Ricordando Emilio Vedova, un leader dell'Arte Informale

Quest'inverno a Milano, Italia, il Palazzo Reale ospiterà una mostra che celebra quello che sarebbe stato il 100° compleanno del pittore astratto italiano Emilio Vedova, scomparso nel 2006. Nato a Venezia nel 1919, Vedova raggiunse la fama nei decenni successivi alla Seconda Guerra Mondiale grazie ai suoi molteplici contributi all'avanguardia italiana del XX secolo. In vari momenti, Vedova è stato membro di diversi collettivi artistici influenti, tra cui Corrente—un movimento dedicato all'apertura e all'antifascismo durante la Guerra Civile Spagnola—e Fronte Nuovo delle Arti, fondato dopo la guerra per sostenere l'abbraccio degli ultimi sviluppi del Modernismo europeo. Nel 1946, Vedova firmò il Manifesto del Realismo per Scultori e Pittori, noto anche come "Oltre Guernica". Il manifesto celebrava la posizione figurativa e anti-bellica che Picasso affermò nel suo dipinto Guernica del 1937 e definiva la pittura e la scultura atti di "partecipazione alla realtà totale dell'umanità". Inoltre, affermava che la "funzione positiva dell'individualismo" era "esaurita". Come altri firmatari di questo manifesto, Vedova era stato membro del Movimento di Resistenza Italiano che si oppose alla Germania nazista e alla Repubblica Sociale Italiana fascista durante la guerra. In termini pratici, il loro manifesto post-Guernica significava che credevano che l'arte realistica e figurativa fosse il modo migliore per affrontare i mali politici e sociali della loro società. Tuttavia, nel corso degli anni, il self-taught Vedova cambiò idea, rifugiandosi sempre di più nella propria immaginazione. Alla fine giunse a credere che l'unico modo per far progredire veramente l'arte italiana fosse attraverso l'arte astratta idiosincratica e individualizzata. Nel 1952, Vedova abbandonò tutte le sue precedenti associazioni e si unì a quello che divenne noto come il Gruppo degli Otto, che includeva anche Afro Basaldella, Renato Birolli, Antonio Corpora, Mattia Moreni, Ennio Morlotti, Giuseppe Santomaso e Giulio Turcato. Anche se esistette solo per due anni, questo gruppo si rivelò davvero trasformativo per Vedova, perché quando si esibì insieme alla Biennale di Venezia del 1952, venne considerato l'inizio del movimento artistico astratto noto come Arte Informale.

Un risveglio globale

L'Arte Informale è spesso considerata l'equivalente italiano dell'Espressionismo Astratto. Tuttavia, questa è una spiegazione piuttosto superficiale e abbreviata che ignora le differenze sfumate tra le due posizioni. Inoltre, evita la realtà che entrambe le posizioni facevano parte di un risveglio globale molto più ampio nelle arti. Insieme al Tachismo, all'Art Autre, all'Art Brut, al lavoro del Gruppo Gutai, al Nouveau Réalisme e a diverse altre manifestazioni internazionali del fenomeno, l'Espressionismo Astratto e l'Arte Informale erano semplicemente tentativi da parte degli artisti del Dopoguerra di liberarsi delle limitazioni storiche creando metodi astratti personali per fare arte. Il motivo principale per cui l'Arte Informale è così spesso paragonata all'Espressionismo Astratto è che alcuni pittori associati a entrambe le posizioni hanno mobilitato uno stile visivo simile, definito da segni di pennello energetici e gestuali su tele di grande formato. Jackson Pollock e Franz Kline potrebbero essere esempi principali di Espressionisti Astratti che hanno utilizzato quelle tecniche, e Emilio Vedova è un esempio principale di un artista dell'Arte Informale che ha fatto lo stesso.

Emilio Vedova - La Spagna di Franco, 1962. Inchiostro su carta. 12 1/2 x 17 3/4" (31,6 x 44,0 cm). Fondo L-B Foundation. Collezione MoMA. © 2019 Il Museo di Arte Moderna

È interessante notare che Vedova si muoveva in un circolo sociale con Jackson Pollock e Franz Kline. Vedova strinse amicizia con uno dei loro principali sostenitori, Peggy Guggenheim, quando visitò Venezia nel 1946; la collezionista influente acquistò diverse opere da Vedova e lo aiutò persino a esporre negli Stati Uniti. Ma per essere giusti sia con Vedova che con gli Espressionisti Astratti, il loro lavoro non è affatto lo stesso. Gli Espressionisti Astratti si consideravano essenzialmente americani e si sforzavano di scrollarsi di dosso l'eredità dell'Europa per esprimere qualcosa di unico per la loro cultura. Al contrario, Vedova si percepiva come un cittadino del mondo. Durante una lunga visita in Brasile nel 1954, rimase affascinato dai modi in cui la natura esercitava il suo potere in quel luogo. Descrisse di essere stato trasformato dalla "nuova geografia... Città che inghiottono gli uomini... La natura come melodramma, uragani come il Giudizio Universale." In seguito parlò delle sue stesse opere usando questo stesso tipo di linguaggio, descrivendole non come dipinti, ma come "terremoti."

Emilio Vedova - Tensione, N 4 V, 1959. Olio su tela. 145,5 x 196 cm, incorniciato. Firmato, datato e intitolato sul retro. Galleria Blu, Milano (timbro sul retro) / Collezione Privata Europea. © 2019 Dorotheum GmbH & Co KG

Ridefinire lo spazio

Un'altra qualità che rese Vedova distintivo fu il modo in cui insinuava il suo lavoro negli spazi espositivi. Oltre ai suoi grandi telai, che venivano appesi in modi inaspettati, a volte appendeva enormi sciami di piccoli dipinti su una parete insieme, compattati strettamente come manifesti attaccati a un muro urbano. Realizzava anche enormi tele circolari, a volte unendo i cerchi insieme perpendicolarmente sul pavimento. Nel 1961, creò i suoi primi "Plurimi", o Multipli, un tipo di assemblaggio autoportante di superfici dipinte. Nel 1964, espose quello che è considerato il suo capolavoro Plurimi alla documenta III di Kassel, in Germania—Absurdes Berliner Tagebuch ´64 (Diario Assurdo di Berlino '64). L'opera assomigliava a un villaggio di rifugiati malandato, o ai resti bombardati di una città. Sembrava una dichiarazione figurativa e anti-bellica, ma anche ciascuno dei Plurimi poteva essere interpretato semplicemente come una replica delle composizioni astratte che Vedova stava utilizzando nei suoi dipinti.

Emilio Vedova - Senza titolo, 1984. Pittura su tela. 120 x 90 cm, incorniciato. Firmato e datato sul retro e sul telaio. Galleria Salvatore + Caroline Ala, Milano / Collezione privata europea. © 2019 Dorotheum GmbH & Co KG

Forse l'aspetto più rivelatore del suo stile espositivo era che Vedova preferiva che i suoi dipinti fossero mostrati insieme in grandi gruppi. Siamo abituati a vedere un singolo dipinto di un artista, o anche se si tratta di una retrospettiva, i dipinti sono appesi abbastanza distanti l'uno dall'altro da poter essere considerati separatamente, come speciali reperti. Vedova spesso raggruppava i suoi dipinti, li accatastava l'uno sopra l'altro o li appendeva in modi non tradizionali, quasi per dire che gli oggetti individuali non erano destinati a essere venerati. Era l'effetto complessivo su cui voleva che gli spettatori riflettessero. Questo atteggiamento, secondo cui ciascuno dei suoi dipinti non era una merce preziosa, separava nuovamente Vedova dai suoi contemporanei negli Stati Uniti. Questo atteggiamento è anche una delle ragioni per cui è considerato un'influenza importante sugli artisti dell'Arte Povera. Come loro, Vedova non si preoccupava mai di soddisfare i sistemi artistici esistenti; era spesso contento di eviscerarli invece.

Immagine in evidenza: Emilio Vedova - Senza Titolo. Olio su carta applicata su cartone. 24 x 34 cm. Dichiarazione di autenticità sul retro: Il mio lavoro / E. Vedova: timbro Galleria Il Traghetto, Venezia.
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park