Elementi di Astrazione - Elizabeth Gourlay in un'Intervista

Elizabeth Gourlay considera la sua opera una meditazione su forme e colori, paragonando talvolta la sua pratica in studio al processo di composizione musicale. Utilizzando una miscela di tecniche che spaziano dagli oli al grafite fino al collage, Gourlay crea composizioni astratte che richiamano un vocabolario estetico perfettamente bilanciato tra natura e geometria. Residente a Chester, Connecticut, Gourlay partecipa questo mese a quattro mostre collettive a New York, Connecticut e Massachusetts. IdeelArt ha avuto l’opportunità di parlare con lei della sua pratica, del calendario delle sue mostre e del suo nuovo corpus di opere.

Intervista a Elizabeth Gourlay - Mostre e attività recenti

IdeelArt: Hai un mese molto impegnativo! Questo mese partecipi a quattro mostre collettive in quattro città diverse. Quando ti trovi in un periodo come questo, in cui molti spettatori diversi hanno l’opportunità di incontrare la tua opera, riesci ancora a trovare tempo per restare attiva in studio o preferisci essere nelle gallerie a interagire con gli spettatori e assorbire le loro reazioni al tuo lavoro?

Elizabeth Gourlay: È la prima volta che ho così tanta attività tutta insieme. È emozionante, ma sono così abituata a dedicare la mia attenzione indivisa a mostre individuali che ora ho dovuto saltare un’inaugurazione per partecipare a un’altra. Ma una volta consegnate le opere, il tempo torna a essere mio. Anche se sono molto desiderosa di tornare in studio dopo anche un breve periodo di attività che mi allontana, apprezzo anche l’interazione che avviene in galleria, parlando con altri artisti e amici durante le inaugurazioni e altri eventi. L’arte astratta è un linguaggio, e parlare con gli spettatori, in particolare artisti e amici durante gli eventi, costruisce un senso di resistenza nelle nuove espressioni che stiamo trovando.

IA: Hai mostre questo mese in luoghi idilliaci e rurali, come The Tremaine Gallery a Lakeville, CT, così come in centri urbani densamente popolati, come la 1285 Avenue of the Americas Gallery, a Midtown Manhattan. In che modo gli spettatori in ambienti così diversi hanno risposto in modo differente al tuo lavoro?

E.G. In entrambi i casi, il pubblico era visivamente sofisticato e sembrava coinvolto e positivo. A New York City, in genere erano più loquaci, facevano domande e esprimevano opinioni più facilmente. Penso che gli spettatori a New York tendessero ad avvicinarsi di più alle opere!

IA: In che modo le conversazioni o altri tipi di interazioni con gli spettatori hanno influenzato la direzione della tua pratica?

E.G. Cerco di non farmi influenzare dalle reazioni degli spettatori, anche se, inevitabilmente, se la risposta è positiva verso una nuova direzione che mi entusiasma nel lavoro, questo tende a spingermi a continuare a esplorare quella strada. È sempre interessante sperimentare le differenze di opinione e come e perché le persone sono attratte da opere diverse.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotipo su carta. 40,6 x 38,1 cm.

Passato e presente

IA: In che modo il lavoro che stai facendo oggi è diverso da quello che hai fatto in passato? 

E.G. Il mio lavoro, a partire dal 1994 circa, era molto spesso basato su griglie e in formato quadrato. Era costruito a strati di velature e linee disegnate. Intorno al 2005, ho iniziato a giocare con forme geometriche molto più audaci e colori saturi. Da allora, sono andata avanti e indietro tra forme e colori forti e decisi e lavori più delicati e smorzati, combinando occasionalmente i due. Le opere spesso iniziano in modo simile ma possono finire in modo molto diverso. Probabilmente il cambiamento più grande è la libertà che mi concedo nel processo creativo.

IA: A volte fai riferimento alla meditazione quando parli del tuo lavoro. Potresti spiegare cosa significa quella parola in relazione alla tua arte? Per esempio, consideri il processo di realizzazione dell’opera come meditativo? Consideri il prodotto finito un possibile intermediario meditativo per gli spettatori? 

E.G. Considero il processo meditativo. Cerco di non portare troppe idee in studio, forse un’idea di colore o di forma. Quando inizio a lavorare, lascio che l’occhio interiore, la mente inconscia, risponda all’opera e mi guidi a catturare l’elemento mentale sfuggente che può essere distante eppure così presente. Di solito, il mio miglior lavoro avviene quando il mio pensiero è sgombro, quando sono in sintonia con l’opera. Che stia disegnando direttamente o sovrapponendo velature, mi piace l’esperienza di lasciare emergere il pezzo. Non potrei esprimermi meglio di Paul Klee che disse: “la mia mano è interamente lo strumento di una sfera più lontana.” Non lavoro con l’intenzione di creare qualcosa per l’esperienza di un altro, ma sono aperta alla loro reazione e interpretazione. Ho avuto persone che convivono con le opere che spesso dicono che guardarle dà loro pace, gioia calma, o che il pezzo è radicante. Quindi sono sicura che considerare le opere finite come intermediari meditativi è molto valido, ma lascerò che siano coloro che vivono con le opere e gli esperti di mente e meditazione a fare la valutazione migliore. Se un’icona, o intermediario meditativo, è un oggetto che dona una gioia calma, o una pace che radica, allora sì, mi viene spesso detto che le mie opere hanno questi effetti.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotipo su carta. 38,1 x 40,6 cm.

Sul processo

IA: Wassily Kandinsky scrisse della musica e della sua capacità di comunicare emozioni a livello astratto. Anche tu fai collegamenti tra musica e il tuo lavoro. Un collegamento che fai è che il tuo vocabolario visivo di linee e colori potrebbe essere interpretato come un riferimento a scale musicali. Quali sono altri modi in cui il tuo processo o le tue opere condividono somiglianze con la composizione musicale?      

EG: Non penso consapevolmente alla musica o alla composizione musicale. Eppure il numero di persone che fanno quel collegamento con la musica è così grande che deve esserci qualcosa di vero nell’analogia. Ascolto musica spesso mentre lavoro e ho imparato a suonare il pianoforte da bambina, quindi questo può influenzare il lavoro. Sto “componendo” in un modo che può sembrare simile alla composizione musicale, in particolare nel processo di giocare con barre, linee e blocchi di colore. Spostarli nel piano dell’immagine è molto simile ad avere note e accordi in posti diversi su uno spartito. 

IA: Parla un po’ del tuo processo, in particolare del rapporto che hai con il collage. Per esempio, in che modo il processo di sovrapporre carta nel tuo lavoro ti influenza diversamente rispetto al processo di dipingere? 

EG: Molto spesso, il mio processo di pittura, sia su carta che su lino, è molto diretto. Di solito inizio disegnando linee, seguite da velature di colore, seguite da elementi di forma. Cerco di sorprendermi con una forma forte e inaspettata, o un colore lontano dalla mia palette abituale. Li sposto, cercando di ottenere un equilibrio tra colore e forma. Questa fase sembra una danza continua, dove il formalismo si insinua per un po’ e dove io mi oppongo. Le decisioni se includere o meno le intrusioni audaci risultanti sono una dinamica che può tenermi impegnata con un pezzo per settimane. I pezzi di collage iniziano giocando con il colore, macchiando i bordi con inchiostro e disegnando linee sulla carta giapponese, poi tagliandola a strisce. Incollo queste sul telaio o sul lino con cura ma senza una composizione o struttura preconcetta in mente. Man mano che il pezzo si sviluppa, inizio ad analizzare per permettere all’editore di tornare nella stanza, per aggiustare colore o forma finché il pezzo non sembra giusto.   

Immagine in evidenza: Elizabeth Gourlay in studio