Trovare intuizioni contemporanee nell'arte di Leon Polk Smith

Negli anni '40, l'artista americano Leon Polk Smith ha pionierato un linguaggio visivo astratto unico che ha aggiunto proprietà curvilinee ai piani appiattiti e alla geometria semplificata del Neoplasticismo. Una delle prime ispirazioni per Smith è stato il pittore olandese Piet Mondrian, le cui maestose esplorazioni rettangolari di colore e spazio erano considerate da molti come la fine di una linea di pensiero, ma che hanno fatto sorgere in Smith la domanda su cosa ci fosse dopo. Inaspettatamente, Smith ha trovato una via da seguire nelle pagine di un catalogo sportivo che è arrivato per caso nella sua cassetta della posta. Si è trovato affascinato dalle immagini di palloni da football, baseball e basket, ammirando sia le loro forme curve che le cuciture curve sulle loro superfici. "Certamente non sarei andato a cercarlo in un catalogo sportivo, ma è lì che l'ho trovato," ha detto Smith all'artista e critico Addison Parks nel 1982. "Certo, le forme e le linee erano molto limitate... ma poi questo ha creato uno spazio che non avevo mai visto nella pittura prima. Era piatto e allo stesso tempo curvo. I piani sembravano muoversi in ogni direzione, come fa lo spazio." Quella semplice, ma profonda realizzazione è stata recentemente in piena vista nella mostra Leon Polk Smith: Endless Space, presso il Richard Gray Warehouse di Chicago. Presentando una dozzina e mezza di dipinti e disegni degli anni '60 e '70, la mostra si leggeva come un manifesto visivo di quel momento di scoperta. Opere come "Untitled No. 7613" (1976) parlavano più direttamente di questo rispetto ad altre; mentre altre, come le forme complementari verde e nera in stile yin-yang di "Untitled" (1967), espandevano l'intuizione in un territorio mistico. La diligenza e l'eleganza con cui Smith ha sviluppato la sua rivelazione sono ammirevoli, e considerando quanto presto stesse lavorando con queste idee è facile vedere come abbia contribuito a gettare le basi per tutto, dall'Op Art al Minimalismo fino all'Astrazione Hard Edge. Eppure, non posso fare a meno di sentire che c'è anche qualcosa di più nel suo lavoro oltre ai colori e alle forme.

La ricerca di significato di uno spettatore

Ciò che cattura maggiormente la mia immaginazione riguardo a Smith è il modo in cui unisce più dipinti per creare composizioni più grandi. Smith chiamava i suoi array di tele sagomate “Costellazioni”. Alcuni, come “Costellazione Straight Out” (1974), consistono in forme impilate ordinatamente con una linea dell'orizzonte ripetitiva, implicando la continuazione degli elementi nello spazio. Altri, come “Costellazione - Orizzonte Perduto” (1968), si collegano in modo irregolare, apparendo meno come qualcosa di metodico e più come viste ritagliate di un'immagine più grande, come pezzi di un puzzle visivo. Adoro il termine Costellazioni per questi dipinti perché evoca perfettamente la mia stessa tendenza umana verso il misticismo speculativo. Come un osservatore di stelle che cerca il proprio destino nello zodiaco, non posso fare a meno di scandagliare queste Costellazioni dipinte alla ricerca di significati nascosti.

Leon Polk Smith - Costellazione Via Lattea, 1970. Acrilico su tela. 80 x 120 in. (203 x 305 cm) complessivamente. La National Gallery of Art, Washington, D.C. © 2019 Leon Polk Smith Foundation

In "Riflessioni-Rosso-Nero" (1968) percepisco mitologie in competizione, dalla leggenda di Narciso—l'egoismo implicito delle forme riflesse—alla sensualità congiunta ed empatica del Kama Sutra. Le proliferanti forme dure e concrete di "Costellazione-Rosso-Blu" (1970), nel frattempo, evocano ampie nozioni umanistiche come unità, espansione, connettività e desiderio. Allo stesso tempo in cui desidero ardentemente aprirmi alla potenziale esistenza di significati più profondi in quest'opera, tuttavia, mi chiedo anche se infondere le scelte formali riflesse in quest'arte di importanza metafisica sia intrinsecamente pretenzioso; una forma di colonizzazione critica. Di solito, i critici d'arte e gli storici incoraggiano gli spettatori contemporanei a non assegnare significati e narrazioni alle opere d'arte storiche che potrebbero essere incoerenti con l'intento dell'artista, ma piuttosto a guardare il lavoro degli artisti defunti attraverso la lente delle circostanze in cui è stato creato.

Leon Polk Smith - senza titolo, 1979. Gouache su carta. 41½ x 27 in. (105.4 x 68.6 cm). © 2019 Leon Polk Smith Foundation

Il Diritto di Rivalutare

Secondo Patterson Sims, Presidente della Leon Polk Smith Foundation, abbiamo il diritto, e forse la responsabilità, di guardare la storia dell'arte da una prospettiva contemporanea e di dotare l'arte legata all'eredità di qualsiasi contenuto percepiamo sinceramente. "Penso che tu sia completamente legittimato a fare ciò che stai facendo," mi ha detto Sims. "La storia dell'arte è il prodotto di generazioni successive che riescono a trovare cose in un'opera che una generazione precedente non era in grado di vedere." Anche se alcuni artisti e fondazioni potrebbero dissentire. Ad esempio, Donald Judd ha famosamente anticipato i critici facendo le proprie affermazioni dichiarative su cosa fosse e cosa non fosse il suo lavoro, e la Judd Foundation continua a proteggere con zelo quella narrativa. Tuttavia, Sims mi ha assicurato che non tutti credono che il controllo autoritario sia il modo migliore per contestualizzare il dispiegamento della cultura umana. "Una persona potrebbe essere completamente impegnata in un punto di vista, ma questo finisce per paralizzare il tipo di coinvolgimento che le persone potrebbero avere con quell'opera," ha detto Sims. "Penso che la storia dell'arte e il processo di curatela riguardino una costante rivalutazione e ripensamento delle cose, e a volte diventa molto personale."

Leon Polk Smith - Blu, Rosso, Giallo con Mezzelune Nere, 1968. Acrilico su tela. 3 elementi, ciascuno 31 x 56 in (79 x 142 cm). © 2019 Leon Polk Smith Foundation

Becky Daniel, Coordinatrice delle Esposizioni e delle Comunicazioni per la Richard Gray Gallery, offre un altro motivo per cui dovremmo sentirci liberi di rivalutare Smith da una prospettiva contemporanea. Secondo Daniel, Smith fornì istruzioni di installazione alternative per molte delle sue Costellazioni, permettendo ai curatori di assemblare i pezzi del puzzle in modi nuovi. Questo dettaglio implica che Smith sperava che le persone non avessero paura di prendersi delle libertà con il suo lavoro—come Sol LeWitt che lasciava spazio nelle sue istruzioni per i disegni murali affinché gli artisti che li eseguivano potessero prendere alcune decisioni estetiche da soli. Considera che quando Smith si trasferì a New York negli anni '30, la sua omosessualità lo rese un fuorilegge, eppure confondeva coloro che avrebbero voluto emarginarlo, raggiungendo infine un ampio riconoscimento in mostre storiche come The Responsive Eye. Eppure, si umiliava contemporaneamente, evitando promozioni iperboliche, dicendo: “Mi sono reso conto molto rapidamente che ero sempre stato un artista... Che l'avrei sempre tenuto per me, che non l'avrei mai prostituito, né avrei fatto nulla con esso solo per soldi.” Che lo intendesse o meno, percepisco che Smith ha infuso il suo lavoro con qualcosa di simile a un codice chiave simbolico per i malcontenti contemporanei come me—un'eredità ricca di ottimismo e umanità, espressa attraverso relazioni giocose tra colore e forma.

Immagine in evidenza: Leon Polk Smith - Correspondence Black - White, 1968. Olio su tela. 86 x 120 in. (218,4 x 304,8 cm). © 2019 Leon Polk Smith Foundation
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park