Astrazione Associativa di Howard Hodgkin - Il Maestro del Colore

Howard Hodgkin considera i suoi dipinti come offerte. Trasforma le materie prime dei ricordi e dei sentimenti in oggetti espressivi che spera possano essere utili agli altri. Può sembrare eretico per un pittore astratto suggerire che l’arte debba essere utile. Il modernismo è pieno di artisti che insistono sul fatto che l’arte non abbia alcuno scopo utilitaristico. Ma Hodgkin crede che i suoi dipinti, ispirati dalle sue esperienze significative, possano a loro volta ispirare significato nelle vite degli altri. Per quanto riguarda il significato esatto dei suoi dipinti, Hodgkin è attento a non dirlo mai. A parte i riferimenti criptici nei titoli, raramente accenna al ricordo o al sentimento che ha ispirato la loro creazione. Piuttosto che dettare quale dovrebbe essere la risposta dello spettatore, lascia tutto aperto, evocando solo ricordi e momenti attraverso colori e pennellate nella speranza che noi, in modo incontaminato, sviluppiamo un rapporto con lui attraverso la sua pittura.

Astrazione associativa

Howard Hodgkin nacque in una famiglia di artisti. Suo cugino era il pittore britannico di paesaggi Eliot Hodgkin, già avviato al successo quando Howard nacque nel 1932. Sebbene Howard ed Eliot siano oggi entrambi considerati contributori di rilievo nella storia dell’arte britannica, i loro approcci alla pittura sono molto diversi. Eliot era rigorosamente figurativo e una volta disse che il suo più grande successo fu convincere gli spettatori a vedere la bellezza nelle cose ordinarie, come le verdure o i paesaggi comuni. Howard, invece, adottò l’astrazione da giovane e crede che i suoi dipinti non siano affatto belli, e che definirli belli potrebbe addirittura sminuirli.

Howard Hodgkin - Arte, 1999-2005. Olio su legno. 52,4 x 55,3 cm. © 2019 Howard Hodgkin

Howard si rapporta ai dipinti che realizza come oggetti, ma intende che vengano interpretati dagli spettatori a livello emotivo. Ogni dipinto inizia con le impressioni di un momento: i colori, la luce, l’ambiente e le forme. Poi porta queste impressioni a casa e le esprime nel suo studio attraverso la pittura. Chiamiamo il suo processo astrazione associativa, poiché crea immagini non oggettive da associazioni personali. Si definisce un pittore figurativo di situazioni emotive.

Howard Hodgkin - Imparando la musica russa, 1999. Olio su legno. 55,9 x 65,4 cm. Collezione privata. © 2019 Howard Hodgkin

Alla scoperta dell’astrazione

Le prime opere dipinte da Hodgkin erano figurative e rappresentative. Ma verso la fine dei vent’anni trasformò il suo stile diventando più astratto. Le sue forme si semplificarono e usò il colore meno per rappresentare forme precise e più per esprimere l’essenza emotiva complessiva della composizione. Diede alle sue composizioni astratte titoli non specifici, ma sottilmente comunicativi, che suggerivano esperienze e ricordi privati.

Howard Hodgkin - Memorie, 1949. Gouache su tavola. 22 x 25 cm. © 2019 Howard Hodgkin

Mentre Hodgkin abbracciava l’astrazione, il suo amico e contemporaneo David Hockney si affermava come pittore figurativo. Hockney ottenne attenzione e successo economico mentre Hodgkin rimaneva relativamente sconosciuto e affrontava difficoltà finanziarie. Tuttavia, Hodgkin perseguì il suo stile estetico personale e intimo, cercando modi più sfumati di comunicare le sue emozioni attraverso il colore e la pittura, piuttosto che inseguire il riconoscimento critico.

Howard Hodgkin - Gramofono, 1957. Olio su tavola. 76,2 x 63,5 cm. © 2019 Howard Hodgkin

Oggetti controllati

Negli anni ’70, Hodgkin sviluppò una strategia per aumentare il controllo su come gli spettatori percepissero i suoi dipinti. Sentiva che più i suoi dipinti si distinguevano come oggetti, più poteva attirare gli spettatori a considerarli a lungo. Rendendosi conto che le cornici aggiunte alle immagini rappresentavano un’intrusione, iniziò a dipingere bordi lungo i margini delle immagini o a incorniciare prima i dipinti e poi a dipingere le cornici come parte della composizione.

Dipigendo la cornice, sfidava completamente il dipinto come oggetto e impediva che fosse alterato da elementi estetici aggiuntivi. Estese questo controllo anche alle pareti su cui i suoi dipinti erano appesi, che considerava anch’esse una possibile barriera tra spettatori e opera. Alla Biennale di Venezia del 1984, Hodgkin dipinse di verde le pareti della sua mostra. In un’intervista dell’epoca osservò che le pareti bianche riflettono troppa luce. Le pareti verdi non riflettevano la luce, così tutta la luce poteva essere riflessa dai suoi quadri.

Howard Hodgkin - Quando siamo andati in Marocco, 1988 – 1993. Olio su legno. 196,9 x 269,2 cm

Massima espressione

Hodgkin è ancora attivo come pittore oggi, a metà degli ottanta anni. In una recente intervista ha parlato delle difficoltà incontrate per ottenere riconoscimento per il suo lavoro. Racconta che, sebbene abbia trovato il suo stile maturo relativamente giovane, ci vollero decenni prima che qualcuno lo prendesse sul serio. Menziona persino di aver contemplato il suicidio a trent’anni. Ma ha anche scoperto che con l’età gli importava sempre meno della fama e del riconoscimento, e poteva concentrarsi maggiormente sullo sviluppo di strategie per un’espressione sempre più diretta dell’emozione.

La sua trasformazione originale verso l’astrazione mirava a mostrare meno ed esprimere di più. Non dipingendo le cose come appaiono, sperava di dipingerle come si sentono. Si concentrò sul potenziale espressivo del colore e sul potere stesso della pittura di comunicare complessità. Più il suo lavoro diventava semplicemente colore e pittura, più il vero soggetto—l’emozione—poteva emergere. In sostanza, col tempo imparò a lasciare più cose non dette. Ora, in quella che chiama “vecchiaia”, dice di essersi finalmente permesso di lasciare che i suoi dipinti dicano il meno possibile, per raggiungere la massima espressione.

Howard Hodgkin - Pensieri notturni, 2014 – 2015. Olio su legno. 37,1 x 47,9 cm. © 2019 Howard Hodgkin

Immagine in evidenza: Howard Hodgkin - Lacrime per Nan (dettaglio), 2014. Olio su legno. 28,6 x 29,8 cm. © 2019 Howard Hodgkin
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio