Trovare intuizioni contemporanee nell'arte di Leon Polk Smith

Negli anni Quaranta, l'artista americano Leon Polk Smith fu pioniere di un linguaggio visivo astratto unico che aggiungeva proprietà curvilinee ai piani appiattiti e alla geometria semplificata del Neoplasticismo. Una prima ispirazione per Smith fu il pittore olandese Piet Mondrian, le cui magistrali esplorazioni rettangolari di colore e spazio erano considerate da molti la fine di un filone di pensiero, ma che spinsero Smith a chiedersi cosa sarebbe venuto dopo. Inaspettatamente, Smith trovò una via d’uscita nelle pagine di un catalogo sportivo che arrivò per caso nella sua cassetta postale. Rimase affascinato dalle immagini di palloni da football, baseball e basket, ammirando sia le loro forme curve sia le cuciture curve sulle loro superfici. “Sicuramente non sarei andato a cercare in un catalogo sportivo, ma è lì che l’ho trovato,” disse Smith all’artista e critico Addison Parks nel 1982. “Certo, le forme e le linee erano molto limitate... ma questo creava uno spazio che non avevo mai visto prima nella pittura. Era piatto e allo stesso tempo curvo. I piani sembravano muoversi in ogni direzione, come fa lo spazio.” Questa semplice, ma profonda realizzazione è stata recentemente messa in mostra nella mostra Leon Polk Smith: Endless Space, al Richard Gray Warehouse di Chicago. Con una dozzina e mezza di dipinti e disegni degli anni Sessanta e Settanta, la mostra si leggeva come un manifesto visivo di quel momento di scoperta. Opere come “Untitled No. 7613” (1976) ne parlavano più direttamente; mentre altre, come le forme complementari verde e nero in stile yin-yang di “Untitled” (1967), ampliavano l’intuizione in territori mistici. La diligenza e l’eleganza con cui Smith sviluppò la sua rivelazione sono ammirevoli, e considerando quanto presto lavorò su queste idee è facile vedere come abbia contribuito a gettare le basi per tutto, dall’Op Art al Minimalismo fino all’Astrazione a Bordo Duro. Tuttavia, non posso fare a meno di sentire che nella sua opera ci sia qualcosa di più oltre ai colori e alle forme.

La ricerca di significato da parte dello spettatore

Ciò che cattura maggiormente la mia immaginazione in Smith è il modo in cui unisce più dipinti per creare composizioni più ampie. Smith chiamava i suoi insiemi di tele sagomate “Costellazioni.” Alcune, come “Constellation Straight Out” (1974), sono composte da forme ordinatamente impilate con una linea d’orizzonte ripetuta, che implica la continuazione degli elementi nello spazio. Altre, come “Constellation - Lost Horizon” (1968), si collegano in modo irregolare, apparendo meno come qualcosa di metodico e più come vedute ritagliate di un quadro più grande, come pezzi di un puzzle visivo. Amo il termine Costellazioni per questi dipinti perché evoca perfettamente la mia tendenza umana verso il misticismo speculativo. Come un osservatore di stelle che cerca il proprio destino nello zodiaco, non posso fare a meno di scrutare queste Costellazioni dipinte alla ricerca di un significato nascosto.

Leon Polk Smith - Costellazione Via Lattea, 1970. Acrilico su tela. 203 x 305 cm complessivi. National Gallery of Art, Washington, D.C. © 2019 Leon Polk Smith Foundation

In “Reflections-Red-Black” (1968) percepisco mitologie in competizione, dalla leggenda di Narciso—l’egoismo implicito delle forme riflesse—alla sensualità empatica congiunta del Kama Sutra. Le forme a bordi netti e concrete di “Constellation-Red-Blue” (1970), nel frattempo, evocano ampie nozioni umanistiche come unità, espansione, connessione e desiderio. Allo stesso tempo, mentre desidero fortemente aprirmi alla possibile esistenza di significati più profondi in quest’opera, mi chiedo anche se attribuire un’importanza metafisica alle scelte formali riflesse in quest’arte non sia intrinsecamente presuntuoso; una forma di colonizzazione critica. Di solito, critici d’arte e storici incoraggiano gli spettatori contemporanei a non assegnare significati e narrazioni ad opere storiche che potrebbero essere incoerenti con l’intento dell’artista, ma piuttosto a guardare le opere di artisti defunti attraverso la lente delle circostanze in cui furono create.

Leon Polk Smith - senza titolo, 1979. Gouache su carta. 105,4 x 68,6 cm. © 2019 Leon Polk Smith Foundation

Il diritto di rivalutare

Secondo Patterson Sims, presidente della Leon Polk Smith Foundation, abbiamo il diritto, e forse la responsabilità, di guardare alla storia dell’arte da una prospettiva contemporanea e di attribuire all’arte del passato qualunque contenuto percepiamo sinceramente. “Penso che tu abbia pieno diritto a fare ciò che stai facendo,” mi ha detto Sims. “La storia dell’arte è il prodotto delle generazioni successive che riescono a trovare cose in un’opera che una generazione precedente non era in grado di vedere.” Anche se alcuni artisti e fondazioni potrebbero non essere d’accordo. Per esempio, Donald Judd anticipò famosamente i critici facendo proprie dichiarazioni definitive su cosa fosse e cosa non fosse la sua opera, e la Judd Foundation continua a proteggere gelosamente quella narrazione. Tuttavia, Sims mi ha assicurato che non tutti credono che il controllo autoritario sia il modo migliore per contestualizzare lo sviluppo della cultura umana. “Una persona può essere completamente legata a un punto di vista, ma questo finisce per limitare il tipo di coinvolgimento che le persone possono avere con quell’opera,” ha detto Sims. “Penso che la storia dell’arte e il processo di curatela siano una continua rivalutazione e ripensamento delle cose, e a volte diventa molto personale.”

Leon Polk Smith - Blu, Rosso, Giallo con Crescendi Neri, 1968. Acrilico su tela. 3 elementi, ciascuno 79 x 142 cm. © 2019 Leon Polk Smith Foundation

Becky Daniel, coordinatrice mostre e comunicazioni per la Richard Gray Gallery, offre un altro motivo per cui dovremmo sentirci liberi di rivalutare Smith da una prospettiva contemporanea. Secondo Daniel, Smith fornì istruzioni alternative per l’installazione di molte delle sue Costellazioni, permettendo ai curatori di assemblare i pezzi del puzzle in modi nuovi. Questo dettaglio implica che Smith sperava che le persone non avessero paura di prendere libertà con la sua opera—come Sol LeWitt lasciava spazio nelle sue istruzioni per i disegni murali affinché gli artisti che li eseguivano potessero prendere alcune decisioni estetiche proprie. Considera che quando Smith si trasferì a New York negli anni Trenta la sua omosessualità lo rendeva un fuorilegge, eppure confondeva chi voleva emarginarlo, ottenendo infine ampio riconoscimento in mostre storiche come The Responsive Eye. Eppure, allo stesso tempo si umiliava, evitando promozioni esagerate, dicendo: “Mi sono reso conto molto presto che sono sempre stato un artista... che l’avrei sempre tenuto per me, che non l’avrei mai prostituito, o fatto nulla solo per soldi.” Volente o nolente, percepisco che Smith abbia infuso la sua opera con qualcosa come un codice chiave simbolico per i malcontenti contemporanei come me—un’eredità ricca di ottimismo e umanità, espressa attraverso relazioni giocose tra colore e forma.

Immagine in evidenza: Leon Polk Smith - Corrispondenza Nero - Bianco, 1968. Olio su tela. 218,4 x 304,8 cm. © 2019 Leon Polk Smith Foundation
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio