Come il disegno ha rivitalizzato l'America del dopoguerra - al MoMA

Con la fine delle restrizioni COVID a New York, diverse mostre museali, la cui durata è stata prolungata durante il blocco pandemico, stanno richiamando l’attenzione. Tra le migliori per gli appassionati di astrazione c’è Degree Zero: Drawing at Midcentury al MoMA, una mostra di 79 disegni per lo più astratti creati tra il 1950 e il 1961. Ciò che rende questa mostra straordinaria sono due questioni sollevate dalla curatela, riguardo alla natura e al valore del disegno come mezzo artistico, e al potere delle istituzioni di costruire, e ricostruire, versioni ufficiali della storia dell’arte. Per quanto riguarda il valore del disegno come mezzo, le poste in gioco generalmente sembrano inferiori rispetto ai suoi gemelli dizigotici, pittura e scultura. Carta, penne e matite sono economici e facili da reperire rispetto a buoni colori, tele, metallo, argilla o pietra. Gli artisti stessi spesso considerano i disegni come esercizi preparatori per altre opere. Ironia della sorte, tali basse aspettative a volte portano a capolavori, conferendo al disegno un senso di libertà che mezzi più pianificati e deliberati resistono a concedere. Degree Zero esamina questo fenomeno in due modi. Primo, la curatela si concentra su decine di disegni chiaramente intesi come opere finite—non preparatorie—come un mozzafiato disegno giallo senza titolo dell’artista svizzera Sonja Sekula, o la perfetta “Composizione con una bandiera” dell’artista italo-brasiliano Alfredo Volpi. Secondo, include diverse opere presumibilmente preparatorie—soprattutto i disegni di Ellsworth Kelly “Studio per La Combe II” (1950) e “Studio per Finestra, Museo di Arte Moderna, Parigi” (1949)—che in molti modi sono superiori alle versioni finali che hanno preceduto. Per quanto riguarda ciò che Degree Zero fa per affrontare il potere di istituzioni come il MoMA di scrivere e riscrivere la storia dell’arte, l’intera mostra è fondamentalmente un tentativo di correggere la narrazione ristretta a cui il MoMA ha contribuito in primo luogo, secondo cui l’arte del dopoguerra fosse largamente un affare americano, bianco, maschile, dominato dall’Espressionismo Astratto. Estratti interamente dalla collezione permanente del MoMA, Degree Zero include artisti di due generi da cinque continenti, rappresenta molteplici origini razziali e include alcuni artisti autodidatti. Ciò non cancella i peccati del passato, ma testimonia almeno il desiderio che il MoMA ha oggi di iniziare a riparare un passato spezzato.

Chi disegna i disegni

Forse la cosa più notevole di Degree Zero è il fatto che la mostra esista affatto. Qualsiasi disegnatore professionista vi dirà che il motivo per cui i disegni tendono a comandare prezzi più bassi rispetto ai dipinti sia sul mercato primario che secondario è che i collezionisti tendono a non considerare i disegni come opere da conservare a lungo termine. Molti disegnatori infatti non investono il tempo per scegliere carta di qualità, preparare la superficie, selezionare materiali di qualità, né proteggere l’opera una volta terminata. Quando si acquista un disegno, si finisce per spendere molto denaro per incorniciarlo, facendo attenzione a scegliere il tipo corretto di vetro, e appenderlo in un luogo dove non venga danneggiato dalle condizioni atmosferiche. Anche quando realizzati e protetti correttamente, i disegni tendono a degradarsi più rapidamente dei dipinti. Per questo motivo molti disegni nelle collezioni museali finiscono per decenni in cassetti piatti, ignorati e infine dimenticati. Quando vengono riscoperti, a volte sono ormai irrimediabili.

Norman Lewis - Il Messaggero, 1952. Carbone e inchiostro su carta. 66,1 x 77,3 cm. The Museum of Modern Art, New York. Dono di Blanchette Hooker Rockefeller © Patrimonio di Norman Lewis; Cortesia di Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

In qualche modo, il MoMA non solo è riuscito a raccogliere 79 disegni di un solo decennio, ma ora che hanno più di 60 anni, un gran numero di questi disegni è ancora in condizioni straordinariamente buone. Un esempio fantastico è “Senza titolo (Disegno di fumo)” (1959), di Otto Piene. L’artista ha realizzato quest’opera sospendendo un foglio di carta su una rete metallica sopra una fiamma ardente, permettendo al fumo di bruciare un motivo circolare sulla carta. In qualche modo, questo foglio di carta annerito rimane completamente intatto, e sublimemente espressivo, dopo 62 anni. Un altro esempio notevole è “Il Messaggero” (1952), un disegno a carbone e inchiostro su carta di Norman Lewis. Quest’opera conserva tale dettaglio, delicatezza e sfumatura che quasi 70 anni dopo la sua creazione sembra ancora contenere l’eco del cuore gentile, riflessivo e vivo di questo straordinario artista. La meravigliosa conservazione di queste opere decontestualizza il mezzo non come qualcosa destinato a deteriorarsi, ma come qualcosa di unicamente espressivo della mente e del corpo del disegnatore che lo ha realizzato, degno di essere protetto e collezionato.

Vista dell’installazione di Degree Zero: Drawing at Midcentury, 1 novembre 2020–6 febbraio 2021 al The Museum of Modern Art, New York. Immagine digitale © 2020 The Museum of Modern Art, New York. Foto di Robert Gerhardt

Raddrizzare la storia

Samantha Friedman, curatrice associata del MoMA per disegni e stampe, merita ulteriore riconoscimento per come ha selezionato opere che trasmettono una prospettiva globale, multigenere, multirazziale e multididattica. Tuttavia, sono ugualmente colpito dall’effetto che Degree Zero ha avuto sulla mia comprensione delle singole opere di alcuni artisti della mostra. Una coppia di disegni di Louise Bourgeois mi ha assolutamente catturato, reiterando il bambino che vive negli adulti e offrendo uno sguardo delizioso sull’anima giovanile di questa artista le cui sculture trovo terrificanti e profondamente adulte. “Senza titolo (Firenze)” (1952) di Jay DeFeo è l’unica opera di piccole dimensioni di questa artista che abbia mai visto. La sua chiarezza e passione sconvolgenti hanno impresso l’immagine nella mia mente, probabilmente in modo permanente. Un disegno in bianco e nero senza titolo di Georges Mathieu del 1958 ha alzato ancora di più l’asticella del rispetto per questo pittore. Sono sempre stato un ammiratore delle sue astrazioni singolarmente cosmiche, ma vedere ciò che ha fatto qui senza l’ausilio del colore e della texture mi ha dimostrato la sua maestria.

Joan Mitchell - Senza titolo, 1957. Olio su carta. 49,5 x 44,5 cm. The Museum of Modern Art, New York. Fondi del Comitato per i Disegni © Patrimonio di Joan Mitchell

L’ultimo modo in cui sento che Degree Zero “raddrizza” la storia è nella sua volontà di uscire da ciò che normalmente sarebbe considerato un disegno. New City (1953), un acquerello e inchiostro su carta di Dorothy Dehner, sarebbe normalmente considerato semplicemente un dipinto ad acquerello, ma il suo aspetto lineare suggerisce sicuramente che appartenga a questa mostra. Allo stesso modo, un’opera colorata senza titolo in pastelli di Beauford Delaney sarebbe normalmente mostrata come un dipinto, o semplicemente come un’opera su carta. Lo stesso si potrebbe dire per lo splendido olio su carta senza titolo di Joan Mitchell del 1957; un’opera acrilica su carta realizzata con palline lanciate di Saburo Murakami; una stampa a inchiostro di Sari Dienes; e il collage “2Letters Ms” (1961) di Vera Molnar. Categorizzare queste opere come disegni sfuma le definizioni in modo sottile e sovversivo, e contribuisce all’effetto complessivo che questa mostra ottiene di ampliare l’esperienza del disegno, e della storia dell’arte, rendendola più aperta di quanto non sia stata in passato.

Immagine in evidenza: Otto Piene - Senza titolo (Disegno di fumo), 1959. Fuliggine su carta. 51 x 73 cm. The Museum of Modern Art, New York. Acquistato con fondi forniti da Sheldon H. Solow © 2019 Otto Piene / Artists Rights Society (ARS), New York / VG. Bild-Kunst, Germania
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio