Non sentirti giù - Compra invece arte astratta blu!

Per gran parte della sua storia antica, gli esseri umani erano ciechi al blu. Omero, nelle sue evocative descrizioni, accennava a un mare color vino, mentre le antiche spiegazioni dei fenomeni naturali come l'arcobaleno escludevano chiaramente il blu. La maggior parte del Mondo Antico abbracciava affascinanti coloranti blu egiziani, ma non riusciva a trovare la parola per descrivere una miriade di tonalità che oggi ricomprendiamo sotto il blu. Il colore blu, in ritardo, non solo sarebbe diventato il preferito del mondo dell'arte, ma il favorito di tutti i colori - in lungo e in largo! Le opere d'arte astratte blu accentuano in modo unico questa ineguagliabile infatuazione per il blu che ha raggiunto il culmine nel XX secolo. Il blu doveva occupare il palcoscenico centrale fin dall'inizio del XX secolo. Dal deprimente Periodo Blu di Picasso alle opere dominate dal blu del gruppo die Blau Reiter, il blu annunciava la sua indiscussa primazia. Nel suo On the Spiritual in Art (1911), Kandinsky afferma che il blu è un colore di spiritualità e più scuro è il blu, più risveglia il desiderio umano per l'eterno. Potremmo solo speculare se il desiderio per l'eterno o qualcosa di così sublime stesse ispirando le opere d'arte astratte blu più incantevoli come Divided by Blue di Rothko, Blue II di Miro o Blueberry Eyes di Kline, tra molti altri. La risposta potrebbe forse trovarsi nella nostra collezione settimanale delle opere d'arte astratte blu più affascinanti elencate di seguito.

Arvid Boecker - #1276

L'ultima opera di Boecker esemplifica la sua distinta esplorazione del colore stesso sulla tela rettangolare standard, che è divisa da una linea longitudinale in due campi dipinti con due diverse tonalità di blu. Scrupoloso riguardo al colore, Boecker applica fino a 40 strati, sia a velatura che a impasto, ma rimuove anche strati vecchi, permettendo che gli echi dell'erosione rimangano visibili. Il lungo processo di creazione durante il quale i suoi dipinti maturano è intrinsecamente meditativo, poiché riflette simultaneamente sul colore e sui suoi effetti. Boecker è un pittore astratto tedesco il cui lavoro mobilita le tensioni e le armonie che esistono tra le relazioni di colore, le texture e i processi del tempo. Vive e lavora a Heidelberg, in Germania.

Arvid Boecker - #1276, 2019. Olio su tela. 50 x 40 x 5,5 cm.

Kyong Lee - Tabella dei colori emotivi 099

La tavolozza dei colori emotivi 099 è parte della serie iniziata nel 2016 in cui Lee esplora il significato del colore e il linguaggio emotivo che associa subconscientemente parole specifiche a tonalità particolari. Questo dipinto a colori graduati consiste in strati di vernice applicati su un tempo fisso e lo stesso tempo di riposo. Costruire, stratificare e accumulare porta a gradazioni uniche che sottolineano la relazione tra colore e tempo e le permettono di esprimere le sue esperienze emotive mentre si evolvono temporalmente. Lee è un'artista astratta coreana il cui lavoro riconcilia realtà fisiche ed emotive attraverso un'esplorazione multidisciplinare di colore, materiale, processo e forma. Vive e lavora a Seoul, Corea.

Kyong Lee - Emotional color chart 099, 2019. Matita e acrilico su carta Fabriano-pittura. 70 x 30 cm.

Joanne Freeman - Copertine 24 Blue C Estate

Parte della serie Covers, Covers 24 Blue C Summer, è un omaggio personale e idiosincratico alle copertine della cultura pop della metà del XX secolo. Riflette il linguaggio visivo riduttivo di Freeman, ricco di riferimenti (sub)culturali e abilmente catturato in gouache blu su carta Khadi indiana fatta a mano. L'uso di un colore singolare enfatizza l'interazione tra lo sfondo e il primo piano che esprime fisicità, emozione, limitazione e casualità. Freeman è un'artista astratta americana che crea dipinti minimalisti riduttivi e opere su carta, caratterizzati da forme astratte hard-edged e marcature audaci, vivide e gestuali. Vive e lavora a New York City.

Joanne Freeman - Covers 24 Blue C Summer, 2016. Gouache su carta Khadi fatta a mano. 61 x 61 cm.

Debra Ramsay - Cielo e Neve

Sky & Snow segue l'indagine duratura di Ramsay sul colore, la posizione, la luce e il tempo culminata nella sua serie Hue[s]pace. Ramsay cattura e scopre il colore fotograficamente e poi lo traduce in una formula di vernice utilizzando un programma per computer. È profondamente ispirata dalla natura e la fonte dei colori in Sky & Snow rivela senza ambiguità la sua origine, poiché le tonalità di acrilico blu su plexiglass creano una sensazione atmosferica e velata. Ramsay è un'artista astratta americana che crea dipinti acrilici, disegni e installazioni che esplorano l'interazione concettuale tra colore, linea e superficie. Vive e lavora a New York City.

Debra Ramsay - Sky & Snow, 2016. Acrilico su plexiglass trasparente. 76,2 x 33 cm.

Marcy Rosenblat - Blue Shift

Celebrata per la sua arte del processo, Rosenblat versa la vernice e ruota il cavalletto, permettendo alla vernice di gocciolare e seguire il suo movimento intrinseco. Ogni strato di vernice in Blue Shift assomiglia a un velo attraverso il quale la rivelazione e l'oscuramento immergono lo spettatore e avviano la sua introspezione. Il tessuto che Rosenblat utilizza per intercedere tra la sua mano e la tela genera texture e motivi che contribuiscono all'illusione pittorica del suo lavoro. Rosenblat è un'artista americana di pittura astratta del processo. I suoi dipinti e le sue stampe sono stratificati, colorati e complessi. Nata a Chicago, Illinois, attualmente vive e lavora a Brooklyn, New York.

Marcy Rosenblat - Blue Shift, 2017. Acrilico su lino. 61 x 61 cm.

Richard Caldicott - Chance/Fall (8), 2010

Parte della sua serie Chance/Fall, Chance/Fall (8), 2010 cattura l'affinità di Caldicott per l'improvvisazione in cui strati sovrapposti e fluttuanti di blu scintillante emanano un'energia luminosa e tentatrice che ipnotizza lo spettatore. La sua radianza pellucida contribuisce alla vivacità e all'attrattiva che sono persuasive e incantevoli. Utilizzando la tecnica più tradizionale, Caldicott offre un'opera leggera e senza pretese che si riferisce al modernismo in un modo nuovo e unico. Caldicott è un artista inglese che esplora la fotografia astratta e crea composizioni astratte su carta. Vive e lavora a Londra.

Richard Caldicott - Chance/Fall (8), 2010. Stampa C. 127 x 101,6 cm.

Dana Gordon - Questo È

Il lavoro più recente di Gordon si distacca dalla sua acclamata arte caleidoscopica in un'esplorazione rigorosa dell'interazione tra colore, forma e linea. Questo è, secondo Gordon, una solida integrazione di tutto ciò che è venuto prima nel suo lavoro e incorpora l'esperienza accumulata, le emozioni, la tensione e la restrizione. Applicando una tavolozza ridotta di blu e giallo contrastanti, esamina la possibilità espressiva della calligrafia liquida e la sua capacità di esprimere la natura umana e l'esperienza nella sua pienezza. Gordon è un pittore astratto americano il cui lavoro esuberante ha esplorato per decenni direttamente il potenziale della creazione di segni e linee per creare colore, forma e spazio intrisi di significato. Vive e lavora a New York City.

Dana Gordon - That Is, 2018. Acrilico e Flashe su tela. 121,92 x 152,4 cm.

Ulla Pedersen - Carta Strappata I.5

Cut-Up Paper I.5 è emblematica dell'approccio distintivo di Pedersen - una palette limitata a un blu evidente e forme minimali a bordi netti su uno sfondo di colore uniforme. Il suo convincente contrasto tra forma e non-forma rivela l'armonia e la tensione inscritta nei colori, nei motivi e nelle forme. Cerca vigorosamente di indagare la natura in evoluzione delle loro relazioni mentre le mescola, sposta e sovrappone. Pedersen è un'artista astratta danese. Il suo lavoro è un'esplorazione minimale e concreta del colore, della materialità, della forma e dell'equilibrio. Vive e lavora nella Regione Capitale della Danimarca.

Ulla Pedersen - Cut-Up Paper I.5, 2016. Acrilico su carta. 30 x 30 cm.

Paul Snell - Intersect # 201803

L'intersezione # 201803 è un esempio iconico della comprensione sensoriale dell'oggetto fisico da parte di Snell. Questa stampa fotografica luminosa e vibrante, con tonalità blu predominanti, è il risultato di un lungo e faticoso processo: decodificando digitalmente le informazioni visive catturate da una macchina fotografica tradizionale, riduce colori e forme fino a far emergere le loro relazioni autoreferenziali all'interno di una nuova composizione. Seguendo l'eredità della pittura modernista, del minimalismo e dell'astrazione a bordi netti, crea un'opera emozionante che è stimolante e contemplativa. Snell combina tecniche tradizionali e digitali per esplorare le possibilità dell'astrazione e del minimalismo nella fotografia contemporanea. Vive e lavora a Launceston, Tasmania.

Paul Snell - Intersect # 201803, 2018. Stampa cromogenica montata su Plexiglas da 4,5 mm. 118 x 118 cm.

Seb Janiak - Photon 06 (Medio)

La serie Photon esamina visivamente la duplice natura della luce - sia come onda che come particella. Janiak’s assunzione (meta)fisica fondamentale e punto di partenza per le sue esplorazioni estetiche è che quando l'osservatore percepisce la luce, la sua natura cambia. Per verificare le sue affermazioni, Janiak utilizza un obiettivo fotografico poiché somiglia di più all'occhio. Un prisma, usato come intermediario tra l'occhio e il visibile, scompone la luce bianca invisibile in sette colori primari e Photon 04 isola la parte blu dello spettro. Janiak è un artista fotografico il cui lavoro esplora le condizioni in cui gli opposti possono coesistere, rivelando le caratteristiche visive delle forze nascoste che plasmano l'universo fisico. Vive e lavora a Parigi, Francia.

Seb Janiak - Photon 06 (Medium), 2012. Stampa cromogenica. 100 x 133 cm.

Scopri di più opere d'arte astratte blu!

Immagine in evidenza: Joanne Freeman - Copertine 24 Blue C Estate, 2016, vista dell'installazione.
Di Jovana Vuković