Addio a Siri Berg

L'artista astratta svedese-americana Siri Berg, membro degli American Abstract Artists il cui lavoro fa parte della collezione del Solomon R. Guggenheim Museum, tra altre istituzioni, è morta a New York all'età di 98 anni. Come Josef Albers e gli altri artisti del Bauhaus che l'hanno ispirata, Berg dedicò la sua attenzione agli elementi fondamentali dell'arte visiva: colore, luce, forma, struttura, materiale e composizione. Le sue opere dirette riuscivano grazie alla loro onestà e sicurezza. Berg definiva una volta le sue opere semplicemente come “affermazioni”. Sebbene il suo lavoro fosse astratto, non lo considerava mistico, suggestivo o indiretto. Un'affermazione, piuttosto, è qualcosa di autorevole. Afferma. Rivela. L'essenza di ciò che Berg esprimeva con le sue opere variava a seconda di molti fattori. A volte realizzava dipinti puramente formalisti chiaramente intesi come affermazioni sul colore, come la sua serie “Gradation”. Altre volte, dipingeva opere che, pur utilizzando il colore come dispositivo estetico, erano anche senza scuse allegoriche sulle relazioni che le persone sviluppano tra loro e con il mondo. La sua opera fondamentale “La Ronde” (1972) prende il nome dall'opera teatrale del 1897 di Arthur Schnitzler La Ronde, che tratta delle relazioni sessuali tra dieci persone diverse. Per la sua versione di “La Ronde”, Berg dipinse una serie di tele che esploravano le relazioni tra diversi colori, collocando vari colori in contesti differenti tra loro. Proprio come i personaggi dell'opera di Schnitzler rivelano diversi aspetti delle loro personalità a seconda di chi frequentano intimamente, Berg mostra come i colori sembrano cambiare completamente il loro aspetto a seconda degli altri colori con cui sono accostati—un'affermazione su come tutti i tipi di cambiamenti siano spesso in realtà solo finzioni della nostra percezione, causate da circostanze mutevoli. Berg si compiaceva di conversazioni come questa, che sapeva il suo lavoro aveva il potere di suscitare.

Dialoghi sottili

Berg nacque nel 1921 a Stoccolma, Svezia. Nel 1940, dopo aver conseguito la laurea presso l'Istituto di Arte e Architettura dell'Università di Bruxelles—e proprio mentre i tedeschi avevano iniziato a occupare il Belgio nei primi anni della Seconda guerra mondiale—fuggì da sola in America, affrontando un viaggio di 28 giorni a bordo di una piccola nave mercantile. Fin dall'inizio sapeva che le sue vere ambizioni erano nel campo dell'arte, tuttavia Berg trascorse i primi due decenni in America lavorando in campi creativi affini: prima nella moda e poi come vetrinista per grandi magazzini. Finalmente rivolse completamente la sua attenzione alla pittura intorno ai quarant'anni, dipingendo inizialmente a casa e poi affittando uno studio a SoHo, vicino al luogo in cui abitava. Fin dall'inizio, i suoi dipinti occupavano uno spazio individualistico nel contesto dei suoi contemporanei. Non esattamente Minimalista, ma lontana dall'Espressionismo; formalmente astratti, ma pieni di contenuti allegorici: l'opera esemplificava un obiettivo che Berg definiva come assicurarsi di essere “presente” nell'opera.

Siri Berg - La Ronde, 1972. cat #99, acrilico su masonite, 30 cm x 221 cm (7 tele da 30x30 cm ciascuna). © Siri Berg

Ciò che significava per Berg essere “presente” era poter trovare modi per permettere alle sue esperienze e prove personali di trovare spazio nelle forme geometriche e nelle relazioni cromatiche dei suoi dipinti. Una delle sue opere più rinomate degli inizi, “Ciclo della Vita” (1967), offre un esempio perfettamente sottile di questa combinazione di contenuto personale e precisione formalista: mobilita una semplice griglia stratificata di cerchi sovrapposti e una palette cromatica limitata per esprimere le fasi di sviluppo di un embrione. Un altro esempio sfumato di Berg “presente” nell'opera si trova nella sua serie “Fasi”, in cui cerchi parziali e completi sono allineati su superfici piane in schemi a griglia. I cerchi possono sembrare somigliare alle fasi lunari, ma in realtà sono solo affermazioni formali del fatto delle fasi. Ciò che conta è la verità dell'esistenza delle fasi, indipendentemente dal fatto che si parli di fasi geometriche, fasi naturali o delle fasi mutevoli e incomplete della vita dell'artista.

Siri Berg - Ciclo della Vita, 1967. cat #53, olio su tela, 71 cm x 71 cm. © Siri Berg

Contrasti e percezione

Nel corso della sua carriera, Berg si attenne a una tavolozza semplice di soli nove colori base. Partendo da questa struttura di base, si impegnò a mescolare colori che “non esistono” nel mondo naturale. Sviluppando tonalità innaturali, riuscì a stimolare incontri con gli spettatori in cui essi potevano smettere di gravarsi della ricerca di riferimenti alla natura. L'artificialità divenne verità nei suoi dipinti. Liberata dai riferimenti narrativi esterni a sé, l'opera è libera di comunicare qualunque contenuto Berg intendesse trasmettere. Uno dei suoi soggetti preferiti era la Cabala, un campo di insegnamenti esoterici ebraici riguardanti la relazione tra forze divine infinite e l'universo finito e mortale. Berg esplorò questo concetto nelle sue opere “Cabala” concentrandosi sul suo aspetto più essenziale: la nozione di contrasti.

Siri Berg - Cabala, 1983. cat#443, olio su tela, 30 cm x 30 cm. © Siri Berg

Altri temi importanti per Berg includevano l'architettura e la luce. Espresse questi interessi chiaramente nelle sue assemblaggi di oggetti trovati. “Mouseballs” (1999), un assemblaggio di sei palline di rotolamento di mouse per computer incollate su una tela, è un esempio classico. Le palline e la superficie sono tutte dipinte dello stesso tono violetto. La parte centrale dell'opera è scanalata, mentre il resto è piatto. Le palline proiettano ombre sulle scanalature. Mentre l'occhio si sposta dalle sfere alle scanalature alla superficie piatta, appaiono tracce che creano illusioni rimbalzanti di ombra e forma. Un altro assemblaggio, “Singolarità” (1980-99), consiste in una griglia di 25 ventose trasparenti e rotonde incollate su una tela bianca. Le ventose proiettano ombre rotonde e stimolano tracce circolari sulla superficie piatta. Sebbene siano decisamente dipinti e non sculture, opere come queste esprimono chiaramente il potenziale dello spazio e della luce di influenzare la percezione umana. In definitiva, l'idea di percezioni mutevoli era ciò che più importava a Berg, specialmente riguardo a come le persone la percepivano come artista. Come disse una volta rispondendo a una domanda su cosa significasse essere un'artista femminista, “Voglio che il mio lavoro sia visto e vissuto da voi per ciò che è e non per ciò che sono io.”

Immagine in evidenza: Siri Berg - Fase 25, 1973. cat#152a, olio su tela, 30 cm x 36 cm. © Siri Berg
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio