive e lavora a Byron Bay, Australia.

Brent Hallard - Butterfly Architettonico (Dente di Leone), 2016. Acrilico su alluminio a nido d'ape. 61 x 61 cm.

Clay Johnson - Cosa ho sentito

Questo ultimo lavoro di Johnson, What I heard, rivela la sua duratura adesione al processo mentre permette alle sue opere d'arte di emergere attraverso una serie di risposte senza restrizioni. Tira bande orizzontali di colore sulla superficie lasciando che la sua scelta iniziale di colore guidi la composizione in avanti. Man mano che si accumulano più strati di vernice, Johnson leviga attraverso questi strati suggerendo ciò che si trova sotto. Le sue reazioni viscerali danno vita a una superficie luminosa e lucida con combinazioni di colori complesse. Johnson è un pittore astratto americano le cui composizioni riduttiviste esplorano le relazioni tra colore, forma e texture. Vive e lavora a Laramie, Wyoming.

Clay Johnson - Cosa ho sentito, 2020. Acrilico su tela. 121,92 x 121,92 cm.

Elizabeth Gourlay - Subulo 1

Parte di una serie ispirata al suo soggiorno in Umbria, Italia, subulo è un antico nome etrusco per un flauto e rivela l'interesse di Gourlay per le sculture in pietra e altri artefatti etruschi. Tuttavia, dietro il vivace intreccio tra colore e forma emerge una narrativa evocativa che la esplora - svela come pensiamo al suono, e in particolare alla musica e come essa venga tradotta in un medium visivo. Gourlay è un'artista astratta americana il cui lavoro emerge da un processo progressivo di stratificazione di colore, linee e forme informate sia da stati emotivi interiori che dalla sua osservazione della natura e dell'architettura. Vive e lavora a Chester, Connecticut.

Elizabeth Gourlay - Subulo 1, 2013. Grafite e olio su pannello. 30,5 x 30,5 cm.

Arvid Boecker - #1198

Il lavoro di Boecker è una continua esplorazione del colore, dipinto sulla sua tela rettangolare standard divisa da una linea longitudinale in due campi di colore. #1198 esemplifica il suo meticoloso impegno nella costruzione di strati di colore, applicando fino a 40 strati e rimuovendo strati vecchi per permettere che gli echi dell'erosione rimangano visibili. Questo lungo processo di creazione, durante il quale i suoi dipinti maturano, è intrinsecamente meditativo poiché riflette simultaneamente sul colore e sui suoi effetti. Boecker è un pittore astratto tedesco il cui lavoro mobilita le tensioni e le armonie che esistono tra le relazioni di colore, le texture e i processi del tempo. Vive e lavora a Heidelberg, in Germania.

Arvid Boecker - #1198, 2019. Olio su tela. 50 x 40 x 5.5 cm.

Macyn Bolt - skipstep (aa)

skipstep (aa) riflette superbamente l'interesse di Bolt per il paradosso della comprensione spaziale così come esiste nella pittura astratta. Ispirato dalla tecnica dei passi del pugilato, Bolt scopre che le qualità illusorie della composizione astratta comportano una pratica simile nella percezione e nell'aspettativa. Cerca di creare una tensione dinamica tra primo piano/sfondo, centro/bordo e interno/esterno attingendo al vocabolario geometrico degli schemi architettonici. Bolt è un pittore astratto americano. Utilizzando un linguaggio visivo informato dall'astrazione geometrica, crea opere d'arte che esaminano come il colore e la forma creano spostamenti nella percezione visiva. Vive e lavora a Brooklyn, NY, e nella Pennsylvania settentrionale.

Macyn Bolt - skipstep (aa), 2014. Acrilico su tela. 51 x 46 cm.

Tilman - Senza titolo (257.11)

Ispirato dall'Arte Concreta e dal Minimalismo, Tilman è un artista tedesco le cui opere su carta sono un deposito personale delle sue idee derivate dalla sua mente visiva inquieta. Utilizzando il pastello su carta velina, permette alla sua memoria visiva di tradursi sulla carta rivelando una qualità pittorica e una struttura superficiale. Senza titolo (257.11) mette in evidenza un insolito arrangiamento dello spazio, creando una composizione di forma e colore che, interagendo con la luce, riordina l'ambiente visivo. Tilman è un artista astratto e curatore tedesco. Il suo lavoro include dipinti, ambienti costruiti e oggetti impilati e stratificati su pareti e pavimenti. Vive e lavora a New York City e Dolceacqua, Italia.

Tilman - Senza titolo (257.11), 2011. Crayon su pergamena. 65 x 50 cm.

Kim Uchiyama - Pulse

Pulse è un'opera affascinante ad acquerello che trasmette bande traboccanti di luce enigmatica. Uchiyama applica colori saturi per realizzare un coro predominante, con ogni banda che delinea la propria voce unica. Il loro preciso arrangiamento e le delicate stratificazioni comunicano i sentimenti più intimi di Uchiyama, spesso ispirati dalla luce o dall'atmosfera di un luogo particolare. Uchiyama è un'artista astratta americana le cui opere utilizzano il colore per creare luce e forma, attivando il potenziale metafisico dello spazio pittorico. Vive e lavora a New York.

Kim Uchiyama - Pulse, 2018. Acquerello su carta Arches. 40,6 x 30,5 cm.

Xanda McCagg - Adiacente 5

Un'opera di iniziazione che annuncia McCagg, Adjacent 5 è realizzata con bastoncini di vernice e matita su carta e preparata con gesso che cattura la vivacità e il fervore della sua tecnica. Crea segni sottili e vasti campi di colore utilizzando anche linee per enfatizzare idee diverse. In Adjacent 5 McCagg utilizza linee delicate e grezze per articolare la sottile evoluzione del suo vocabolario estetico sottostante che si basa sull'elusiva distinzione tra percezione e immaginazione. McCagg è un'artista astratta americana che vive e lavora nel quartiere Chelsea di New York City.

Xanda McCagg - Adjacent 5, 2014. Matita e bastoncino di vernice su carta. 50,8 x 40,6 cm.

Tenesh Webber - Senza titolo 6

Utilizzando una matita di carbone su carta Stonehenge, Webber traduce le sue idee in disegni che evolveranno in oggetti bidimensionali e tridimensionali. A partire dal 2018, approfondisce ulteriormente questi disegni creando immagini astratte che sviluppano le idee della griglia, della profondità e dell'ombra, del movimento e della stasi. Untitled 6 è una composizione ritmica e intuitiva che irradia una tensione sfrenata tra l'organico e il lineare all'interno del suo approccio minimalista. Webber è una fotografa astratta canadese il cui lavoro esplora e sfida le convenzioni della fotografia tradizionale in bianco e nero. Vive a Jersey City, nel New Jersey, e lavora a Bushwick, Brooklyn.

Tenesh Webber -Senza titolo 6, 2019. Matita di carbone su carta Stonehenge. 33 x 28 cm.

Tom McGlynn - Indagine 5

Parte di una serie di sondaggi in corso, il Sondaggio 5 si riferisce ai test comportamentali ma anche al problema di come le immagini contemporanee vengano percepite. Questo enigma interpretativo sfugge a una denotazione rigorosa e attira lo spettatore nella ricerca contemplativa del significato diffuso. McGlynn esplora come segni, loghi, schemi architettonici e altri modelli e forme visive contemporanee possano attivare un significato residuo nascosto nel profondo della nostra (in)coscienza. Il suo approccio (post-)minimalista comporta una complessità implicita di significato. McGlynn è un artista astratto americano, curatore indipendente e scrittore la cui opera esplora il colore interattivo e la proporzione in tensione con il loro potenziale significato semiotico. Vive nell'area di New York City.

Tom McGlynn - Survey 5, 2013. Acrilico su carta Fabriano. 55,8 x 83,8 cm.

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Immagine in evidenza: Elizabeth Gourlay - Subulo 1, 2013, vista dell'installazione.
Di Jovana Vuković