Charlotte Park, un'artista astratta da conoscere

Trovo elementi familiari nell’opera di Charlotte Park. Vedo nei suoi dipinti un’ansia e una ricerca quasi sconfinata, sostituite in certi momenti da una quiete o immobilità, ma sempre con fiducia. Park non è un’artista particolarmente nota oggi, anche se i suoi più stretti collaboratori sono tra gli artisti più famosi del secolo scorso. Era sposata con James Brooks, il cui lavoro è presente alla Tate, al MoMA e allo Smithsonian, tra altre collezioni istituzionali. Park e Brooks abitavano accanto a Jackson Pollock e Lee Krasner a New York. Quando Pollock e Krasner si trasferirono agli Hamptons, Park e Brooks presero il loro appartamento, per poi seguirli a Long Island. Nonostante fosse socialmente circondata da decine di altri pittori di talento, Park sviluppò una voce visiva singolare che per me è immediatamente riconoscibile. Forse è relativamente sconosciuta oggi rispetto ai suoi contemporanei perché tutti loro erano felicemente associati all’Espressionismo Astratto. Sebbene molti critici e mercanti d’arte contemporanei abbiano tentato apertamente di “riscoprire” Park e di inserire la sua opera in quel medesimo contesto storico, non sento l’inclinazione a scrivere di Park come parte di quel movimento, o tendenza, o fenomeno, o qualunque cosa fosse o sia. Park mi sembra aver intrapreso un viaggio artistico personale, che ha seguito un’evoluzione unica. A differenza di molti suoi coetanei, che raggiunsero il successo critico e poi si fossilizzarono, Park raggiunse il suo apice tardi nella carriera, come un saggio che finalmente arriva in cima a una montagna, vedendo tutto, infine, nella cosa più piccola. Mentre l’Espressionismo Astratto mi è sempre sembrato riguardare una sorta di “io-ità”, Park creò un corpus di opere che sembra più riguardare la “totalità”. I suoi dipinti non solo tracciano la sua individualità, ma la sua umanità—la sua evoluzione da cercatrice a pace interiore.

Una figura in isolamento

Nata a Concord, Massachusetts, nel 1918, Park conseguì la laurea in arte a Yale nel 1939. Durante la Seconda Guerra Mondiale lavorò per l’Ufficio dei Servizi Strategici (OSS), che poi divenne la CIA, quindi si trasferì a New York con Brooks dopo la guerra. Nel dopoguerra a Manhattan, lei e Brooks si trovarono nel mezzo di una delle avanguardie artistiche più vivaci al mondo. Tuttavia, l’unico aspetto di quella scena che sembra aver permeato il lavoro di Park in quel periodo è l’attenzione all’astrazione. I suoi dipinti mostrano scarso interesse per le principali preoccupazioni dei suoi contemporanei, come l’inconscio, il disegno automatico, il trascendentalismo o la creazione di miti. Park non sembra essersi vista, come Pollock, come natura incarnata. Dipinse piuttosto come un’artista interessata a porre domande fondamentali su cosa sia la pittura e se sia davvero adatta a esprimere la totalità dell’esperienza umana.

Charlotte Park - Il Sole, 1950. Olio su carta montata su tela. 45,7 x 61 cm. © Berry Campbell Gallery

I primi dipinti come “Maschera” (1950), “Il Sole” (1950) e “Partenza” (1955), suggeriscono qualcuno che sembra cercare di dipingere folle—forme biomorfiche raccolte in un gioco di spinta e trazione. Le forme stesse in questi dipinti non sono davvero il soggetto. È piuttosto il rapporto tra esse e il loro ambiente che appare importante. In una lunga serie di dipinti per lo più neri iniziata negli anni ’50, Park sembrava cercare di squarciare realtà plastiche per scoprire qualcosa dietro la superficie. Rabbia e frustrazione sembrano incastonate in questi scoppi visivi rozzi. Emozione, allegoria e metafora cercano di esprimersi, ma i dipinti sembrano quasi inadeguati a portare i loro messaggi. L’unica dichiarazione che questi dipinti riescono a fare più e più volte è che chi li ha dipinti si sente solo.

Charlotte Park - Senza titolo, 1985. Acrilico su carta. 28,6 x 28,6 cm. © James Brooks and Charlotte Park Foundation. Cortesia Berry Campbell Gallery

Trovare la griglia

Alcuni scrittori resistono alla tentazione di raccontare storie, per quanto strano possa sembrare. Vogliono semplicemente scrivere, senza struttura, senza aspettative. La storia può essere una gabbia che priva lo scrittore di molte libertà creative. Alcuni pittori provano la stessa cosa riguardo alla griglia. Dover creare cosiddette composizioni che aderiscano a formati visivi esistenti è fonte di vera frustrazione per un artista che vuole solo dipingere. L’ansia presente nel suo lavoro per la maggior parte della carriera suggerisce che Park conoscesse intimamente questa lotta. Negli anni ’50 e ’60, e fino ai primi anni ’70, il suo lavoro si scagliava contro i confini della cornice, eludendo l’influenza della griglia, rifiutando le nozioni tradizionali di armonia e equilibrio, e ignorando le strategie compositive “a tutto campo” adottate da molti suoi contemporanei. Molti dei dipinti realizzati in questa prima metà della sua carriera non mi sembrano affatto dipinti—sembrano lotte: lotte con lo spazio; lotte con la luce; lotte con la materialità; lotte con ciò che i polinesiani chiamano mana: l’energia che si raccoglie in tutte le cose.

Charlotte Park - Pereshia, 1976. Acrilico su tela. 45,7 x 45,7 cm. © Berry Campbell Gallery

Park infuse energia nei suoi dipinti. Trasferì qualcosa di animato da sé, o di sé, in una cosa inanimata, un quadro. Tuttavia, quella lotta terminò bruscamente intorno alla metà degli anni ’70, quando Park intraprese una deviazione estetica inaspettata—quella di Piet Mondrian e dell’eredità del Neoplasticismo. Dipinti come “Gerardia” (1975), “Elleboro” (1975-77) e “Pereshia” (1976-78) riprendono proprio dove la tavolozza semplificata e la struttura a griglia neoplastica di Mondrian si erano fermate. Solo che Park lo fa tutto a mano libera, e con una mente libera. La sua fase di pittura a griglia neoplastica fu breve, ma l’idea della griglia rimase presente nel suo lavoro per il resto della carriera. È come se, invece di lottare con i limiti della cornice e l’antiliberalismo della struttura compositiva, Park avesse inaspettatamente trovato una libertà segreta nell’abbracciare tali parametri. I suoi dipinti sono sempre stati sicuri, ma la comparsa tardiva della griglia li rese quieti e immobili. Personalmente, tra tutta la sua opera, queste opere pacifiche sono quelle con cui mi sento meno in sintonia, ma scommetto che la mia opinione non sarebbe valsa nulla per Park, poiché era un’artista rara che dipingeva principalmente per sé stessa.

Immagine in evidenza: Charlotte Park - Senza titolo, 1960. Olio su tela. 86,4 x 86,4 cm. © Berry Campbell Gallery
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio