Elementi di Astrazione - Elizabeth Gourlay in un'Intervista

Elizabeth Gourlay considera il suo lavoro una meditazione su forme e colori, a volte paragonando la sua pratica in studio al processo di composizione musicale. Utilizzando un mix di materiali che vanno dagli oli al grafite fino al collage, Gourlay crea composizioni astratte che fanno riferimento a un vocabolario estetico sublimemente bilanciato tra natura e geometria. Residente a Chester, Connecticut, Gourlay ha opere in quattro mostre collettive questo mese, a New York, Connecticut e Massachusetts. IdeelArt ha avuto l'opportunità di chiacchierare con lei sulla sua pratica, il suo calendario espositivo e il suo nuovo corpo di lavoro.

Intervista a Elizabeth Gourlay - Mostre e Attività Recenti

IdeelArt: Hai un mese molto impegnativo! Questo mese sei in quattro mostre collettive in quattro città diverse. Quando ti trovi in un momento come questo, in cui molti spettatori diversi hanno l'opportunità di incontrare il tuo lavoro, riesci ancora a trovare il tempo per rimanere attivo in studio o preferisci essere nelle gallerie interagendo con quegli spettatori e assorbendo la loro reazione al tuo lavoro?

Elizabeth Gourlay: Questa è la prima volta che ho avuto così tanta attività tutta insieme. È emozionante, ma sono così abituato a dare la mia attenzione indivisa a spettacoli individuali, ora ho dovuto perdere un'apertura per partecipare a un'altra. Ma una volta che l'opera d'arte è consegnata, il tempo diventa di nuovo mio. Anche se sono estremamente ansioso di tornare in studio dopo anche un breve periodo di attività che mi allontana, mi piace anche l'interazione che avviene nella galleria, parlare con altri artisti e amici durante le aperture e altri eventi in galleria. L'arte astratta è un linguaggio, e parlare con i visitatori, in particolare con artisti e amici durante gli eventi, costruisce un senso di resilienza nelle nuove espressioni che stiamo trovando.

IA: Hai mostre questo mese in luoghi idilliaci e rurali, come The Tremaine Gallery a Lakeville, CT, così come in centri urbani densamente popolati, come la 1285 Avenue of the Americas Gallery, a Midtown Manhattan. In che modo i visitatori in ambienti così diversi hanno risposto in modo diverso al tuo lavoro?

PER ESEMPIO. In entrambi i casi, il pubblico era visivamente sofisticato e sembrava coinvolto e positivo. A New York City, sembravano generalmente più vocali, ponendo domande e esprimendo opinioni più facilmente. Penso che gli spettatori a New York tendessero ad avvicinarsi di più alle opere!

IA: In che modo le conversazioni o altri tipi di interazioni con il pubblico hanno influenzato la direzione della tua pratica?

PER ESEMPIO. Cerco di non farmi influenzare dalle reazioni del pubblico, anche se, inevitabilmente, se la risposta è positiva verso una nuova direzione che mi entusiasma nel lavoro, allora tende a influenzarmi a continuare a esplorare quel percorso. È sempre interessante vivere la differenza di opinione e come e perché le persone siano attratte da opere diverse.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotipo su carta. 40,6 x 38,1 cm.

Passato e presente

IA: In che modo il lavoro che stai facendo oggi è diverso da quello che hai fatto in passato? 

PER ESEMPIO. Il mio lavoro, a partire dal 1994, era molto spesso basato su una griglia e in un formato quadrato. Era costruito in strati di lavaggi e linee disegnate. Intorno al 2005, ho iniziato a giocare con forme geometriche molto più audaci e colori saturi. Da allora, sono andato avanti e indietro tra forme e colori audaci e forti e lavori che sono più delicati e tenui, combinando occasionalmente i due. I pezzi spesso iniziano in modo simile ma possono finire in modo molto diverso. Probabilmente il cambiamento più grande è la libertà che mi concedo nel processo di creazione.

IA: A volte fai riferimento alla meditazione quando parli del tuo lavoro. Potresti elaborare su cosa significa quella parola in relazione alla tua arte? Ad esempio, consideri il processo di creazione dell'opera come meditativo? Consideri il prodotto finito come un potenziale intermediario meditativo per gli spettatori? 

PER ESEMPIO. Considero il processo come meditativo. Cerco di non portare troppe idee in studio, forse un'idea di colore o un'idea di forma. Mentre inizio a lavorare, lascio che l'occhio interiore, la mente inconscia, risponda all'opera e mi guidi a catturare l'elemento mentale illusorio che può essere distante eppure così presente. Di solito, il mio miglior lavoro avviene quando il mio pensiero è sgombro, quando sono in sintonia con l'opera. Che stia disegnando direttamente o quando stratifico i lavaggi, mi piace l'esperienza di lasciare che il pezzo emerga. Non posso esprimerlo meglio di Paul Klee che ha detto: “la mia mano è interamente lo strumento di una sfera più distante.” Non lavoro con l'intenzione di creare qualcosa per l'esperienza di un altro, eppure sono aperto alla loro reazione e interpretazione. Ho avuto persone che vivono con l'opera che spesso dicono che guardare l'opera dà loro pace, gioia calma, o che il pezzo è radicante. Quindi sono sicuro che considerare i pezzi finiti come intermediari meditativi sia molto valido, ma lascerò che siano coloro che vivono con i pezzi e coloro che sono esperti in mente e meditazione a fare la migliore valutazione. Se un'icona, o intermediario meditativo, è un oggetto che dà una gioia calma, o una pace che è radicante, allora sì, mi viene spesso detto che i miei pezzi hanno quegli effetti.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotipo su carta. 38,1 x 40,6 cm.

Informazioni sul processo

IA: Wassily Kandinsky scrisse della musica e della sua capacità di comunicare emozioni a un livello astratto. Anche tu fai connessioni tra la musica e il tuo lavoro. Una connessione che fai è che il tuo vocabolario visivo di linee e colori potrebbe essere interpretato come un riferimento a scale musicali. Quali sono altri modi in cui il tuo processo o le tue opere condividono delle affinità con la composizione musicale?

PER ESEMPIO: Non sto pensando consapevolmente alla musica o alla composizione musicale. Eppure, il numero di persone che stabiliscono quel collegamento con la musica è così grande che deve esserci qualcosa nell'analogia. Ascolto spesso musica quando lavoro e ho imparato a suonare il pianoforte da bambino, quindi questo potrebbe influenzare il lavoro. Sto "componendo" in un modo che potrebbe sembrare simile alla composizione musicale, in particolare nel processo di giocare con barre, linee e blocchi di colore. Spostarli intorno al piano dell'immagine è così simile ad avere note e accordi in diverse posizioni su uno spartito. 

IA: Parla un po' del tuo processo, in particolare del rapporto che hai con il collage. Ad esempio, in che modo il processo di sovrapposizione della carta nel tuo lavoro ti influenza in modo diverso rispetto al processo di pittura? 

PER ESEMPIO: La mia processo di pittura, sia su carta che su lino, è molto diretto. Di solito, inizio disegnando linee, seguito da lavaggi di colore, seguito da elementi di forma. Cerco di sorprendermi con una forma forte e inaspettata, o un colore lontano dalla mia palette abituale. Muovo questi elementi, cercando di ottenere un equilibrio tra colore e forma. Questa fase sembra una danza che è in corso, dove il formalismo si insinua per un po' e dove io resisto. Le decisioni su se includere o meno le audaci intrusioni risultanti è una sorta di dinamica che può tenermi impegnato con un'opera per settimane. I pezzi di collage iniziano giocando con il colore, macchiando i bordi con l'inchiostro e disegnando linee su carta giapponese e poi tagliando questi in strisce. Collage questi sulla tela o sul lino con attenzione ma senza una composizione o struttura preconcetta in mente. Man mano che l'opera si sviluppa, inizio ad analizzare per permettere all'editor di tornare nella stanza, per regolare colore o forma fino a quando l'opera non sembra giusta.   

Immagine in evidenza: Elizabeth Gourlay in studio