Astrazione e Arte Povera attraverso lo Spirito della Matrice di Linfa di Giuseppe Penone

I visitatori del Palais d’Iéna a Parigi durante la Foire Internationale d'Art Contemporain (FIAC) 2019 hanno ricevuto un raro privilegio: l’installazione di Matrice di Linfa, una scultura di un pino lungo 40 metri sezionato longitudinalmente, presentata per la prima volta da Giuseppe Penone nel 2008. Al primo sguardo nella grande sala del palazzo, gli spettatori potrebbero non averla riconosciuta come un’opera d’arte contemporanea. Avrebbero potuto pensare che fosse esposta una canoa vichinga. Tagliato longitudinalmente, scavato al centro e con i rami recisi all’80 centimetro, l’albero abbattuto somiglia davvero a un antico mezzo di trasporto, i suoi remi accorciati lo spingono attraverso fiumi mistici. Guardando più da vicino, tuttavia, emergono ulteriori interventi. Una resina vegetale che simula la linfa scorre nella cavità come un ruscello, coprendo le impronte corporee che Penone ha lasciato con le sue mani e i suoi piedi. Sul pavimento ci sono pelli di cuoio. In un saggio di accompagnamento, Penone scrive: “Il tronco di un pino rovesciato perde parte della sua natura vegetale e suggerisce una natura diversa, di tipo animale; i rami che, mossi dal vento, hanno spinto l’albero verso la luce, ora lo circondano come un altare sacrificale.” L’opera è idiosincratica e difficile da interpretare—una dichiarazione perfetta della filosofia artistica che Penone ha contribuito a fondare: l’Arte Povera. Una prospettiva estetica rivoluzionaria riassunta per la prima volta da Germano Celant nel 1967 nel suo manifesto “Note per una guerriglia,” l’Arte Povera abbraccia l’umanizzazione e la natura. Nel suo manifesto, Celant denunciava la sistematica disumanizzazione dell’arte che vedeva perpetrata negli Stati Uniti, dove autorità autoproclamate come critici, curatori, professori e mercanti cospiravano con la storia per fabbricare i cosiddetti movimenti artistici. “Là c’è un’arte complessa,” scriveva, “qui un’arte povera, impegnata nel presente. Lo scopo è la liberazione... un’abolizione di tutte le posizioni espresse in termini di categorie (sia “pop” che “op” o “strutture primarie”) a favore di una focalizzazione sui gesti che non aggiungono nulla ai nostri raffinamenti della percezione, che non si contrappongono come arte alla vita, che non conducono alla frattura e alla creazione di due piani differenti dell’io e del mondo.”

Individualità Ora

Uno dei fraintendimenti duraturi sull’Arte Povera è che la parola Povera abbia a che fare con la scadente qualità o fragilità dei materiali usati nell’opera. In realtà, da nessuna parte in “Note per una guerriglia” Celant menziona che l’Arte Povera debba essere realizzata con materiali destinati a non durare. Anzi, tutt’altro. Egli suggerisce che l’Arte Povera possa essere fatta usando qualsiasi mezzo o materiale scelto dall’artista. “L’artista diventa un combattente di guerriglia,” dice, “capace di scegliere i suoi luoghi di battaglia.” Questa falsa credenza potrebbe derivare da una generalizzazione nata da una lettura errata delle opere degli artisti di prima generazione dell’Arte Povera come Pino Pascali, che usava ingredienti semplici come terra e acqua nelle sue opere; Piero Gilardi, che appropriava oggetti comuni e quotidiani come attrezzi da ferramenta; Piero Manzoni, che creava arte con i propri escrementi; o Alberto Sacchi, che diceva: “Ho scelto di usare materiali poveri per dimostrare che potevano ancora essere utili.”

Giuseppe Penone, Matrice di Linfa, Palais d’Iéna, ottobre 2019, vista dell’esposizione. Giuseppe Penone, Matrice di linfa, 2008. Pino, resina, terracotta, cuoio, metallo, 131 x 4500 x 212 cm. Foto: Rebecca Fanuele © Palais d’Iéna, architetto Auguste Perret, UFSE, SAIF. Cortesia Archivio Penone e Marian Goodman Gallery, New York, Parigi, Londra

La parola chiave che Sacchi usava, tuttavia, era “scegliere.” Agire come se tutti gli artisti dell’Arte Povera avessero fatto la stessa scelta ignora il lavoro di Gianni Piacentino, che usava materiali come plexiglass, gomma, poliestere, ferro e rame; o Alighiero Boetti, oggi più famoso per le sue mappe. Boetti usava di tutto, dai francobolli alle penne di plastica, ma la materialità non era la sua preoccupazione principale. Ciò che contava di più era fare dichiarazioni personali, o dichiarazioni empiriche evidenti, come notare la ovvia diversità culturale del mondo. Infatti, l’unica cosa che Celant dice essere essenziale per l’Arte Povera è che gli artisti diano priorità all’individualità. A prescindere dal linguaggio di genere, il suo manifesto esalta il sé, affermando “L’uomo è il messaggio. La libertà, nelle arti visive, è un germe che tutto contagia. L’artista rifiuta tutte le etichette e trova identificazione solo in se stesso.” Celant arriva persino a riflettere che il termine Arte Povera potrebbe facilmente essere sostituito con la frase Arte Ricca, grazie alle “enormi possibilità strumentali e informative” che la liberazione artistica offre.

Giuseppe Penone, Matrice di linfa, 2008 (dettaglio). Pino, resina, terracotta, cuoio, metallo, 131 x 4500 x 212 cm. Foto: Rebecca Fanuele. Cortesia Archivio Penone e Marian Goodman Gallery, New York, Parigi, Londra

Sradicare il Cliché

Un altro fraintendimento sull’Arte Povera è che sia stato un movimento iniziato e concluso in Italia a metà del XX secolo. In realtà, è sempre esistito e si spera che esisterà sempre. Celant ha solo messo in parole una realtà che è sempre stata parte della condizione umana: la battaglia interna tra governo strutturato e libertà senza guida. In questo senso, lo spirito dell’Arte Povera è evidente nell’arte più antica a noi nota: l’arte rupestre paleolitica del Nord della Spagna. Possiamo vedere che quest’arte è stata realizzata con qualunque materiale fosse disponibile, e che sembra riflettere l’umanità e la natura. Ma non sappiamo nulla della struttura sociale degli artisti che l’hanno creata. Erano liberi? Erano prigionieri? Facevano parte di una società strutturata? Erano membri volontari di un clan non gerarchico? Il loro lavoro resiste per sempre a una spiegazione completa, se non per dire che esiste—una dichiarazione perfetta dell’Arte Povera.

Giuseppe Penone, Pensieri di foglie, 2016. Bronzo, pietre di fiume, 189 x 132 x 315 cm. Foto: Rebecca Fanuele © Palais d’Iéna, architetto Auguste Perret, UFSE, SAIF. Cortesia Archivio Penone e Marian Goodman Gallery, New York, Parigi, Londra

Si potrebbe dire che quello stesso spirito è anche ciò che ha spinto Marcel Duchamp a mettere costantemente in discussione ciò che le istituzioni della società considerano arte, e che ha ispirato il Gruppo Gutai, Fluxus, i Nuovi Realisti e il Gruppo Zero nelle loro scoperte ambigue. Ed è ancora presente nelle pratiche di innumerevoli artisti contemporanei che realizzano opere non classificabili, o che resistono alla pressione di ripetersi. Come scriveva Celant nel suo manifesto, “Quest’opera si impegna nella registrazione ‘dell’irripetibilità di ogni istante.’” Non è forse questo impegno al centro dell’astrazione? Facendo affermazioni definitive su ciò che è categoricamente indefinito, ogni artista astratto in qualche misura ci aiuta a sfuggire alla “coerenza del dogma” per poterci liberare. A modo loro solitario, lavorando verso l’espressione dell’ignoto e la manifestazione di ciò che prima era invisibile—sperando, forse invano, di non copiare ciò che già esiste—questi artisti sono gli eredi di una delle aspirazioni primarie dell’Arte Povera: l’eradicazione del cliché.

Immagine in evidenza: Giuseppe Penone - Pensieri di foglie, 2016, dettaglio. Foto: Rebecca Fanuele © Palais d’Iéna, architetto Auguste Perret, UFSE, SAIF. Cortesia Archivio Penone e Marian Goodman Gallery, New York, Parigi, Londra.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio