Ricordando Emilio Vedova, un leader dell'Arte Informale

Questo inverno a Milano, Italia, il Palazzo Reale ospiterà una mostra in occasione del centenario della nascita del pittore astratto italiano Emilio Vedova, scomparso nel 2006. Nato a Venezia nel 1919, Vedova raggiunse la fama nei decenni successivi alla Seconda Guerra Mondiale grazie ai suoi molteplici contributi all’avanguardia italiana del XX secolo. In vari momenti, Vedova fu membro di diversi collettivi artistici influenti, tra cui Corrente — un movimento dedicato all’apertura e all’antifascismo durante la Guerra Civile Spagnola — e il Fronte Nuovo delle Arti, fondato dopo la guerra per promuovere l’adozione degli ultimi sviluppi del Modernismo europeo. Nel 1946, Vedova firmò il Manifesto del Realismo per Scultori e Pittori, noto anche come “Oltre Guernica.” Il manifesto celebrava la posizione figurativa e pacifista che Picasso aveva espresso nel suo dipinto Guernica del 1937 e definiva la pittura e la scultura come atti di “partecipazione alla realtà totale dell’umanità.” Inoltre affermava che la “funzione positiva dell’individualismo” era “esausta.” Come altri firmatari di questo manifesto, Vedova era stato membro del Movimento di Resistenza italiano che si oppose alla Germania nazista e alla Repubblica Sociale Italiana fascista durante la guerra. In termini pratici, il loro manifesto post-Guernica significava che credevano che l’arte realistica e figurativa fosse il modo migliore per affrontare i mali politici e sociali della loro società. Tuttavia, col passare degli anni, Vedova, autodidatta, cambiò idea, rifugiandosi sempre più nella propria immaginazione. Arrivò infine a credere che l’unico modo per far progredire davvero l’arte italiana fosse attraverso un’arte astratta idiosincratica e individualizzata. Nel 1952, Vedova abbandonò tutte le sue precedenti associazioni e si unì invece a quello che sarebbe diventato noto come il Gruppo degli Otto, che comprendeva anche Afro Basaldella, Renato Birolli, Antonio Corpora, Mattia Moreni, Ennio Morlotti, Giuseppe Santomaso e Giulio Turcato. Sebbene esistesse solo per due anni, questo gruppo si rivelò davvero trasformativo per Vedova, perché quando espose insieme alla Biennale di Venezia del 1952 venne considerato l’inizio del movimento di arte astratta noto come Arte Informale.

Un Risveglio Globale

L’Arte Informale è spesso definita l’equivalente italiano dell’Espressionismo Astratto. Tuttavia, questa è una spiegazione un po’ superficiale e riduttiva che ignora le differenze sottili tra le due posizioni. Inoltre evita di riconoscere che entrambe facevano parte di un risveglio artistico globale molto più ampio. Insieme al Tachismo, all’Art Autre, all’Art Brut, al lavoro del Gruppo Gutai, al Nuovo Realismo e a diverse altre manifestazioni internazionali del fenomeno, l’Espressionismo Astratto e l’Arte Informale furono semplicemente tentativi da parte degli artisti del dopoguerra di liberarsi dai limiti storici inventando metodi astratti personali per creare arte. Il motivo principale per cui l’Arte Informale viene spesso paragonata all’Espressionismo Astratto è che alcuni pittori associati a entrambe le posizioni adottarono uno stile visivo simile, definito da segni di pennello energici e gestuali su tele di grande formato. Jackson Pollock e Franz Kline sono esempi principali di espressionisti astratti che usarono queste tecniche, e Emilio Vedova è un esempio principale di artista dell’Arte Informale che fece lo stesso.

Emilio Vedova - Spagna di Franco, 1962. Inchiostro su carta. 31,6 x 44,0 cm. Fondo Fondazione L-B. Collezione MoMA. © 2019 The Museum of Modern Art

È interessante notare che Vedova frequentava un ambiente sociale con Jackson Pollock e Franz Kline. Vedova strinse amicizia con una delle loro principali sostenitrici, Peggy Guggenheim, quando lei visitò Venezia nel 1946; la influente collezionista acquistò diverse opere di Vedova e lo aiutò persino a esporre negli Stati Uniti. Ma per essere giusti sia con Vedova che con gli Espressionisti Astratti, il loro lavoro non è affatto lo stesso. Gli Espressionisti Astratti si consideravano essenzialmente americani e cercavano di scrollarsi di dosso l’eredità europea per esprimere qualcosa di unico per la loro cultura. Al contrario, Vedova si percepiva come cittadino del mondo. Durante una lunga visita in Brasile nel 1954, rimase affascinato dai modi in cui la natura esercitava il suo potere in quel luogo. Descrisse di essere stato trasformato dalla “tutta nuova geografia… Città che inghiottono gli uomini… Natura come melodramma, uragani come il Giudizio Universale.” In seguito parlò delle sue opere usando lo stesso tipo di linguaggio, descrivendole non come dipinti, ma come “terremoti.”

Emilio Vedova - Tensione, N 4 V, 1959. Olio su tela. 145,5 x 196 cm, incorniciato. Firmato, datato e intitolato sul retro. Galleria Blu, Milano (timbro sul retro) / Collezione privata europea. © 2019 Dorotheum GmbH & Co KG

Ridefinire lo Spazio

Un’altra caratteristica che rese Vedova distintivo fu il modo in cui inseriva le sue opere negli spazi espositivi. Oltre alle sue tele di grande formato, che venivano appese in modi inaspettati, a volte appendeva enormi sciami di piccoli dipinti su una parete insieme, strettamente compatti come manifesti attaccati a un muro urbano. Realizzò anche tele giganti, circolari, talvolta unendo i cerchi perpendicolarmente sul pavimento. Nel 1961 creò i suoi primi “Plurimi,” o Multipli, un tipo di assemblaggio autoportante di superfici dipinte. Nel 1964 espose quello che è considerato il suo capolavoro dei Plurimi a documenta III a Kassel, Germania — Absurdes Berliner Tagebuch ´64 (Diario Assurdo di Berlino '64). L’opera somigliava a un villaggio di rifugiati fatiscente o ai resti bombardati di una città. Sembrava una dichiarazione figurativa e pacifista, ma anche ciascuno dei Plurimi poteva essere letto semplicemente come una replica delle composizioni astratte che Vedova usava nei suoi dipinti.

Emilio Vedova - Senza Titolo, 1984. Pittura su tela. 120 x 90 cm, incorniciato. Firmato e datato sul retro e sul telaio. Galleria Salvatore + Caroline Ala, Milano / Collezione privata europea. © 2019 Dorotheum GmbH & Co KG

Forse l’aspetto più significativo del suo stile espositivo era che Vedova preferiva che i suoi dipinti fossero mostrati insieme in grandi gruppi. Siamo abituati a vedere un singolo dipinto di un artista, o anche se si tratta di una retrospettiva i dipinti sono appesi abbastanza distanti l’uno dall’altro da poter essere considerati separatamente, come oggetti speciali. Vedova spesso raggruppava i suoi dipinti, li impilava uno sopra l’altro o li appendeva in modi non tradizionali, quasi a voler dire che gli oggetti singoli non erano destinati a essere venerati. Era l’effetto complessivo che voleva far riflettere gli spettatori. Questo atteggiamento, per cui ciascuno dei suoi dipinti non era una merce preziosa, separava ancora una volta Vedova dai suoi contemporanei negli Stati Uniti. Questo atteggiamento è anche una delle ragioni per cui è considerato una grande influenza sugli artisti dell’Arte Povera. Come loro, Vedova non si preoccupava mai di soddisfare i sistemi artistici esistenti; spesso era contento di smantellarli.

Immagine in evidenza: Emilio Vedova - Senza Titolo. Olio su carta applicata su cartone. 24 x 34 cm. Dichiarazione di autenticità sul retro: La mia opera / E. Vedova: timbro Galleria Il Traghetto, Venezia.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio