Non sentirti giù - Compra invece arte astratta blu!

Per gran parte della sua storia iniziale, l’umanità era cieca al blu. Omero, nelle sue descrizioni evocative, alludeva a un mare color vino rosso mentre le antiche spiegazioni dei fenomeni naturali come l’arcobaleno escludevano chiaramente il blu. La maggior parte del Vecchio Mondo abbracciava gli affascinanti coloranti blu egiziani ma non riusciva a trovare la parola per descrivere la miriade di tonalità che oggi raggruppiamo sotto il blu. Il colore fuori tempo del blu non solo divenne il prediletto del mondo dell’arte ma il favorito di tutti i colori - ovunque! Le opere astratte blu accentuano in modo unico questa infatuazione senza pari per il blu che raggiunse l’apice nel XX secolo. Il blu doveva prendere il centro della scena fin dall’inizio del XX secolo. Dal deprimente Periodo Blu di Picasso alle opere dominate dal blu del gruppo die Blau Reiter, il blu annunciava la sua primazia indiscussa. Nel suo Sull’arte spirituale (1911), Kandinsky afferma che il blu è un colore di spiritualità e più il blu è scuro, più risveglia il desiderio umano per l’eterno. Possiamo solo speculare se il desiderio per l’eterno o qualcosa di sublime ispirasse l’arte astratta blu più incantevole come Divided by Blue di Rothko, Blue II di Miró o Blueberry Eyes di Kline, tra molti altri. La risposta potrebbe forse trovarsi nella nostra raccolta settimanale delle opere astratte blu più affascinanti elencate di seguito.

Arvid Boecker - #1276

Quest’ultima opera di Boecker esemplifica la sua distinta esplorazione del colore stesso sulla tradizionale tela rettangolare, divisa da una linea longitudinale in due campi dipinti con due diverse tonalità di blu. Scrupoloso riguardo al colore, Boecker applica fino a 40 strati, sia velature che impasti, ma rimuove anche strati vecchi permettendo che gli echi dell’erosione rimangano visibili. Il lungo processo di creazione durante il quale i suoi dipinti maturano è intrinsecamente meditativo mentre riflette contemporaneamente sul colore e i suoi effetti. Boecker è un pittore astratto tedesco il cui lavoro mobilita le tensioni e le armonie che esistono tra le relazioni cromatiche, le texture e i processi del tempo. Vive e lavora a Heidelberg, Germania.

 

Arvid Boecker - #1276, 2019. Olio su tela. 50 x 40 x 5,5 cm.

 

Kyong Lee - Emotional color chart 099

Emotional color chart 099 fa parte della serie iniziata nel 2016 in cui Lee approfondisce il significato del colore e il linguaggio emotivo che associa inconsciamente parole specifiche a particolari tonalità. Questo dipinto a colori sfumati consiste in strati di pittura applicati per un tempo fisso e lo stesso tempo di riposo. Costruire, stratificare e accumulare produce gradazioni uniche che sottolineano la relazione tra colore e tempo e le permettono di esprimere le sue esperienze emotive mentre evolvono nel tempo. Lee è un’artista astratta coreana il cui lavoro concilia realtà fisiche ed emotive attraverso un’esplorazione multidisciplinare di colore, materiale, processo e forma. Vive e lavora a Seoul, Corea.

 

Kyong Lee - Emotional color chart 099, 2019. Matita e acrilico su carta Fabriano-pittura. 70 x 30 cm.

 

Joanne Freeman - Covers 24 Blue C Summer

Parte della serie Covers, Covers 24 Blue C Summer è un omaggio personale e idiosincratico alle copertine della cultura popolare della metà del XX secolo. Riflette il linguaggio visivo riduttivo di Freeman, ricco di riferimenti (sub)culturali e abilmente catturato in gouache blu su carta indiana Khadi fatta a mano. L’uso di un colore singolare enfatizza l’interazione tra sfondo e primo piano che esprime fisicità, emozione, limite e casualità. Freeman è una pittrice astratta americana che crea dipinti minimalisti riduttivi e opere su carta, caratterizzate da forme astratte a contorni netti e marcature audaci, vivide e gestuali. Vive e lavora a New York City.

 

Joanne Freeman - Covers 24 Blue C Summer, 2016. Gouache su carta Khadi fatta a mano. 61 x 61 cm.

 

Debra Ramsay - Sky & Snow

Sky & Snow prosegue l’indagine duratura di Ramsay su colore, luogo, luce e tempo culminata nella sua serie Hue[s]pace. Ramsay cattura e scopre il colore fotograficamente e poi lo traduce in una formula pittorica usando un programma per computer. È profondamente ispirata dalla natura e la fonte dei colori in Sky & Snow rivela inequivocabilmente la sua origine poiché le tonalità acriliche blu su plexiglass creano una sensazione nebbiosa e atmosferica. Ramsay è un’artista astratta americana che crea dipinti acrilici, disegni e installazioni che esplorano l’interazione concettuale tra colore, linea e superficie. Vive e lavora a New York City.

 

Debra Ramsay - Sky & Snow, 2016. Acrilico su plexiglass trasparente. 76,2 x 33 cm.

 

Marcy Rosenblat - Blue Shift

Celebre per la sua arte del processo, Rosenblat versa la pittura e gira il cavalletto, permettendo alla pittura di gocciolare e seguire il suo movimento intrinseco. Ogni strato di pittura in Blue Shift somiglia a un velo attraverso cui la rivelazione e l’oscuramento immergono lo spettatore e avviano la sua introspezione. Il tessuto che Rosenblat usa per intercedere tra la sua mano e la tela produce texture e motivi che aggiungono all’illusione pittorica della sua opera. Rosenblat è una pittrice astratta americana del processo. I suoi dipinti e le sue stampe sono stratificati, colorati e complessi. Nata a Chicago, Illinois, attualmente vive e lavora a Brooklyn, New York.

 

Marcy Rosenblat - Blue Shift, 2017. Acrilico su lino. 61 x 61 cm.

 

Richard Caldicott - Chance/Fall (8), 2010

Parte della sua serie Chance/Fall, Chance/Fall (8), 2010 cattura l’affinità di Caldicott per l’improvvisazione in cui strati sovrapposti e fluttuanti di blu scintillante emanano un’energia luminosa e seducente che ipnotizza lo spettatore. La sua radiosità limpida contribuisce alla vivacità e al fascino che è persuasivo e incantevole. Usando la tecnica più tradizionale, Caldicott realizza un’opera leggera e senza pretese che si riferisce al modernismo in modo nuovo e unico. Caldicott è un artista inglese che esplora la fotografia astratta e crea composizioni astratte su carta. Vive e lavora a Londra.

 

Richard Caldicott - Chance/Fall (8), 2010. Stampa C. 127 x 101,6 cm.

 

Dana Gordon - That Is

L’opera più recente di Gordon si discosta dalla sua acclamata opera caleidoscopica in una rigorosa esplorazione dell’interazione tra colore, forma e linea. That Is è, secondo Gordon, un’integrazione solida di tutto ciò che è avvenuto prima nel suo lavoro e incorpora l’esperienza accumulata, le emozioni, la tensione e la moderazione. Applicando una tavolozza ridotta di blu e giallo contrastanti, esamina la possibilità espressiva della calligrafia liquida e la sua capacità di esprimere la natura e l’esperienza umana nella sua pienezza. Gordon è un pittore astratto americano il cui lavoro esuberante ha esplorato per decenni il potenziale del segno e della linea per creare colore, forma e spazio carichi di significato. Vive e lavora a New York City.

 

Dana Gordon - That Is, 2018. Acrilico e Flashe su tela. 121,92 x 152,4 cm.

 

Ulla Pedersen - Cut-Up Paper I.5

Cut-Up Paper I.5 è emblematico dell’approccio distinto di Pedersen - tavolozza limitata a un blu vistoso e forme minime a contorni netti su campo a tinta unita. Il suo persuasivo contrasto tra forma e non forma rivela l’armonia e la tensione inscritte nei colori, nei motivi e nelle forme. Cerca vigorosamente di indagare la natura evolutiva delle loro relazioni mentre le fonde, sposta e stratifica. Pedersen è un’artista astratta danese. Il suo lavoro è un’esplorazione minima e concreta di colore, materialità, forma e equilibrio. Vive e lavora nella Regione Capitale della Danimarca.

 

Ulla Pedersen - Cut-Up Paper I.5, 2016. Acrilico su carta. 30 x 30 cm.

 

Paul Snell - Intersect # 201803

Intersect # 201803 è un esempio iconico della comprensione sensoriale di Snell dell’oggetto fisico. Questa stampa fotografica luminosa e vibrante con prevalenti tonalità blu è il risultato di un processo lungo e impegnativo -- decodificando digitalmente le informazioni visive catturate da una macchina fotografica tradizionale, riduce colori e forma finché emergono le loro relazioni autoreferenziali all’interno di una nuova composizione. Seguendo l’eredità della pittura modernista, del minimalismo e dell’astrazione a contorni netti, crea opere stimolanti e contemplative. Snell combina tecniche tradizionali e digitali per esplorare le possibilità dell’astrazione e del minimalismo nei media fotografici contemporanei. Vive e lavora a Launceston, Tasmania.

 

Paul Snell - Intersect # 201803, 2018. Stampa cromogenica montata su plexiglass da 4,5 mm. 118 x 118 cm.

 

Seb Janiak - Photon 06 (Medium)

La serie Photon esamina visivamente la duplice natura della luce - sia come onda sia come particella. L’assunto (meta)fisico fondamentale di Janiak e punto di partenza per le sue esplorazioni estetiche è che quando l’osservatore percepisce la luce, la sua natura cambia. Per verificare le sue affermazioni, Janiak usa un obiettivo fotografico poiché assomiglia più da vicino all’occhio. Un prisma, usato come intermediario tra l’occhio e il visibile, scompone la luce bianca invisibile in sette colori primari e Photon 04 isola la parte blu dello spettro. Janiak è un artista fotografico il cui lavoro esplora condizioni in cui gli opposti possono coesistere, rivelando le caratteristiche visive delle forze nascoste che plasmano l’universo fisico. Vive e lavora a Parigi, Francia.

 

Seb Janiak - Photon 06 (Medium), 2012. Stampa cromogenica. 100 x 133 cm.

 

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Immagine in evidenza: Joanne Freeman - Covers 24 Blue C Summer, 2016, vista dell’installazione.
Di Jovana Vuković