Elementi di Astrazione - Elizabeth Gourlay in un'Intervista

Elizabeth Gourlay considera il suo lavoro una meditazione su forme e colori, paragonando talvolta la sua pratica in studio al processo di composizione musicale. Utilizzando una combinazione di tecniche che spaziano dall'olio alla grafite fino al collage, Gourlay crea composizioni astratte che fanno riferimento a un vocabolario estetico sublimemente equilibrato tra natura e geometria. Gourlay, residente a Chester, nel Connecticut, questo mese espone opere in quattro mostre collettive, a New York, in Connecticut e in Massachusetts. IdeelArt ha avuto l'opportunità di parlare con lei della sua pratica, del calendario delle sue mostre e del suo nuovo corpus di opere.

Intervista a Elizabeth Gourlay - Mostre e attività recenti

IdeelArt: Questo è un mese molto intenso per te! Questo mese partecipi a quattro mostre collettive in quattro città diverse. Quando ti trovi in un periodo come questo, in cui molti spettatori diversi hanno l'opportunità di confrontarsi con il tuo lavoro, trovi ancora il tempo per rimanere attiva in studio o preferisci stare nelle gallerie, interagendo con il pubblico e assorbendo le sue reazioni al tuo lavoro?

Elizabeth Gourlay: È la prima volta che mi trovo ad avere così tante attività tutte insieme. È entusiasmante, ma sono abituata a dedicare tutta la mia attenzione alle mostre personali; ora ho dovuto rinunciare a un'inaugurazione per partecipare a un'altra. Ma una volta consegnate le opere, il tempo torna a essere mio. Sebbene non veda l'ora di rientrare in studio dopo anche un breve periodo di attività che mi allontana da lì, mi piace anche l'interazione che si crea in galleria, parlare con altri artisti e amici durante le inaugurazioni e gli altri eventi. L'arte astratta è un linguaggio e parlare con gli spettatori, in particolare con artisti e amici durante gli eventi, rafforza il senso di resilienza nelle nuove espressioni che stiamo scoprendo.

IA: Questo mese presenti le tue opere in luoghi rurali idilliaci, come la Tremaine Gallery di Lakeville, CT, e in centri urbani densamente popolati, come la 1285 Avenue of the Americas Gallery, a Midtown Manhattan. In che modo gli spettatori di ambienti così diversi hanno reagito diversamente al tuo lavoro?

E.G. In entrambi i casi, il pubblico era visivamente sofisticato e sembrava coinvolto e positivo. A New York tendeva generalmente a essere più loquace, ponendo domande ed esprimendo opinioni più prontamente. Penso che gli spettatori di New York tendessero ad avvicinarsi maggiormente alle opere!

IA: In che modo le conversazioni o altri tipi di interazione con gli spettatori hanno influenzato la direzione della tua pratica?

E.G. Cerco di non lasciarmi influenzare dalle reazioni degli spettatori, anche se inevitabilmente, quando la risposta a una nuova direzione del lavoro che mi entusiasma è positiva, questo tende a spingermi a continuare a esplorare quella strada. È sempre interessante sperimentare la diversità delle opinioni e capire come e perché le persone siano attratte da opere diverse.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotipo su carta. 40.6 x 38.1 cm.

Passato e presente

IA: In che modo il lavoro che realizzi oggi è diverso da quello che hai realizzato in passato? 

E.G. Il mio lavoro, a partire dal 1994 circa, era molto spesso basato su griglie e realizzato in formato quadrato. Veniva costruito attraverso strati di velature e linee disegnate. Intorno al 2005 ho iniziato a giocare con forme geometriche molto più audaci e colori saturi. Da allora sono passata avanti e indietro tra forme e colori decisi e intensi e lavori più delicati e tenui, combinandoli occasionalmente. I pezzi spesso iniziano in modo simile, ma possono concludersi in maniera molto diversa. Probabilmente il cambiamento più significativo è la libertà che mi concedo nel processo creativo.

IA: A volte fai riferimento alla meditazione quando parli del tuo lavoro. Potresti spiegare meglio che cosa significa questa parola in relazione alla tua arte? Per esempio, consideri meditativo il processo di realizzazione dell'opera? Consideri il prodotto finito un potenziale intermediario meditativo per gli spettatori? 

E.G. Considero meditativo il processo. Cerco di non portare in studio troppe idee, forse un'idea di colore o di forma. Quando comincio a lavorare, lascio che l'occhio interiore, la mente inconscia, reagisca all'opera e mi guidi nel catturare quell'elemento mentale elusivo che può essere distante e tuttavia così presente. Di solito il mio lavoro migliore nasce quando i miei pensieri sono liberi da ingombri, quando sono in sintonia con l'opera. Che si tratti di disegnare direttamente o di sovrapporre velature, mi piace l'esperienza di lasciare che il pezzo emerga. Non potrei dirlo meglio di Paul Klee, che disse: “la mia mano è interamente lo strumento di una sfera più lontana”. Non lavoro con l'intenzione di creare qualcosa per l'esperienza di qualcun altro, ma sono aperta alle loro reazioni e interpretazioni. Mi è capitato che persone che vivono con le mie opere dicessero che guardarle dà loro pace, calma gioia o che il pezzo trasmette un senso di radicamento. Sono quindi certa che considerare i pezzi finiti come intermediari meditativi sia del tutto legittimo, ma lascerò che siano coloro che vivono con le opere e gli esperti di mente e meditazione a fare la valutazione migliore. Se un'icona, o un intermediario meditativo, è un oggetto che trasmette una calma gioia o una pace capace di radicare, allora sì, mi viene spesso detto che i miei pezzi producono questi effetti.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotipo su carta. 38.1 x 40.6 cm.

Il processo

IA: Wassily Kandinsky ha scritto della musica e della sua capacità di comunicare emozioni a livello astratto. Anche tu stabilisci connessioni tra la musica e il tuo lavoro. Una delle connessioni che proponi è che il tuo vocabolario visivo di linee e colori possa essere interpretato come un riferimento alle scale musicali. In quali altri modi il tuo processo o le tue opere condividono caratteristiche con la composizione musicale?      

EG: Non penso consapevolmente alla musica o alla composizione musicale. Eppure il numero di persone che stabiliscono questa connessione con la musica è così elevato che deve esserci qualcosa di vero nell'analogia. Ascolto spesso musica mentre lavoro e da bambina ho imparato a suonare il pianoforte, quindi questo potrebbe influenzare il lavoro. In un certo senso sto “componendo” in un modo che può sembrare simile alla composizione musicale, soprattutto nel processo di giocare con barre, linee e blocchi di colore. Spostarli sulla superficie dell'immagine è molto simile ad avere note e accordi in punti diversi di uno spartito. 

IA: Parlaci un po' del tuo processo, in particolare del rapporto che hai con il collage. Per esempio, in che modo il processo di sovrapporre la carta nel tuo lavoro ti influenza diversamente dal processo di pittura? 

EG: Il più delle volte il mio processo pittorico, sia su carta sia su lino, è molto diretto. In genere comincio disegnando linee, seguite da velature di colore e poi da elementi di forma. Cerco di sorprendermi con una forma forte e inaspettata o con un colore lontano dalla mia tavolozza abituale. Li sposto, cercando di raggiungere un equilibrio tra colore e forma. Questa fase sembra una danza continua, in cui il formalismo si insinua per un po' e io gli oppongo resistenza. Le decisioni sull'includere o meno le audaci intrusioni risultanti creano una dinamica che può tenermi coinvolta in un pezzo per settimane. I collage iniziano giocando con il colore, macchiando i bordi con l'inchiostro e disegnando linee sulla carta giapponese, per poi tagliarla in strisce. Incollo con cura queste strisce sulla tela o sul lino, ma senza avere in mente una composizione o una struttura prestabilita. Man mano che il pezzo si sviluppa, comincio ad analizzarlo, lasciando rientrare l'editor nella stanza, per regolare il colore o la forma finché il pezzo non mi sembra giusto.   

Immagine in evidenza: Elizabeth Gourlay in studio 

Di IdeelArt Editorial

Fonti

• Elizabeth Gourlay: colorista del Connecticut, Two Coats of Paint: Profilo indipendente a sostegno della sua base in Connecticut, della sua pratica incentrata sul colore e dell'uso di collage, gouache e monotipia.
• Il pittore musicale: Paul Klee, The Sublime Blog: Approfondimento sulla formazione musicale di Klee e sulla frase citata riguardo alla sua mano come strumento di una sfera lontana.
• Kandinsky, Lo spirituale nell'arte (testo del Wabash College): Testo online del libro di Kandinsky, in cui il colore viene paragonato a una tastiera e l'anima a uno strumento suonato dall'artista.