Come il disegno ha rivitalizzato l'America del dopoguerra - al MoMA

Con le restrizioni COVID a New York che si allentano, diverse mostre museali le cui aperture sono state prolungate durante la chiusura pandemica stanno attirando l'attenzione. Tra le migliori per gli appassionati di astrazione c'è Degree Zero: Drawing at Midcentury al MoMA, un'esposizione di 79 disegni per lo più astratti creati tra il 1950 e il 1961. Ciò che rende questa esposizione straordinaria sono due domande sollevate dalla curatela, riguardo alla natura e al valore del disegno come mezzo artistico, e riguardo al potere delle istituzioni di costruire e ricostruire versioni ufficiali della storia dell'arte. In termini di valore del disegno come mezzo, le aspettative generalmente sembrano più basse rispetto ai suoi gemelli dizigotici, pittura e scultura. Carta, penne e matite sono economici e facili da ottenere rispetto a buoni colori, tela, metallo, argilla o pietra. Gli artisti stessi spesso considerano i disegni come pratica per altre opere. Ironia della sorte, tali basse aspettative a volte si traducono in capolavori, conferendo al disegno un senso di libertà che mezzi più pianificati e deliberati resistono. Degree Zero esamina questo fenomeno in due modi. Innanzitutto, la curatela si concentra su dozzine di disegni che erano chiaramente destinati a essere opere finite—non preparatorie—come un incredibile disegno giallo, senza titolo, dell'artista svizzero Sonja Sekula, o la perfetta “Composizione con una bandiera” dell'artista italo-brasiliano Alfredo Volpi. In secondo luogo, include diversi lavori supposti preparatori—soprattutto i disegni di Ellsworth Kelly “Studio per La Combe II” (1950) e “Studio per Finestra, Museo di Arte Moderna, Parigi” (1949)—che sono in molti modi superiori alle versioni finali che hanno preceduto. Per quanto riguarda ciò che Degree Zero fa per affrontare il potere delle istituzioni come il MoMA di scrivere e riscrivere la storia dell'arte, l'intera esposizione è fondamentalmente un tentativo di correggere la narrazione ristretta a cui il MoMA ha contribuito in primo luogo, secondo cui l'arte del dopoguerra era per lo più un affare americano, bianco e maschile, dominato dall'Espressionismo Astratto. Estratto interamente dalla collezione permanente del MoMA, Degree Zero include artisti di due generi provenienti da cinque continenti, rappresenta molteplici background razziali e include alcuni artisti non formati. Ciò non cancella i peccati passati, ma almeno testimonia il desiderio che il MoMA ha oggi di iniziare a riparare un passato rotto.

Cassetti di disegni

Forse la cosa più notevole di Degree Zero è il fatto che l'esposizione esista. Qualsiasi disegnatore professionista ti dirà che il motivo per cui i disegni tendono a comandare prezzi più bassi rispetto ai dipinti sia nel mercato primario che secondario è che i collezionisti tendono a non vedere i disegni come archivistici. Molti disegnatori in effetti non investono né il tempo per scegliere carta di qualità, né per preparare la superficie, né per selezionare materiali di qualità, né per proteggere l'opera quando è finita. Quando acquisti un disegno, finisci per dover spendere molti soldi per incorniciare l'opera, facendo attenzione a scegliere il tipo corretto di vetro, e appenderla in un luogo dove non sarà danneggiata dalle condizioni atmosferiche. Anche quando sono realizzati e protetti correttamente, i disegni tendono a degradarsi più rapidamente rispetto ai dipinti. Questo è il motivo per cui molti disegni nelle collezioni museali finiscono per rimanere in cassetti piatti per decenni, ignorati e infine dimenticati. Quando vengono riscoperti, a volte sono oltre la salvezza.

Norman Lewis - Il Messaggero, 1952. Carboncino e inchiostro su carta. 26 x 30 3/8′′ (66,1 x 77,3 cm). Il Museo di Arte Moderna, New York. Dono di Blanchette Hooker Rockefeller © Eredità di Norman Lewis; Cortesia di Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

In qualche modo, il MoMA è riuscito non solo a raccogliere 79 disegni da un singolo decennio, ma ora che hanno più di 60 anni, un gran numero di questi disegni è ancora in condizioni straordinariamente buone. Un esempio fantastico è "Untiled (Smoke Drawing)" (1959), di Otto Piene. L'artista ha realizzato quest'opera sospendendo un foglio di carta su uno schermo metallico sopra una fiamma ardente, permettendo al fumo di bruciare un motivo circolare sulla carta. In qualche modo, questo foglio di carta bruciato rimane completamente intatto e sublimemente espressivo, 62 anni dopo. Un altro esempio notevole è "The Messenger" (1952), un disegno a carboncino e inchiostro su carta di Norman Lewis. Quest'opera conserva così tanto dettaglio, delicatezza e sfumatura che quasi 70 anni dopo la sua creazione sembra ancora contenere l'eco del cuore gentile, riflessivo e vivo di questo straordinario artista. La meravigliosa conservazione di queste opere decontestualizza il medium non come qualcosa destinato a deteriorarsi, ma come qualcosa di unicamente espressivo della mente e del corpo del disegnatore che l'ha realizzato, che vale la pena proteggere e collezionare.

Vista dell'installazione di Degree Zero: Drawing at Midcentury, 1 novembre 2020–6 febbraio 2021 presso il Museum of Modern Art, New York. Immagine digitale © 2020 The Museum of Modern Art, New York. Foto di Robert Gerhardt

Raddrizzare la storia

Samantha Friedman, curatrice associata del MoMA per disegni e stampe, merita ulteriore credito per quanto bene abbia selezionato opere che trasmettono una prospettiva globale, multi-genere, multi-razziale e multi-didattica. Tuttavia, sono anche altrettanto colpito dall'effetto che Degree Zero ha avuto sulla mia comprensione delle singole opere di alcuni degli artisti presenti nella mostra. Un paio di disegni di Louise Bourgeois mi hanno assolutamente catturato, ribadendo il bambino che vive dentro gli adulti e offrendo un delizioso sguardo sull'anima giovanile di questo artista le cui sculture trovo terrificanti e profondamente adulte. "Untitled (Florence)" (1952) di Jay DeFeo è l'unico lavoro di piccole dimensioni di questo artista che abbia mai visto. La sua chiarezza scioccante e la passione hanno impresso l'immagine nella mia mente, probabilmente in modo permanente. Un disegno in bianco e nero senza titolo di Georges Mathieu del 1958 ha alzato ulteriormente il livello di rispetto per questo pittore. Ero sempre stato un fan delle sue astrattistiche cosmiche uniche, ma vedere cosa ha fatto qui senza l'aiuto del colore e della texture mi ha dimostrato la sua maestria.

Joan Mitchell - Senza titolo, 1957. Olio su carta. 19 1/2 x 17 1/2′′ (49,5 x 44,5 cm). Il Museum of Modern Art, New York. Comitato per i Fondi di Disegni © Eredità di Joan Mitchell

L'ultimo modo in cui sento che Degree Zero "dirige" la storia è nella sua volontà di andare oltre ciò che normalmente sarebbe considerato un disegno. New City (1953), un acquerello e inchiostro su carta di Dorothy Dehner, sarebbe normalmente considerato semplicemente un dipinto ad acquerello, ma il suo aspetto lineare suggerisce sicuramente che appartiene a questa mostra. Allo stesso modo, un'opera colorata e senza titolo in pastelli di Beauford Delaney sarebbe normalmente mostrata come un dipinto, o semplicemente un'opera su carta. Lo stesso si potrebbe dire per il sorprendente olio su carta senza titolo di Joan Mitchel del 1957; un'opera in acrilico su carta di Saburo Murakami; e un inchiostro a rilievo di Sari Dienes; e il collage "2Letters Ms" (1961) di Vera Molnar. Categorizzare queste opere come disegni sfuma le definizioni in modo sottile e sovversivo, e contribuisce all'effetto complessivo che questa esposizione raggiunge nell'espandere l'esperienza del disegno e della storia dell'arte, rendendola più aperta di quanto non sia stata in passato.

Immagine in evidenza: Otto Piene - Senza titolo (Disegno di fumo), 1959. Fuliggine su carta. 20 x 29′′ (51 x 73 cm). Il Museum of Modern Art, New York. Acquistato con fondi forniti da Sheldon H. Solow © 2019 Otto Piene / Artists Rights Society (ARS), New York / VG. Bild-Kunst, Germania
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park