Vendita di Hard Edge Painting? Non cercare oltre!

Le forme sono finite, piatte, bordate da un duro bordo pulito, come ha notoriamente spiegato Jules Langsner, un critico d'arte e curatore, la tendenza emergente di forme semplificate, spesso geometriche, con contorni affilati come rasoi e campi monocromatici di colore dai bordi netti. Organizzando una mostra al Museo d'Arte della Contea di Los Angeles nel 1959 e presentando artisti come Frederick Hammersley, Karl Benjamin, John McLaughlin e Lorser Feitelson - soprannominati Astrattisti Classici - ha dato origine alla prominenza di questo stile californiano distintivo di linee pulite e colori intensi e contrastanti. L'appeal delle composizioni precise, lucide e pulite continua fino ai giorni nostri, e noi di IdeelArt possiamo aiutarti a trovare il tuo dipinto hard edge in vendita. Emergendo in netto contrasto con un lavoro eccessivamente affettivo e gestuale degli Espressionisti Astratti, i pittori hard edge hanno ampliato le preoccupazioni e le occupazioni dell'arte geometrica e costruttivista iniziale, ma divergevano e si snodavano stilisticamente. Le opere di Ellsworth Kelly, Leon Polk Smith e Myron Stout enfatizzavano la semplicità della forma e la chiarezza del colore, sostenendo un olistico di composizione unica e unitaria senza effetto figura/sfondo. In contrasto con il linguaggio purificato di Kelly di forme precisamente delineate, si erge la tecnica soak-stain di Kenneth Noland che spesso rendeva i suoi bordi netti troppo sfocati, o il minimalismo austero e autoreferenziale di Frank Stella che enfatizzava la piattezza del piano dell'immagine e i suoi confini. Abbiamo selezionato con la massima attenzione nove opere d'arte che catturano l'unicità dei dipinti hard edge - trova il tuo preferito e aggiungilo alla tua collezione!

Audrey Barcio - Senza titolo #3

"Untitled #3" esemplifica l'eredità del Suprematismo, dell'Astrattismo Geometrico e del Minimalismo mentre Barcio trasforma abilmente il nulla e il vuoto in forma concreta. Tuttavia, il suo lavoro estende quella linea storica - la sua composizione premeditata e una tela grezza con un motivo grigio e bianco si modifica mentre si sottomette ai suoi istinti visivi e alla sua intuizione (in)conscia. Riempie il vuoto di Photoshop con campi contrastanti di nero e rosso che costruiscono la concretezza della composizione ed espongono il suo significato senza definirlo. Barcio è un'artista astratta americana che esamina e costruisce sull'eredità del Modernismo e sulla sua intersezione con gli strumenti dell'Era Industriale Virtuale. Vive e lavora a Chicago.

Audrey Barcio - Senza titolo #3, 2017. Acrilico, flash e mica su tela. 152,4 x 127 x 3,81 cm.

Macyn Bolt - Tightrope

In Tightrope Bolt evidenzia una tensione scomoda creata dal contrasto primo piano/sfondo, centro/bordo e dentro/fuori. Questo contrasto è incarnato in forme multiformi che creano un enigma visivo. L'enigma stesso non deve essere risolto, ma fornire una carità di interpretazioni e sfide percettive distinte. Il suo vocabolario geometrico derivante da schemi architettonici stabilisce un quadro semantico per la comprensione del suo lavoro. Bolt è un pittore astratto americano che utilizza un linguaggio visivo informato dall'astrazione geometrica. Vive e lavora a Brooklyn, NY, e nella Pennsylvania settentrionale.

Macyn Bolt - Tightrope, 2017. Acrilico su tela. 96,9 x 122 cm.

Daniel Göttin - Senza titolo 1, 2014

Parte di sei opere pittoriche simili in MDF dipinto ad acrilico della stessa dimensione, Untitled 1, 2014 incarna la forma più minimalista di due colori che dividono il dipinto in due forme geometriche separate. Irradia chiarezza e riflessione che si basa sulla strategia iterativa e ripetitiva di Göttin che risponde alle condizioni mutevoli. Ispirato all'Arte Minimal, all'Arte Concreta e all'Arte Concettuale, esplora con grande flair la soggettività della percezione. Göttin è un artista svizzero il cui lavoro è diviso tra opere site-specific e oggetti colorati o dipinti per pareti. Vive e lavora a Basilea.

Daniel Göttin - Senza titolo 1, 2014, 2014. Acrilico su MDF. 120 x 120 cm.

Clay Johnson - Senza titolo 560

Questo pezzo in acrilico su carta dimostra il duraturo impegno di Johnson verso il processo, poiché consente alle sue opere di emergere attraverso una serie di risposte senza restrizioni. Tira bande orizzontali di colore sulla superficie, lasciando che la sua scelta iniziale di colore guidi la composizione in avanti. Man mano che si accumulano più strati di vernice, Johnson leviga attraverso questi strati suggerendo ciò che si trova sotto. Untitled 560 rivela il risultato della sua reazione viscerale - la superficie luminosa e lucida con combinazioni di colori complesse. Johnson è un pittore astratto americano le cui composizioni riduttiviste esplorano le relazioni tra colore, forma e texture. Vive e lavora a Laramie, Wyoming.

Clay Johnson - Senza titolo 560, 2016. Acrilico su carta. 55,88 x 55,88 cm.

Holly Miller - Wish 3

Parte della serie Wish, Wish 3 suggerisce in modo auto-referenziale l'orizzonte interpretativo di quest'opera d'arte - le sue forme ritagliate e arrotondate con linee che le attraversano trasmettono allo stesso tempo bellezza e dolore. Miller è celebrata per il suo uso di linee filate che sottolineano la barriera fisica e interrompono le forme, impedendo loro di connettersi. Inoltre, è affascinata dalla persuasività interpretativa di un medium che, nella sua semplicità e modestia, fonde disegno, pittura e scultura. Miller è un'artista astratta che si sforza di unire l'ottico con il tattile attraverso il linguaggio dell'astrazione. Vive e lavora a New York.

Holly Miller - Wish 3, 2010. Acrilico e filo su tela. 56 x 56 cm.

Ulla Pedersen - Cut-Up Canvas I.5

Questo vibrante pezzo acrilico rivela l'approccio distintivo di Pedersen, riconoscibile per i suoi colori ridotti e il minimalismo compositivo con forme dai contorni netti su campi di colore uniforme. L'intensità della tensione creata dall'interazione del suo abile uso di colori, motivi e forme si amplifica fino al punto di completa implosione e trasformazione in una totale armonia. Cut-Up Canvas I.5 trasmette la persuasività degli elementi estetici formali e delle relazioni che emergono ed evolvono quando elementi come colore, forma, figura e motivo vengono mescolati, spostati e sovrapposti. Pedersen è un'artista astratta danese. Il suo lavoro è un'esplorazione minimale e concreta del colore, della materialità, della forma e dell'equilibrio. Vive e lavora nella Regione Capitale della Danimarca.

Ulla Pedersen - Cut-Up Canvas I.5, 2017. Acrilico su tela. 60 x 60 cm.

Richard Caldicott - Senza titolo (15), 2013

Ampiamente celebrato per la sua serie dedicata al Tupperware, Caldicott sfida i codici fotografici di rappresentazione mentre impiega metodi fotografici tradizionali per creare opere astratte ipnotiche con una palette vibrante e colorata. Untitled (15), 2013 riflette il suo approccio minimalista che bilancia tra trasparenza e saturazione mentre i colori scintillanti emanano vivacità e intensità di energia luminosa e attraente. Inoltre, la radianza pellucida attrae lo spettatore nella sua matrice auto-allusiva e esternamente referenziale. Caldicott è un artista inglese che esplora la fotografia astratta e crea composizioni astratte su carta. Vive e lavora a Londra.

Richard Caldicott - Senza titolo (15), 2013, 2013. Stampa C. 50,8 x 61 cm.

Laura Newman - Stanza

La stanza esemplifica l'uso da parte di Newman di un vocabolario di forme geometriche e colori macchiati spesso associati all'esplorazione modernista della superficie di un dipinto che crea un'esperienza di vedere e rappresentare lo spazio. Essa instiga il dialogo tra la superficie piatta del piano dell'immagine e l'illusione di un mondo spaziale che può evocare. Macchie di vernice acrilica traslucida interagiscono con una linea meccanica netta e una sequenza di forme colorate dai bordi netti si riconciliano in un angolo che conduce a uno specchio schematico. Newman è un'artista astratta americana che crea dipinti vivaci e dinamici. Attualmente vive e lavora a Brooklyn, New York.

Laura Newman - Stanza, 2013. Olio e acrilico su tela. 142 x 152 cm.

Kyong Lee - Paradiso 11

Il Paradiso 11 intreccia sottilmente i regni sempre opposti dell'emozionale e del fisico, sottolineando il colore come Lee’s linguaggio visivo principale. Crea dipinti a colori graduali, dove ogni strato viene applicato e asciuga in un tempo fisso, costruendo così le relazioni tra i colori e il temporale. Per Lee, ogni colore riflette le moltitudini della vita emotiva e il tempo le consente di esprimere le sue esperienze emotive mentre si evolvono temporalmente. Lee è un'artista astratta coreana il cui lavoro riconcilia le realtà fisiche ed emotive attraverso un'esplorazione multidisciplinare del colore, del materiale, del processo e della forma. Vive e lavora a Seoul, Corea.

Kyong Lee - Paradiso 11, 2006. Acrilico su tela. 112 x 162 cm.

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Immagine in evidenza: Laura Newman - Room, 2013, vista dell'installazione.
Di Jovana Vuković