Addio a Siri Berg

L'artista astratta svedese-americana Siri Berg, membro degli American Abstract Artists, il cui lavoro è nella collezione del Solomon R. Guggenheim Museum, tra altre istituzioni, è morta a New York City all'età di 98 anni. Come Josef Albers e gli altri artisti del Bauhaus che l'hanno ispirata, Berg ha dedicato la sua attenzione agli elementi fondamentali dell'arte visiva: colore, luce, forma, materiale e composizione. Le sue opere dirette hanno avuto successo grazie alla loro onestà e fiducia. Berg una volta si riferì alle sue opere semplicemente come "dichiarazioni". Sebbene il suo lavoro sia astratto, non lo considerava mistico, suggestivo o indiretto. Una dichiarazione, piuttosto, è qualcosa di autorevole. Afferma. Rivela. L'essenza di ciò che Berg dichiarava con le sue opere variava a seconda di molti fattori. A volte, realizzava dipinti puramente formalisti chiaramente intesi come dichiarazioni sul colore, come la sua serie "Gradation". Altre volte, realizzava dipinti che, sebbene utilizzassero il colore come dispositivo estetico, erano anche senza scuse allegorici riguardo alle relazioni che le persone sviluppano tra di loro e con il mondo. La sua opera seminale "La Ronde" (1972) prende il nome dalla commedia di Arthur Schnitzler del 1897 La Ronde, che tratta delle relazioni sessuali tra dieci persone diverse. Per la sua versione di "La Ronde", Berg dipinse una serie di tele che esploravano le relazioni tra diversi colori, collocando vari colori in contesti diversi tra loro. Proprio come i personaggi della commedia di Schnitzler rivelano diversi aspetti delle loro personalità a seconda di chi sono intimi, Berg mostra come i colori sembrano cambiare completamente il loro aspetto a seconda di quali altri colori sono abbinati—una dichiarazione su come tutti i tipi di cambiamenti siano spesso solo finzioni della nostra percezione, causate da circostanze mutevoli. Berg si deliziava in conversazioni come questa, di cui sapeva che il suo lavoro aveva il potere di suscitare.

Dialoghi sottili

Berg nacque nel 1921 a Stoccolma, Svezia. Nel 1940, dopo aver conseguito la laurea presso l'Istituto d'Arte e Architettura dell'Università di Bruxelles—e proprio mentre i tedeschi iniziavano a occupare il Belgio nei primi anni della Seconda Guerra Mondiale—fuggì in America da sola, affrontando un viaggio di 28 giorni a bordo di un piccolo cargo. Sapeva fin dall'inizio che le sue vere ambizioni erano nel campo dell'arte, tuttavia Berg trascorse i suoi primi due decenni in America lavorando in campi creativi adiacenti: prima nella moda e poi come designer di vetrine per grandi magazzini. Alla fine rivolse completamente la sua attenzione alla pittura nei suoi 40 anni, inizialmente dipingendo a casa, e successivamente affittando uno spazio studio a SoHo, vicino a dove viveva. Fin dall'inizio, i suoi dipinti occupavano uno spazio individualistico nel contesto dei suoi contemporanei. Non esattamente Minimalista, ma lontano dall'Espressionismo; formalmente astratti, eppure pieni di contenuti allegorici: l'opera esemplificava un obiettivo che Berg definiva come assicurarsi di essere “lì” nel lavoro.

Siri Berg - La Ronde, 1972. cat #99, acrilico su masonite, 12” x 87” (7@12”x12” ciascuno). © Siri Berg

Ciò che significava per Berg essere "lì" era che poteva trovare modi per permettere alle sue esperienze e prove personali di trovare spazio nelle forme geometriche e nelle relazioni di colore nei suoi dipinti. Una delle sue opere precoci più rinomate, "Cycle of Life" (1967), offre un esempio perfettamente sottile di questo accoppiamento tra contenuto personale e precisione formalista: mobilita una semplice griglia stratificata di cerchi sovrapposti e una palette di colori limitata per esprimere le fasi di sviluppo di un embrione. Un altro esempio sfumato di Berg che è "lì" nel lavoro può essere trovato nella sua serie "Phases", in cui cerchi parziali e completi sono allineati su superfici piatte in schemi a griglia. I cerchi possono sembrare somigliare alle fasi lunari, ma in realtà non sono altro che affermazioni formali del fatto delle fasi. La verità dell'esistenza delle fasi è ciò che conta, indipendentemente dal fatto che stiamo parlando di fasi geometriche, fasi naturali o delle fasi mutevoli e incomplete della vita dell'artista.

Siri Berg - Ciclo della vita, 1967. cat #53, olio su tela, 28” x 28”. © Siri Berg

Contrasti e percezione

Nel corso della sua carriera, Berg si è attenuta a una semplice tavolozza di soli nove colori di base. Partendo da quel framework di base, ha lavorato per mescolare colori che "non esistono" nel mondo naturale. Sviluppando tonalità innaturali, è stata in grado di innescare incontri con gli spettatori in cui potevano smettere di gravarsi della ricerca di riferimenti alla natura. L'artificialità è diventata verità nei suoi dipinti. Liberato dai riferimenti narrativi esterni, il lavoro è libero di comunicare qualsiasi contenuto Berg intendesse trasmettere. Uno dei suoi soggetti preferiti era la Kabbalah, un campo di insegnamenti ebraici esoterici riguardanti la relazione tra forze divine infinite e l'universo mortale finito. Berg ha esplorato questo concetto nei suoi dipinti "Kabbalah" concentrandosi sul suo aspetto più essenziale: la nozione di contrasti.

Siri Berg - Kabbala, 1983. cat#443, olio su tela, 12” x 12”. © Siri Berg

Altri problemi di importanza per Berg includevano l'architettura e la luce. Ha espresso chiaramente questi interessi nelle sue assemblaggi di oggetti trovati. "Mouseballs" (1999), un assemblaggio di sei palline di rotolamento provenienti da mouse per computer incollate a una tela, è un esempio classico. Le mouseballs e la superficie sono tutte dipinte dello stesso tono viola. La parte centrale dell'opera è rigata, mentre il resto è piatto. Le mouseballs proiettano ombre sulle righe. Man mano che l'occhio si sposta dalle sfere alle righe fino alla superficie piatta, appaiono tracciatori, creando illusioni rimbalzanti di ombra e forma. Un altro assemblaggio, "Singularities" (1980-99), consiste in una griglia di 25 ventose trasparenti e rotonde incollate a una tela bianca. Le ventose proiettano ombre rotonde e innescano tracciatori circolari sulla superficie piatta. Anche se sono sicuramente dipinti e non sculture, opere come queste fanno dichiarazioni chiare sul potenziale dello spazio e della luce di influenzare la percezione umana. In definitiva, l'idea di percezioni mutevoli era ciò che era più importante per Berg, specialmente per quanto riguarda come le persone la percepivano come artista. Come ha detto una volta in risposta a una domanda su cosa significasse essere un'artista femminista: "Voglio che il mio lavoro venga visto e vissuto da voi per quello che è e non per quello che sono."

Immagine in evidenza: Siri Berg - Fase 25, 1973. cat#152a, olio su tela, 12” x 14”. © Siri Berg
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park