Astrazione e l'uso di diversi tipi di linea nell'arte

La linea è uno degli elementi formali dell'arte. Insieme ad elementi come colore, forma, texture e spazio, è qualcosa di estetico da contemplare a parte i componenti soggettivi e interpretativi di un'opera d'arte. Discutere della linea nell'arte è grossomodo equivalente a discutere dell'aroma nel vino, o del sapore nel cibo. È una parte di un'esperienza estetica più ampia. Oggettivamente, i pittori usano la linea per delineare forme e creare prospettiva, tra le altre cose. Ma c'è anche una teoria che suggerisce che vari stati emotivi possano essere ispirati da diversi tipi di linee nell'arte. Ad esempio, una linea orizzontale suppostamente trasmette tranquillità, poiché imita la posizione di un corpo in riposo; una linea verticale suppostamente trasmette spiritualità, perché implica altezza; linee orizzontali e verticali miste suppostamente trasmettono stabilità; linee diagonali suppostamente trasmettono movimento; e linee curve suppostamente trasmettono umanità e sensualità. Non si sa se gli spettatori tipici, non addestrati, provino effettivamente tali sentimenti guardando un dipinto; soprattutto poiché il soggetto può influenzare i messaggi che si suppone siano comunicati dalle linee. Ma forse guardando a come vari pittori astratti hanno usato la linea nel corso degli anni possiamo scoprire se ci siano davvero verità sottostanti che collegano lo stato emotivo degli spettatori e l'estetica della linea nell'arte.

Spiritualità e Linea

Oltre a essere uno dei primi pittori occidentali a perseguire una forma di pittura completamente non rappresentativa, l'artista russo Wassily Kandinsky era profondamente preoccupato di trasmettere spiritualità attraverso la sua arte. Nel 1912, pubblicò un libro intitolato Riguardo lo spirituale nell'arte. In esso, discusse il suo desiderio di raggiungere attraverso l'arte visiva ciò che la musica aveva già raggiunto attraverso il suono: la comunicazione di universalità attraverso un linguaggio estetico astratto.

Nel 1926, dopo aver testato ampiamente le sue teorie estetiche, Kandinsky pubblicò un altro libro intitolato Punto e Linea su Piano. Questo trattato dichiarava in modo definitivo la sua convinzione nell'impatto emotivo della linea nell'arte. I dipinti che creò in questo stesso periodo possono essere letti come dimostrazioni delle sue teorie. Usano la linea formalmente per delineare forme, creare forme dimensionali e per creare prospettiva, e anche per ispirare un effetto emotivo. Un esempio iconico è il dipinto Composizione VIII, che è ammirato per il suo senso di armonia e bilanciamento compositivo. In esso, linee orizzontali e verticali incrociate nel telaio inferiore forniscono una base stabile per la composizione. Molteplici linee diagonali creano movimento verso un punto di fuga nell'angolo in alto a destra. E linee curve introducono una presenza vivace e biologica che è in flusso.

Wassily Kandinsky - Composizione VIII, 1923. Olio su tela. 55 1/4 x 79 pollici (140,3 x 200,7 cm). Museo Solomon R. Guggenheim, New York, Collezione Fondante Solomon R. Guggenheim. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Parigi

Forze opposte

Sebbene la sua filosofia fosse molto diversa da quella di Kandinsky, il pittore olandese Piet Mondrian credeva anche nel potere comunicativo della linea. Credeva di poter ridurre il linguaggio della pittura ai suoi elementi più essenziali. Ridusse gradualmente i suoi strumenti visivi fino ad arrivare a uno stile che utilizzava solo linee orizzontali e verticali, e una palette di colori severamente limitata. Attraverso questo stile austero, sentiva di poter comunicare la verità spirituale sottostante dell'universo.

Mondrian rifiutò le linee diagonali perché voleva evitare la prospettiva per raggiungere un piano pittorico completamente piatto. E rifiutò le curve perché voleva comunicare qualcosa di puro e universale. Credeva che solo le linee orizzontali e verticali, se usate insieme, rappresentassero le forze pure ed essenziali opposte dell'universo, come la mascolinità e la femminilità, la positività e la negatività, e la quiete e il movimento.

Piet Mondrian - Composizione n. III, con rosso, blu, giallo e nero, 1929. Olio su tela. 50 × 50,2 cm (19,6 × 19,7 in). Collezione privata

L'Imperfetto Perfetto

La pittrice canadese Agnes Martin adottò un approccio estetico che condivideva molte somiglianze con quello di Piet Mondrian. Ma Martin era vista come molto più espressiva ed emotiva rispetto a Mondrian. Entrambi i pittori si concentravano quasi esclusivamente su una combinazione di linee orizzontali e verticali. Ma Martin dipingeva griglie disegnate a mano che rivelano il suo tocco umano. Anche nella loro apparente precisione, contengono sottili e minute imperfezioni.

"Queste imperfezioni assumono la stessa funzione di una linea curva, trasmettendo qualcosa di organico e essenzialmente umano. Sebbene il suo lavoro sia forse più emotivo, come rivelano i suoi titoli, come Amicizia, Felicità-Gioia, e Vita Bella, lei, come Mondrian, credeva nel potere delle linee orizzontali e verticali per esprimere qualcosa di armonioso e universale."

Agnes Martin - Amicizia, 1963. Foglia d'oro e olio su tela. 6' 3" x 6' 3" (190,5 x 190,5 cm). Dono di Celeste e Armand P. Bartos. Collezione MoMA. © 2019 Estate di Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

Colore e curve

L'opera del pittore americano Cy Twombly deriva il suo aspetto iconico da un linguaggio visivo basato quasi interamente su colore e linea. I suoi dipinti sono astratti, comunicando sentimenti intensi attraverso la loro palette semplificata e l'energia e l'intensità del loro scarabocchio. Le loro linee sono per lo più di natura glifica, il che significa che la loro natura curva e sensuale somiglia a una sorta di scrittura primitiva.

Insieme alle linee glifiche, anche le linee verticali riempiono le sue immagini. Ma piuttosto che essere disegnate, le linee verticali sono state create dalle gocce fatte quando il suo pennello ha premuto contro la superficie. Le verticali danno alle forme curve e glifiche un senso di elevazione. Il suo dipinto Bacchus manifesta perfettamente questo fenomeno, poiché le sue curve sensuali evocano un senso di trascendenza sostenuto dalle gocce verticali.

Cy Twombly - Senza titolo (Bacchus), 2005. Acrilico su tela. 317,5 x 417,8 cm. © Cy Twombly

Linea e illusione

La linea è un componente vitale del lavoro degli Op Artists. E i dipinti di Bridget Riley non solo usano la linea per evocare una risposta emotiva negli spettatori. Usano anche la linea per creare una risposta fisica. Le opere che Riley realizzò negli anni '60 venivano spesso descritte come capaci di far sentire gli spettatori male, come se stessero per svenire e provare nausea a causa della sensazione di movimento creata dai dipinti.

Nella sua pittura del 1966 Descending, Riley crea un senso di altezza grazie a forti verticali, così come un senso di prospettiva e movimento attraverso righe ripetute di diagonali. Inoltre, crea una sensazione di morbidezza sensuale grazie al posizionamento strategico di curve implicite nelle linee verticali. L'assenza di linee orizzontali contribuisce infatti alla sensazione generale che tutto sia sbilanciato.

Bridget Riley - Discendente, 1966. Emulsione su pannello. 91,5 x 91,5 cm. © Bridget Riley

Voci Contemporanee di Line

Molti pittori contemporanei esplorano il potere comunicativo della linea nell'arte. Il pittore di origine brasiliana Christian Rosa utilizza un linguaggio idiosincratico e scarso di linee che condivide molto con il lavoro di Wassily Kandinsky. La pittrice astratta americana Margaret Neill crea composizioni lineari curve sensuali e intuitive che parlano in armoniosa conversazione con il lavoro di Cy Twombly. Il pittore olandese José Heerkens utilizza linee orizzontali e verticali in congiunzione con il colore per l'esame dello spazio. E l'artista franco-americano Peter Soriano utilizza la linea in modi che fondono sensibilità grafiche con qualcosa di metafisico ed etereo.

Oltre a quelli che abbiamo menzionato, decine di altri artisti astratti nel corso del secolo scorso hanno esplorato il potere della linea per trasmettere significato e ispirare una risposta emotiva. Non c'è modo di dimostrare se abbiano raggiunto un successo universale. Ma non c'è dubbio che gli elementi estetici formali dell'arte siano almeno capaci di evocare risposte emotive. E considerate insieme, le opere di questi artisti astratti che abbiamo menzionato presentano argomentazioni convincenti per il potere comunicativo della linea.

Immagine in evidenza: Christian Rosa - Ricarica infinita (dettaglio), 2013, spray, matita, nastro, pastello ad olio e olio su tela, 180 x 200 cm
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park