Approcci Astratti dell'Arte Italiana Moderna

La maggior parte delle persone che studiano la storia dell'arte italiana conoscono i maestri classici del Rinascimento e del Barocco, come Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raffaello e Caravaggio. Meno conoscono i movimenti dell'arte moderna italiana come Arte Povera e lo Spazialismo, o i maestri contemporanei italiani come Ettore Spalletti. Per comprendere appieno la storia dell'arte italiana, è essenziale studiare i numerosi modi in cui gli artisti italiani hanno contribuito al Modernismo. Alcuni movimenti modernisti italiani sono stati di natura figurativa, come Arte Nucleare, che affrontava gli orrori dell'energia atomica nel dopoguerra, e la Transavanguardia, una versione italiana del Neo-Espressionismo nata negli anni '70. E almeno un movimento modernista italiano, il Novecento Italiano, è stato regressivo, abbracciando il Fascismo e promuovendo un ritorno agli stili antichi, realistici e classici. Ma l'Italia è stata anche la culla di diversi movimenti astratti modernisti che hanno profondamente influenzato le tendenze dell'arte contemporanea internazionale. Sebbene l'elenco degli artisti associati a questi movimenti sia troppo lungo per essere trattato in un solo articolo, ecco un'introduzione ad alcuni dei principali movimenti astratti dell'arte moderna italiana e ad alcuni degli artisti che li hanno definiti.

Futurismo Italiano

Su una strada di campagna fuori Milano nel 1909, Filippo Tommaso Marinetti finì con la sua auto in un fosso dopo aver sterzato per evitare un ciclista. Marinetti si infuriò per l'incidente. Disprezzava la bicicletta lenta. Era fanatico della velocità e della potenza e credeva che le strade dovessero appartenere alle macchine della nuova era. Faceva parte della generazione audace di giovani artisti italiani che presto sarebbero stati conosciuti come i Futuristi.

Dopo l'incidente, Marinetti scrisse un saggio pubblicato su giornali in Italia e Francia. Divenne noto come il Manifesto Futurista e descriveva con passione la frustrazione che questi giovani artisti provavano sotto il peso della storia. Parlava del desiderio di “liberare l'Italia dalla sua cancrena di professori, archeologi, guide e antiquari.” Sosteneva la forza meccanica, la violenza e la guerra, e suggeriva che gli artisti moderni dovessero abbracciare il nuovo mondo industrializzato e distruggere tutte le tradizioni e istituzioni del passato.

Umberto Boccioni - Forme uniche della continuità nello spazio, 1913, due vedute

Arte Futurista Italiana

Nelle loro opere, i Futuristi italiani cercavano di rappresentare il movimento e la velocità. Rappresentavano il caos della città e visioni di un mondo che cambiava rapidamente e violentemente. Un principio chiave del Futurismo italiano era noto come Dinamismo, ovvero l'esperienza combinata di velocità, movimento e suono. Giacomo Balla fu uno dei maestri del Dinamismo. I suoi primi tentativi con questa tecnica erano figurativi, ma il suo stile divenne rapidamente più astratto man mano che evolveva per affrontare il Dinamismo attraverso le qualità formali della pittura come colore, linea e forma. Un esempio chiave è il dipinto Velocità astratta + Suono, del 1914.

Umberto Boccioni fu un altro maestro futurista del Dinamismo. Pittore affermato, Boccioni creò uno dei dipinti futuristi più famosi, chiamato La città che sale. Ma col tempo si interessò alla sfida di presentare quella che chiamava “successione”, ovvero la sensazione di movimento nello spazio fisico, nello spazio tridimensionale. Realizzò questo obiettivo in modo più famoso nella sua scultura astratta Forme uniche della continuità nello spazio, creata nel 1913.

Lucio Fontana - Concetto spaziale, 1950. © Fondazione Lucio Fontana, Milano

Spazialismo

Una generazione dopo i Futuristi, iniziò il successivo grande movimento astratto modernista italiano, avviato da un artista chiamato Lucio Fontana. Originario dell'Argentina, Fontana era interessato principalmente a esprimere le qualità e l'essenza dello spazio. Era affascinato da come la forma potesse occupare lo spazio, contenerlo e aprire l'accesso allo spazio. Spesso è definito pittore poiché le sue opere più famose sono appese al muro. Ma Fontana si formò originariamente come scultore e considerava le sue cosiddette pitture come opere che sfidavano la definizione di arte bidimensionale.

Nel 1946 scrisse un saggio chiamato Manifesto Bianco, che chiedeva apertamente la fine delle definizioni tradizionali di arte bidimensionale e tridimensionale. Incoraggiava invece la sintesi nell'arte. Nel suo manifesto Fontana descriveva come le definizioni tradizionali “statiche” dell'arte come pittura e scultura non fossero più adeguate per un'epoca dominata dal “principio dinamico del movimento attraverso il tempo e lo spazio.” Attraverso questa visione trasformativa, Fontana creò molte innovazioni. Realizzò alcuni dei primi esempi di arte ambientale e alla fine degli anni '40 raggiunse la massima espressione del suo pensiero quando iniziò a costruire tele che poi tagliava con un coltello. La sua opera Concetto spaziale – Attesa, una tela monocromatica rossa con un singolo taglio al centro, è considerata l'epitome del pensiero spazialista, poiché riesce a creare forma dallo spazio.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Fondazione Lucio Fontana, Milano

Arte Povera

Uno dei movimenti astratti modernisti più trasformativi del XX secolo nacque in Italia negli anni '60. Si chiamava Arte Povera, o arte povera, per la tendenza dei suoi praticanti a usare materiali comuni e soggetti quotidiani. Il movimento nacque inizialmente come resistenza ad altre tendenze dell'arte moderna come il Minimalismo, che enfatizzava i processi industriali e cercava di eliminare la personalità dell'artista dall'opera. Gli artisti associati all'Arte Povera volevano riconnettere l'arte alla vita quotidiana.

Per connettersi con il banale, il comune e il quotidiano, questi artisti cercarono di creare momenti unici di interazione tra gli oggetti d'arte che realizzavano e gli spettatori che li incontravano. Realizzarono opere che, pur essendo astratte, comunicavano messaggi semplici e diretti. Usavano materiali naturali, tattili e pre-industriali facili da comprendere come corda, terra, tessuto e persino escrementi. In mezzo a movimenti artistici contemporanei dedicati a eliminare emozione e individualismo dall'arte, questi artisti sottolineavano l'importanza dell'umanità sia dell'artista che dello spettatore, e invitavano apertamente il pubblico a interagire direttamente con la loro arte.

Pino Pascali - Vermi setolosi

Gli Artisti dell'Arte Povera

Piero Manzoni è considerato il padre dell'Arte Povera, anche se morì a 29 anni nel 1963, prima di poter essere incluso nelle sue mostre principali. Attraverso la sua opera, Manzoni distrusse l'illusione che arte e vita siano separate coinvolgendo direttamente gli spettatori con la sua arte. In un'opera chiamata Consumo di arte dinamica da parte del pubblico divoratore d'arte, Manzoni “firmò” con l'impronta del pollice uova sode invitando poi gli spettatori a mangiarle. In un'opera chiamata Magisk Sokkel, o Scaffale Magico in olandese, invitò gli spettatori a partecipare salendo su un piedistallo, trasformandoli in sculture viventi.

Altri artisti dell'Arte Povera non coinvolgevano direttamente il pubblico, ma creavano opere progettate appositamente per suggerire l'interazione dello spettatore. Pino Pascali realizzò grandi Vermi setolosi, sculture simili a vermi fatte di spazzole setolose che gli spettatori erano incoraggiati a toccare. E nel 1965, Michelangelo Pistoletto espresse forse la perfetta unione tra arte e vita quotidiana. La sua opera Struttura per parlare in piedi (senza oggetti) consisteva in una ringhiera installata in una galleria su cui gli spettatori potevano appoggiarsi e poggiare il piede mentre parlavano.

Michelangelo Pistoletto - Struttura per parlare in piedi (senza oggetti)

Arte Moderna Italiana Contemporanea

Oggi le tradizioni del Modernismo italiano sono vive e vegete. Ettore Spalletti è uno dei principali artisti astratti che lavorano in Italia oggi. È vagamente associato alle idee fondamentali dell'Arte Povera, anche se la sua opera è decisamente diversa dalla maggior parte dei membri di quel gruppo. Artista multidisciplinare, Spalletti crea oggetti che trattano l'essenza del colore. Si dedica a un processo laborioso che prevede l'applicazione di molteplici strati di vernice fatta a mano fino a quando la natura essenziale del colore che cerca si rivela. È in quel momento fugace, quando il colore finalmente appare, che interrompe il suo processo.

Gli oggetti che Spalletti realizza proiettano una luminosità eterea. Sembrano momenti catturati di un'alba o bagliori di luce sulla superficie dell'acqua congelati nel tempo. Oltre a esporre le sue opere in gallerie e musei, Spalletti ha anche creato interi ambienti interni in luoghi come un obitorio e una cappella. Forse è da queste espressioni, che si riferiscono alla vita quotidiana, che continua la sua associazione con l'Arte Povera. Ma Spalletti è anche una voce unica nell'arte astratta contemporanea italiana. Lui e i suoi numerosi contemporanei nella comunità dell'arte astratta italiana di oggi godono di un legame con ciascuno dei movimenti artistici italiani influenti del passato. E soprattutto, come i loro predecessori, continuano a mantenere viva la tradizione di porre l'arte italiana all'avanguardia del pensiero modernista innovativo.

Immagine in evidenza: Giacomo Balla - Velocità astratta + Suono, 1913-1914. Olio su tavola non verniciata in cornice dipinta dall'artista. 54,5 x 76,5 cm. Collezione Peggy Guggenheim, Fondazione Solomon R. Guggenheim, Venezia, 1976. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Roma
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio