Artisti Esterni il cui Lavoro è Visto come Astratto

L'arte outsider è un termine onnicomprensivo che descrive artisti che lavorano al di fuori del mondo dell'arte formale. Gli artisti outsider tendono ad essere autodidatti. A volte lavorano in tradizioni popolari. Altre volte sono istituzionalizzati, sia perché hanno commesso atti criminali sia perché stanno affrontando certe realtà mentali che li rendono gravemente vulnerabili o possibilmente pericolosi. Oltre alla sua rudezza estetica, ciò che tende ad essere affascinante nell'arte outsider è l'intento ambiguo o sconosciuto degli artisti. Gli artisti formalmente addestrati, che siano in questo per una carriera o solo per un hobby, sono quasi sempre in grado, e talvolta anche disposti, a parlare della loro arte, spiegare le loro intenzioni e giustificarla a coloro che non comprendono. Ma gli artisti outsider non cercano alcuna convalida e quasi sempre non offrono alcuna giustificazione. Creano arte per le loro ragioni, che normalmente non hanno nulla a che fare con il resto di noi. Ti ricordi la prima volta che hai creato arte? Perché lo hai fatto? È stato un istinto? Eri in cerca di qualcosa, come la bellezza? O stavi solo giocando? Quell'impulso artistico più antico—la scintilla di creatività incondizionata e innocente che ci spinge a manifestare qualcosa di visivo—è ciò che vediamo così spesso nell'arte outsider. In celebrazione della ricca storia dell'arte outsider, oggi mettiamo in evidenza per te sei artisti outsider astratti. Le loro intenzioni potrebbero non essere chiare e il significato del loro lavoro potrebbe non essere mai concordato. Ma nelle loro creazioni estetiche vediamo qualcosa di intuitivo e puro, e primario per la funzione dell'astrazione nell'arte.

Anna Zemankova

La tragedia, la spiritualità e la bellezza della natura hanno influenzato il lavoro di Anna Zemánková. Nata nel 1908 in Moravia, parte dell'attuale Repubblica Ceca, si è insegnata a dipingere paesaggi nei suoi 20 anni. Ma è stato solo nei suoi 50 anni, dopo essere caduta in una profonda depressione a seguito di diversi traslochi e della morte di uno dei suoi figli, che è tornata all'arte. Mentre dipingeva, credeva di essere connessa a forze spirituali e di canalizzare un'energia magnetica che non poteva essere rappresentata oggettivamente. Per esprimere le forze con cui comunicava, dipingeva composizioni astratte ispirate liberamente ai modelli, alle forme e ai colori che percepiva nella natura, in particolare nei fiori. I suoi dipinti sono ciò per cui è meglio conosciuta, ma oltre ai dipinti, ha anche realizzato lampadari elaborati, praticando fori nelle lampade per creare modelli astratti con la luce.

Anna Zemánková - Senza titolo, anni '80, collage in raso e tecniche miste su carta (Sinistra) e Senza titolo, pastello su carta, anni '70 (Destra)

Pasquale Tassini

L'artista belga Pascal Tassini ha scoperto la sua passione per l'arte tardi nella vita. Incapace di prendersi cura di sé a causa di una condizione ossessiva che lo accompagna da tutta la vita, ha vissuto con i suoi genitori da adulto fino alla loro morte. Poi uno dei suoi fratelli ha preso in carico la sua assistenza e lo ha introdotto al Laboratorio Créahm, a Liegi, in Belgio. All'inizio, Pascal era contento di pulire e organizzare il centro, ma presto si è sentito ispirato a creare arte. Ha iniziato a dipingere e disegnare, ma poi ha cominciato a creare oggetti complessi in tessuto. Spesso avvolgeva i vari oggetti che trovava o che gli venivano regalati. Utilizzando una tecnica di sua invenzione, ha persino costruito per sé una tenda-studio in cui lavora. I visitatori che desiderano vederlo devono prima permettergli di indossare un camice e prendere il loro polso, curandoli dai loro mali prima di poter entrare nel suo studio.

Pascal Tassini - Assemblaggi di tessuto senza titolo

Pascal Tassini - Assemblaggi di tessuto senza titolo

Eugenio Andolsek

Come molti estranei, Eugene Andolsek non si è mai considerato un artista. Disegnava con le penne su carta millimetrata per rilassarsi al tavolo della cucina come una pausa dalla vita quotidiana. Per decenni ha raccolto i suoi spettacolari disegni geometrici in un baule mentre lavorava come stenografo ferroviario e si prendeva cura della madre malata. Dopo essersi ritirato e dopo la morte della madre, alla fine ha perso la vista e ha dovuto ricoverarsi in una struttura di assistenza. Lì, un operatore ha scoperto la sua arte e l'ha riconosciuta come qualcosa di speciale. Nel 2005, all'età di 84 anni, tre anni prima di morire, Eugene ha visto le sue opere esposte per la prima volta, al Museo Americano di Arte Popolare. È rimasto sorpreso dall'attenzione positiva che i suoi dipinti hanno ricevuto, avendo precedentemente considerato che al massimo potessero essere utili forse come colorati sottopiatto.

Eugene Andolsek - Due disegni astratti geometrici in inchiostro senza titolo su carta millimetrata

Giuditta Scott

Le creazioni scultoree astratte di Judith Scott offrono un'espressione straziante e potente dell'umanità di questa artista outsider. Nata sorda, muta e con la sindrome di Down, Judith ha trascorso quasi tutti i primi quattro decenni della sua vita vivendo in condizioni deplorevoli in varie istituzioni. Finalmente, nel 1986, all'età di 44 anni, sua sorella gemella ha preso in custodia Judith e l'ha portata a casa con sé a Oakland, California. Lì, Judith è riuscita a iscriversi a corsi presso il Creative Growth Art Center. È lì che, per la prima volta, ha iniziato a creare arte. Ha raccolto vari oggetti, avvolgendoli in elaborate reti di fibre fino a quando la loro forma è diventata offuscata. Le sculture risultanti a volte riflettono e a volte non riflettono la forma dell'oggetto da cui è partita. Anche se somigliano a bozzoli, è più accurato dire che hanno subito un processo opposto, sebbene comunque trasformativo. È come se, coprendosi, la loro presenza essenziale fosse stata rivelata.

Astrazione avvolta in fibra di Judith Scott (Sinistra) e Judith Scott con una delle sue creazioni (Destra)

Tetsuaki Hotta

L'artista giapponese Tetsuaki Hotta è stato istituzionalizzato all'età di 19 anni per quello che è stato descritto come un handicap mentale. Ma quando ha iniziato a seguire corsi d'arte nell'istituzione in cui viveva, è stato rapidamente rivelato che la sua capacità di pensiero astratto avanzato era intatta. Dal 1970, Hotta ha esclusivamente dipinto composizioni geometriche astratte che somigliano a case. È completamente disinteressato alle forme presenti nelle sue opere. Usa le composizioni puramente come esami di colore e spazio su un piano piatto. Visti insieme, questi dipinti espressivi e intuitivi sono come l'equivalente dell'arte outsider del lavoro dell'artista e insegnante tedesco-americano Josef Albers, che ha trascorso la sua vita a esaminare il colore attraverso la sua serie Omaggio al Quadrato.

Tetsuaki Hotta - opera d'arte

Dan Miller

Il nativo della California Dan Miller è cresciuto dall'altra parte della baia rispetto a San Francisco, in una città chiamata Castro Valley. Nato autistico, ha trovato la sua vocazione artistica al Creative Growth Art Center di Oakland, proprio come Judith Scott. Dan Miller è preoccupato per il testo, utilizzandolo non tanto come un'entità espressiva in sé, ma piuttosto come un mezzo estetico attraverso il quale possono essere prodotti significati compositivi ed estetici. Le sue composizioni hanno evocato confronti con le opere dell'artista astratto Cy Twombly, che utilizzava anche forme glifiche e palette di colori scarne nei suoi dipinti. A differenza di Twombly, tuttavia, Miller attinge a testi reali, estratti dal suo mondo interiore, per poi sovrapporli continuamente fino a raggiungere un punto che va oltre la leggibilità. Il suo lavoro è stato ampiamente acclamato ed è persino incluso nel MoMA di New York.

Dan Miller - Senza titolo, UD, acrilico, pennarello su carta, 57 x 76 pollici

Dan Miller - Senza titolo (bianco su nero), 2013, acrilico e inchiostro su carta, 56 x 76 pollici

Istinti essenziali

Durante il corso della nostra ricerca per questo articolo, ci siamo imbattuti nella affascinante storia dello zoologo britannico Desmond Morris. Oltre al suo lavoro come scienziato, Morris era un artista surrealista esterno. Ha mostrato la sua arte a Londra alla fine degli anni '40 e all'inizio degli anni '50. Ma il suo più grande contributo all'arte si materializzò quando, nel 1957, espose i dipinti astratti di uno dei suoi colleghi del lavoro quotidiano: un scimpanzé di nome Congo. L'idea di arte astratta realizzata da uno scimpanzé può sembrare sciocca. Potrebbe persino sembrare offensiva. Ma alcuni dei più famosi artisti del mondo cercarono Desmond Morris per acquisire dipinti di Congo. Salvador Dalí e Pablo Picasso possedevano entrambi uno, e Joan Miró scambiò persino una delle sue opere con Morris in cambio di un dipinto di Congo.

Ciò che Dali, Picasso e Miro comprendevano era che gli esseri umani condividono un impulso estetico primordiale e astratto con altri animali. L'atto creativo è il nostro patrimonio universale come abitanti di questo pianeta. Molti animali diversi trovano piacere nell'esplorazione di modelli, forme, linee, colori, texture e composizione. Dali arrivò persino a dire che lo scimpanzé dipingeva come un umano, e che Jackson Pollock dipingeva come un animale. Forse questo spiega perché proviamo tanto piacere nel lavoro di artisti autodidatti e di altre persone che creano arte outsider. Rappresentano la nostra speranza che ci sia qualcosa di puro, grezzo, primordiale, essenziale e universale in tutti noi, e che possa essere espresso, e possibilmente compreso, attraverso l'arte.

Immagine in evidenza: Judith Scott - Una delle sue astrazioni avvolte in fibra
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park