Charlotte Park, un'artista astratta da conoscere

Trovo elementi familiari nel lavoro di Charlotte Park. Vedo nelle sue opere un'ansia e una ricerca quasi illimitate, sostituite in certi momenti da una quiete o immobilità, ma sempre con fiducia. Park non è un'artista particolarmente conosciuta oggi, anche se i suoi più stretti collaboratori sono tra i più famosi artisti del secolo scorso. Era sposata con James Brooks, il cui lavoro si trova nella Tate, nel MoMA e nello Smithsonian, tra le altre collezioni istituzionali. Park e Brooks vivevano accanto a Jackson Pollock e Lee Krasner a New York City. Quando Pollock e Krasner si trasferirono nei Hamptons, Park e Brooks presero in affitto il loro appartamento, per poi seguirli a Long Island. Nonostante fosse socialmente circondata da dozzine di altri pittori talentuosi, Park sviluppò una voce visiva singolare che per me è immediatamente riconoscibile. Forse è relativamente sconosciuta oggi rispetto ai suoi contemporanei perché erano tutti allegramente associati all'Espressionismo Astratto. Anche se molti scrittori e galleristi d'arte contemporanea hanno fatto tentativi espliciti di "ri-scoprire" Park e di forzare il suo lavoro in quel medesimo contesto storico, non sento alcuna inclinazione a scrivere di Park come parte di quel movimento, o tendenza, o fenomeno, o qualunque cosa fosse o sia. Park mi sembra aver intrapreso un viaggio artistico personale, uno che ha seguito un'evoluzione unica. A differenza di tanti suoi coetanei, che hanno raggiunto il successo critico e poi si sono fossilizzati, Park ha raggiunto il suo apice tardi nella sua carriera, come un saggio che finalmente arriva in cima a una montagna, vedendo tutto, infine, nella cosa più piccola. Mentre l'Espressionismo Astratto mi sembra sempre riguardare una sorta di "me-ness", Park ha creato un corpo di lavoro che sembra più riguardare l'"all-ness". I suoi dipinti non solo mappano la sua individualità, ma anche la sua umanità—la sua evoluzione da cercatrice a pace interiore.

Una figura in isolamento

Nata a Concord, nel Massachusetts, nel 1918, Park conseguì la sua laurea in arte a Yale nel 1939. Lavorò per l'Ufficio dei Servizi Strategici (OSS), che in seguito divenne la CIA, durante la Seconda Guerra Mondiale, poi si trasferì a New York con Brooks dopo la guerra. Nella Manhattan del dopoguerra, lei e Brooks si trovarono nel mezzo di una delle avanguardie artistiche più vibranti del mondo. Eppure, l'unico aspetto di quella scena che sembra aver permeato il lavoro di Park in quel periodo è il focus sull'astrazione. I suoi dipinti tradiscono poco interesse per le principali preoccupazioni dei suoi contemporanei, come il subconscio, il disegno automatico, il trascendentalismo o la creazione di miti. Park non sembra aver visto se stessa, come fece Pollock, come incarnazione della natura. Dipinse invece come un'artista interessata a porre domande fondamentali su cosa sia la pittura e se sia davvero adatta a esprimere la totalità dell'esperienza umana.

Charlotte Park - Il Sole, 1950. Olio su carta montata su tela. 18 x 24 in. (45.7 x 61 cm). © Berry Campbell Gallery

I dipinti precoci come “Masque” (1950), “The Sun” (1950) e “Departure” (1955) suggeriscono qualcuno che sembra cercare di dipingere folle—forme biomorfiche intrappolate in un gioco di spinta e tirata. Le forme stesse in questi dipinti non sono realmente il soggetto. È piuttosto la relazione tra di esse e il loro ambiente che sembra importante. In una serie estesa di dipinti per lo più neri che ha iniziato a realizzare negli anni '50, Park sembrava cercare di strappare realtà plastiche per scoprire qualcosa dietro la superficie. Rabbia e frustrazione sembrano essere incapsulate in queste esplosioni visive grezze. Emozione, allegoria e metafora stanno cercando di esprimersi, ma i dipinti sembrano quasi inadeguati a portare i loro messaggi. L'unica dichiarazione che questi dipinti riescono a fare ripetutamente è che chiunque li abbia dipinti si sente solo.

Charlotte Park - Senza titolo, 1985. Acrilico su carta. 28,6 x 28,6 cm. © James Brooks e Charlotte Park Foundation. Cortesia Berry Campbell Gallery

Trovare la griglia

Alcuni scrittori resistono alla chiamata di raccontare storie, per quanto strano possa sembrare. Vogliono semplicemente scrivere, senza struttura, senza aspettative. La storia può essere una gabbia che priva lo scrittore di molte libertà creative. Alcuni pittori provano la stessa cosa riguardo alla griglia. Dover creare cosiddette composizioni che aderiscono a formati visivi esistenti è una fonte di vera frustrazione per un artista che vuole solo dipingere. L'ansia presente nel suo lavoro per gran parte della sua carriera suggerisce che Park fosse intimamente familiare con questa lotta. Negli anni '50 e '60, e all'inizio degli anni '70, il suo lavoro si scaglia contro i confini della cornice, eludendo l'influenza della griglia, rifiutando le nozioni tradizionali di armonia e equilibrio, e ignorando le nozioni della strategia compositiva "all over" abbracciata da molti dei suoi contemporanei. Molti dei dipinti che ha realizzato in questa prima metà della sua carriera non mi sembrano affatto dipinti: sembrano lotte: lotte con lo spazio; lotte con la luce; lotte con la materialità; lotte con ciò che i polinesiani chiamano mana: l'energia che si raccoglie in tutte le cose.

Charlotte Park - Pereshia, 1976. Acrilico su tela. 18 x 18 in. (45.7 x 45.7 cm). © Berry Campbell Gallery

Park metteva energia nelle sue opere. Trasferiva qualcosa di animato da se stessa, o di se stessa, in una cosa inanimata, un quadro. Tuttavia, quella lotta giunse a un brusco termine, intorno alla metà degli anni '70, quando Park intraprese un'improvvisa deviazione estetica—quella di Piet Mondrian e dell'eredità del Neo-Plasticismo. Opere come “Gerardia” (1975), “Hellebore” (1975-77) e “Pereshia” (1976-78) riprendono esattamente da dove il semplificato palette di colori Neo-Plastico e la struttura a griglia di Mondrian si erano fermati. A differenza di Mondrian, Park lo fa tutto a mano libera, e con una mente libera. La sua fase di pittura a griglia Neo-Plastica fu di breve durata, ma l'idea della griglia rimase presente nel suo lavoro per il resto della sua carriera. È come se, piuttosto che lottare con le limitazioni della cornice e l'anti-liberalismo della struttura compositiva, Park avesse inaspettatamente trovato una segreta libertà nell'abbracciare tali parametri. I suoi dipinti sono sempre stati sicuri, ma la tardiva apparizione della griglia in essi li rese silenziosi e fermi. Personalmente, mi sento meno in sintonia con questi dipinti pacifici rispetto al resto della sua opera, ma scommetto che la mia opinione non significherebbe nulla per Park, poiché era un'artista rara che dipingeva principalmente per se stessa.

Immagine in evidenza: Charlotte Park - Senza titolo, 1960. Olio su tela. 34 x 34 in. (86,4 x 86,4 cm). © Berry Campbell Gallery
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park