Approcci Astratti dell'Arte Italiana Moderna

La maggior parte delle persone che studiano la storia dell'arte italiana apprendono dei maestri classici del Rinascimento alto e del periodo Barocco, come Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raffaello e Caravaggio. Meno persone sentono parlare dei movimenti dell'arte moderna italiana come Arte Povera e Spatialismo, o dei maestri contemporanei italiani come Ettore Spalletti. Per comprendere appieno la storia dell'arte italiana, è essenziale studiare i numerosi modi in cui gli artisti italiani hanno contribuito al Modernismo. Alcuni movimenti modernisti italiani sono stati di natura figurativa, come Arte Nucleare, che ha affrontato gli orrori del potere atomico nel dopoguerra, e Transavantgarde, una versione italiana del Neo-Esprressionismo che è emersa negli anni '70. E almeno un movimento modernista italiano, Novecento Italiano, è stato regressivo, abbracciando il Fascismo e sostenendo un ritorno a stili antichi, realistici e classici. Ma l'Italia è stata anche la culla di diversi movimenti artistici modernisti astratti che hanno influenzato profondamente le tendenze dell'arte contemporanea internazionale. Sebbene l'elenco degli artisti associati a questi movimenti possa essere troppo lungo per essere trattato in un solo articolo, ecco un'introduzione iniziale su alcuni dei principali movimenti dell'arte moderna italiana astratta e alcuni degli artisti che hanno contribuito a definirli.

Futurismo italiano

Su una strada di campagna fuori Milano nel 1909, Filippo Tommaso Marinetti schiantò la sua auto in un fosso dopo aver sterzato per evitare un ciclista. Marinetti si infuriò per l'incidente. Disprezzava la bicicletta che si muoveva lentamente. Era fanatico della velocità e della potenza e credeva che le strade dovessero appartenere alle macchine della nuova era. Faceva parte della generazione audace di giovani artisti italiani che presto sarebbero stati conosciuti come i Futuristi.

Dopo il suo incidente automobilistico, Marinetti scrisse un saggio che fu pubblicato sui giornali in Italia e in Francia. Divenne noto come il Manifesto Futurista e descriveva in dettagli appassionati la frustrazione che questi giovani artisti provavano sotto il peso della storia. Parlava del desiderio di “liberare l'Italia dalla sua cancrena di professori, di archeologi, di guide e di antiquari.” Sostenne la forza meccanica, la violenza e la guerra, e suggerì che gli artisti moderni dovessero abbracciare il nuovo mondo industrializzato e distruggere tutte le tradizioni e le istituzioni del passato.

Umberto Boccioni - Forme uniche della continuità nello spazio, 1913, due viste

Arte Futurista Italiana

Nella loro arte, i Futuristi italiani si sforzarono di rappresentare il movimento e la velocità. Rappresentarono il caos della città e visioni di un mondo in rapida e violenta trasformazione. Un principio chiave del Futurismo italiano era conosciuto come Dinamismo, o l'esperienza combinata di velocità, movimento e suono. Giacomo Balla è stato uno dei maestri del Dinamismo. I suoi primi tentativi con la tecnica erano figurativi, ma il suo stile divenne rapidamente più astratto mentre si evolveva per affrontare il Dinamismo attraverso le qualità formali della pittura come colore, linea e forma. Un esempio chiave è il dipinto Velocità Astratta + Suono, del 1914.

Umberto Boccioni è stato un altro maestro del Dinamismo Futurista. Pittore affermato, Boccioni ha creato uno dei dipinti futuristi più famosi, chiamato La città che sale. Ma col passare del tempo si è interessato alla sfida di presentare ciò che chiamava “successione”, ovvero la sensazione di movimento attraverso lo spazio fisico, nello spazio tridimensionale. Ha realizzato questo obiettivo in modo più famoso nella sua scultura astratta Forme uniche della continuità nello spazio, creata nel 1913.

Lucio Fontana - Concetto Spaziale, 1950. © Fondazione Lucio Fontana, Milano

Spazialismo

Una generazione dopo i Futuristi, iniziò il prossimo grande movimento artistico astratto modernista italiano, avviato da un artista di nome Lucio Fontana. Originario dell'Argentina, Fontana era principalmente interessato a esprimere le qualità e l'essenza dello spazio. Era affascinato da come la forma potesse occupare lo spazio, contenere lo spazio e aprire l'accesso allo spazio. Spesso è considerato un pittore poiché le sue opere più famose sono appese al muro. Ma Fontana era originariamente formato come scultore e considerava i suoi cosiddetti dipinti come una sfida alla definizione dell'arte bidimensionale.

Nel 1946, scrisse un saggio chiamato il Manifesto Bianco, che chiedeva apertamente la fine delle definizioni tradizionali dell'arte bidimensionale e tridimensionale. Invece, incoraggiava la sintesi nell'arte. Nel suo manifesto, Fontana descrisse come le definizioni "statiche" tradizionali dell'arte, come la pittura e la scultura, non fossero più adeguate per un'epoca dominata dal "principio dinamico del movimento attraverso il tempo e lo spazio.” Attraverso questo punto di vista trasformativo, Fontana creò molte innovazioni. Realizzò alcuni dei primi esempi di arte installativa e, alla fine degli anni '40, raggiunse la manifestazione ultima del suo pensiero quando iniziò a costruire tele che poi tagliava con un coltello. Il suo pezzo Concetto spaziale – Attesa, una tela rossa monocromatica con un'unica incisione al centro, è considerato l'epitome del pensiero Spazialista, poiché riesce a creare forma dallo spazio.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Fondazione Lucio Fontana, Milano

Arte Povera

Uno dei movimenti artistici astratti modernisti più trasformativi del XX secolo ebbe origine in Italia negli anni '60. Era chiamato Arte Povera, o arte povera, a causa della tendenza dei suoi praticanti a fare affidamento su materiali comuni e soggetti quotidiani. Il movimento crebbe inizialmente come resistenza ad altre tendenze artistiche moderniste come il Minimalismo, che enfatizzava i processi industriali e cercava di rimuovere la personalità dell'artista dall'opera. Gli artisti associati all'Arte Povera volevano riconnettere l'arte alla vita quotidiana.

Per connettersi con il banale, il comune e l'ordinario, questi artisti hanno cercato di creare momenti unici di interazione tra gli oggetti d'arte che realizzavano e gli spettatori che li incontravano. Hanno creato opere d'arte che, sebbene astratte, comunicavano messaggi semplici e diretti. Hanno utilizzato materiali facili da comprendere, naturali, tattili e pre-industriali come corda, terra, tessuto e persino feci. Nel mezzo di movimenti artistici contemporanei dedicati ad eliminare l'emozione e l'individualismo dall'arte, questi artisti hanno sottolineato l'importanza dell'umanità sia dell'artista che dello spettatore, e hanno invitato apertamente il pubblico a interagire direttamente con la loro arte.

Pino Pascali - Vermi setolosi

Gli Artisti dell'Arte Povera

Piero Manzoni è considerato il padre dell'Arte Povera, anche se morì all'età di 29 anni nel 1963, prima di poter essere incluso nelle sue principali esposizioni. Attraverso il suo lavoro, Manzoni distrusse l'illusione che l'arte e la vita siano separate coinvolgendo direttamente gli spettatori con la sua arte. In un'opera chiamata Consumo di arte dinamica da parte del pubblico divoratore d'arte, Manzoni "firmò" uova sode con la sua impronta digitale e poi invitò gli spettatori a mangiare le uova. In un'opera chiamata Magisk Sokkel, olandese per Scaffale Magico, invitò gli spettatori a partecipare stando su un piedistallo, trasformandoli in sculture viventi.

Altri artisti dell'Arte Povera non coinvolgevano direttamente il pubblico, ma piuttosto creavano opere progettate intenzionalmente per suggerire l'interazione degli spettatori. Pino Pascalo ha creato Bristleworms su larga scala, sculture simili a vermi realizzate con spazzole di setole che gli spettatori erano incoraggiati a toccare. E nel 1965, Michelangelo Pistoletto ha espresso quella che è forse la perfetta iterazione del matrimonio tra arte e vita quotidiana. La sua opera Struttura per Parlare Stando in Piedi (Oggetti Meno) consisteva in un corrimano installato in una galleria su cui gli spettatori potevano appoggiarsi e poggiare il piede mentre parlavano.

Michelangelo Pistoletto - Struttura per Parlare Stando in Piedi (Meno Oggetti)

Arte Italiana Moderna Contemporanea

Oggi le tradizioni del Modernismo Italiano sono vive e vegete. Ettore Spalletti è uno dei principali artisti astratti che lavorano in Italia oggi. È vagamente associato alle idee fondamentali dell'Arte Povera, anche se il suo lavoro è decisamente diverso dalla maggior parte dei membri di quel gruppo. Artista multidisciplinare, Spalletti crea oggetti che si occupano dell'essenza del colore. Si impegna in un processo laborioso che prevede l'applicazione di più strati di vernice fatta a mano fino a quando la natura essenziale del colore che cerca non si rivela. È in quel momento fugace in cui il colore appare finalmente che interrompe il suo processo.

Gli oggetti che Spalletti crea proiettano una luminosità eterea. Sembrano momenti catturati da un'alba o riflessi di luce sulla superficie dell'acqua congelata nel tempo. Oltre a mostrare le sue opere in gallerie e musei, Spalletti ha anche creato interi ambienti interni in luoghi come un obitorio e una cappella. Forse è da tali espressioni, che si collegano alla vita quotidiana, che continua la sua associazione con l'Arte Povera. Ma Spalletti è anche una voce unica nell'arte astratta contemporanea italiana. Lui e i suoi molti contemporanei nella comunità dell'arte astratta italiana di oggi godono di una connessione con ciascuno dei movimenti artistici italiani influenti del passato. E, cosa più importante, come i loro predecessori, continuano a mantenere viva la tradizione di mettere l'arte italiana in prima linea nel pensiero modernista innovativo.

Immagine in evidenza: Giacomo Balla - Velocità + Suono Astratto, 1913-1914. Olio su tavola non verniciata in cornice dipinta dall'artista. 21 1/2 x 30 1/8 in (54,5 x 76,5 cm). La Fondazione Solomon R. Guggenheim Collezione Peggy Guggenheim, Venezia, 1976. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Roma
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park