Artisti Esterni il cui Lavoro è Visto come Astratto

Arte outsider è un termine che abbraccia tutti gli artisti che operano al di fuori del mondo formale dell’arte. Gli artisti outsider tendono a essere autodidatti. Talvolta lavorano nelle tradizioni popolari. Altre volte sono istituzionalizzati, sia perché hanno commesso atti criminali, sia perché affrontano certe realtà mentali che li rendono gravemente vulnerabili o forse pericolosi. Oltre alla sua crudezza estetica, ciò che spesso affascina dell’arte outsider è l’intento ambiguo o sconosciuto degli artisti. Gli artisti formalmente istruiti, che lo facciano per carriera o per diletto, sono quasi sempre in grado, e talvolta anche disposti, a parlare della loro arte, spiegare le loro intenzioni e giustificarla a chi non la comprende. Ma gli artisti outsider non cercano alcuna convalida e quasi mai offrono giustificazioni. Creano arte per le loro ragioni, che normalmente non hanno nulla a che fare con il resto di noi. Ricordi la prima volta che hai creato arte? Perché l’hai fatto? È stato un istinto? Cercavi qualcosa, come la bellezza? O stavi semplicemente giocando? Quell’impulso artistico primordiale — la scintilla innocente e pura di creatività che ci spinge a manifestare qualcosa di visivo — è ciò che spesso vediamo nell’arte outsider. In celebrazione della ricca storia dell’arte outsider, oggi mettiamo in luce per voi sei artisti outsider astratti. Le loro intenzioni potrebbero non essere chiare e il significato delle loro opere potrebbe non essere mai concordato. Ma nelle loro creazioni estetiche vediamo qualcosa di intuitivo e puro, e primario alla funzione dell’astrazione nell’arte.

Anna Zemánková

Tragedia, spiritualità e la bellezza della natura hanno ispirato l’opera di Anna Zemánková. Nata nel 1908 in Moravia, parte dell’attuale Repubblica Ceca, si è insegnata da sola a dipingere paesaggi nei suoi vent’anni. Ma è stato solo dopo i cinquant’anni, quando cadde in una profonda depressione a seguito di diversi traslochi e della morte di uno dei suoi figli, che tornò all’arte. Mentre dipingeva credeva di essere connessa a forze spirituali e di canalizzare un’energia magnetica che non poteva essere rappresentata oggettivamente. Per esprimere le forze con cui comunicava dipingeva composizioni astratte liberamente ispirate ai motivi, forme e colori che percepiva in natura, in particolare nei fiori. I suoi dipinti sono ciò per cui è più conosciuta, ma oltre ai dipinti realizzava anche paralumi elaborati, forando le coperture per creare motivi astratti con la luce.

Anna Zemánková - Senza titolo, anni ’80, collage di raso e tecniche combinate su carta (Sinistra) e Senza titolo, pastello su carta, anni ’70 (Destra)

Pascal Tassini

L’artista belga Pascal Tassini ha scoperto la sua passione per l’arte in tarda età. Incapace di prendersi cura completamente di sé a causa di una condizione ossessiva di lunga data, ha vissuto con i genitori da adulto fino alla loro morte. Poi uno dei suoi fratelli ha preso in carico la sua cura e lo ha introdotto al Laboratorio Créahm, a Liegi, in Belgio. All’inizio Pascal si accontentava di pulire e organizzare il centro, ma presto si è ispirato a creare arte. Ha iniziato dipingendo e disegnando, poi ha cominciato a creare oggetti complessi con tessuti. Spesso avvolgeva in bozzoli vari oggetti che trovava o che gli venivano regalati. Usando una tecnica di sua invenzione, si è persino costruito una tenda-studio in cui lavora. I visitatori che desiderano vederlo devono prima permettergli di indossare un camice da laboratorio e misurare il loro polso, guarendoli dai loro mali prima di poter entrare nel suo studio.

Pascal Tassini - Assemblaggi di tessuti senza titolo

Pascal Tassini - Assemblaggi di tessuti senza titolo

Eugene Andolsek

Come molti outsider, Eugene Andolsek non si è mai considerato un artista. Disegnava con penne su carta millimetrata per rilassarsi al tavolo della cucina, come rifugio dalla vita quotidiana. Per decenni ha raccolto i suoi spettacolari disegni geometrici in un baule mentre lavorava come stenografo ferroviario e si prendeva cura della madre malata. Dopo il pensionamento e la morte della madre, ha perso la vista ed è stato ricoverato in una struttura di assistenza. Lì un operatore ha scoperto le sue opere e le ha riconosciute come qualcosa di speciale. Nel 2005, all’età di 84 anni, tre anni prima di morire, Eugene ha visto le sue opere esposte per la prima volta al Museo di Arte Popolare Americana. È rimasto sorpreso dall’attenzione positiva ricevuta, avendo precedentemente considerato i suoi dipinti al massimo utili come tovagliette colorate.

Eugene Andolsek - Due disegni geometrici astratti a inchiostro senza titolo su carta millimetrata

Judith Scott

Le creazioni scultoree astratte di Judith Scott offrono un’espressione struggente e potente dell’umanità di questa artista outsider. Nata sorda, muta e con sindrome di Down, Judith ha trascorso quasi tutti i primi quattro decenni della sua vita in condizioni deplorevoli in varie istituzioni. Finalmente nel 1986, all’età di 44 anni, la sorella gemella ha preso in custodia Judith e l’ha portata a casa con sé a Oakland, California. Lì Judith ha potuto iscriversi ai corsi del Creative Growth Art Center. È stato lì che, per la prima volta, ha iniziato a creare arte. Raccoglieva vari oggetti, avvolgendoli in elaborate reti di fibre fino a che la loro forma diventava indistinta. Le sculture risultanti a volte riflettono e a volte no la forma dell’oggetto da cui partiva. Sebbene somiglino a bozzoli, è più corretto dire che hanno subito un processo opposto, sebbene comunque trasformativo. È come se, coprendoli, la loro presenza essenziale fosse stata rivelata.

Astrazione avvolta in fibre di Judith Scott (Sinistra) e Judith Scott con una delle sue creazioni (Destra)

Tetsuaki Hotta

L’artista giapponese Tetsuaki Hotta è stato istituzionalizzato a 19 anni per quella che fu descritta come una menomazione mentale. Ma quando iniziò a frequentare corsi di arte nell’istituto dove viveva, emerse rapidamente che la sua capacità di pensiero astratto avanzato era intatta. Dal 1970 Hotta dipinge esclusivamente composizioni geometriche astratte che ricordano case. È completamente disinteressato alle forme presenti nelle sue opere. Usa le composizioni puramente come esami di colore e spazio su un piano piatto. Visti insieme, questi dipinti espressivi e intuitivi sono come l’equivalente dell’arte outsider del lavoro dell’artista e insegnante tedesco-americano Josef Albers, che ha passato la vita a esaminare il colore attraverso la sua serie Omaggio al quadrato.

Tetsuaki Hotta - opera d’arte

Dan Miller

Dan Miller, originario della California, è cresciuto nella cittadina di Castro Valley, dall’altra parte della baia rispetto a San Francisco. Nato autistico, come Judith Scott ha trovato la sua vocazione artistica al Creative Growth Art Center di Oakland. Dan Miller è ossessionato dal testo, usandolo non tanto come entità espressiva in sé, ma piuttosto come mezzo estetico attraverso cui produrre significato compositivo ed estetico. Le sue composizioni hanno suscitato paragoni con le opere dell’artista astratto Cy Twombly, che utilizzava anch’egli forme glifiche e palette cromatiche scarne nei suoi dipinti. A differenza di Twombly, però, Miller attinge a testi reali, tratti dal suo mondo interiore, poi li sovrappone continuamente fino a raggiungere un punto oltre la leggibilità. Il suo lavoro è stato ampiamente acclamato ed è persino incluso nel MoMA di New York.

Dan Miller - Senza titolo, UD, acrilico, pennarello su carta, 57 x 76 pollici

Dan Miller - Senza titolo (bianco su nero), 2013, acrilico e inchiostro su carta, 56 x 76 pollici

Istinti Essenziali

Durante la nostra ricerca per questo articolo, ci siamo imbattuti nella storia affascinante dello zoologo britannico Desmond Morris. Oltre al suo lavoro di scienziato, Morris era un artista surrealista outsider. Ha esposto la sua arte a Londra alla fine degli anni ’40 e nei primi anni ’50. Ma il suo contributo più grande all’arte si è materializzato quando, nel 1957, ha esposto i dipinti astratti di un suo collega del lavoro quotidiano: uno scimpanzé di nome Congo. L’idea di arte astratta fatta da uno scimpanzé può sembrare sciocca. Potrebbe persino risultare offensiva. Ma alcuni degli artisti più famosi al mondo cercarono Desmond Morris per acquistare dipinti di Congo. Salvador Dalí e Pablo Picasso ne possedevano ciascuno uno, e Joan Miró scambiò persino una sua opera con Morris in cambio di un dipinto di Congo.

Ciò che Dalí, Picasso e Miró compresero è che gli esseri umani condividono un impulso estetico primordiale e astratto con altri animali. L’atto creativo è la nostra eredità universale come abitanti di questo pianeta. Molti animali trovano piacere nell’esplorazione di motivi, forme, linee, colori, trame e composizione. Dalí arrivò persino a dire che lo scimpanzé dipingeva come un umano, e che Jackson Pollock dipingeva come un animale. Forse questo spiega perché proviamo tanto piacere nel lavoro di artisti autodidatti e di altre persone che fanno arte outsider. Rappresentano la nostra speranza che ci sia qualcosa di puro, grezzo, primordiale, essenziale e universale in tutti noi, e che possa essere espresso, e forse compreso, attraverso l’arte.

Immagine in evidenza: Judith Scott - Una delle sue astrazioni avvolte in fibre
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio